cine

murió christopher trumbo

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Guionista de cine y televisión. Hijo de Dalton Trumbo.

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[Dennis McLellan] Murió Christopher Trumbo, guionista de cine y televisión, hijo del guionista Dalton Trumbo, que fue perseguido y encarcelado durante el periodo mccarthysta de la Caza de Brujas Anticomunista como miembro de los 10 de Hollywood. Tenía 70 años.
Trumbo falleció el sábado tras complicaciones de un cáncer al riñón en su casa en Ojai, comunicó su hermana Mitzi Trumbo.
Durante una carrera literaria de más de cuarenta años iniciada en 1967, Trumbo escribió episodios de series de televisión como ‘Ironside’, ‘Quincy, M.E.’ y ‘Falcon Crest’; y co-escribió los largometrajes policiales ‘El Don ha muerto’ [The Don Is Dead], con Anthony Quinn, de 1973, y ‘Brannigan’, con John Wayne, de 1975.
También era conocido como una autoridad sobre el periodo de la persecución anticomunista, sobre el que adquirió de primera mano muchos conocimientos.
Escribió una pieza de teatro con dos personajes, basada en las cartas de su padre, ‘Trumbo: Red, White & Blacklisted’, que cuenta la historia de vida y persecución de Dalton Trumbo sobre la base de su correspondencia.
Una producción off-Broadway de la obra, dirigida por Peter Askin, se estrenó en el Westside Theatre en 2003 con Nathan Lane como Trumbo y Gordon MacDonald como narrador.
La obra se representó durante algo más de un año y se jactó de contar con toda una serie de nombres familiares para el papel de Trumbo, incluyendo a Brian Dennehy, Gore Vidal, Richard Dreyfuss, F. Murray Abraham y Chris Cooper. Luego la obra realizó una gira nacional con Dennehy en el papel principal.
Las cartas de Dalton Trumbo también fueron la base de ‘Trumbo’ (2007), escrita por Christopher Trumbo y dirigida por Askin, una película parte documental y parte dramática con actores como Lane, Dennehy, Paul Giamatti, Liam Neeson y Donald Sutherland.
"Los actores adoran esas cartas; es por eso que hemos podido atraerlos", dijo Askin al Times el martes. "A los actores les encanta trabajar con ese tipo de materiales".
Askin dijo que Christopher Trumbo era "apasionado, y un articulado vocero de la época de la persecución anticomunista".
"Se enteró por su padre y lo vivió, y fue absolutamente coherente en su interpretación de esa época y en su defensa de los principios que defendió su padre", dijo Askin.
Y Trumbo "era tan divertido como su padre", dijo.
"Se veía que había absorbido el mordaz sentido del humor e independencia de espíritu de su padre", dijo. "Cuando escuchabas a Chris, te sentías como en el mundo de su padre".

Nacido el 25 de septiembre de 1940, en Los Angeles, Trumbo tenía siete años cuando su padre fue citado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses de la Cámara como parte de una investigación sobre la "infiltración comunista de la industria del cine".
Como uno de los 10 de Hollywood que se negó a cooperar con el comité, impugnando el derecho de este a interrogarle sobre sus creencias políticas, Dalton Trumbo y los otros fueron puestos en lista negra por los dueños de los estudios.
Después de que él y los otros fueran acusados de desacato al Congreso, juzgados, condenados y sentenciados a penas de cárcel. Dalton Trumbo pasó diez meses en una cárcel federal de Kentucky.
Liberado en 1951, se mudó con su familia y la del guionista perseguido, Hugo Butler, a Ciudad de México. Después de dos años en México, los Trumbo volvieron y se establecieron en Highland Park.
Los tres niños Trumbo sufrieron las consecuencias de la Caza de Brujas y la notoriedad de su padre.
"Mi hermana menor fue expulsada de las Blue Birds [niñas boy scout], por indeseable", contó Trumbo en una entrevista con la Associated Press en 1996. "Cuando yo estaba en la secundaria, las autoridades trataron de despojarme de un premio académico debido a los antecedentes de mi familia.
"Los sentimientos sobre mi padre fueron lo suficientemente fuertes como para que escuelas, organizaciones privadas e individuos enviaran cartas de odio. Ese era el tenor de los tiempos".
Después de su liberación, Dalton Trumbo volvió a escribir bajo una variedad de seudónimos.
"Usó al menos trece nombres diferentes y había construido un elaborado sistema en su cuenta bancaria para protegerse a sí mismo e impedir que los productores fueran identificados", contó Christopher Trumbo al Times en 1989. "Cuando tenía dieciséis o diecisiete años, cruzaba la ciudad a veces con diez o veinte mil dólares en efectivo y cheques para depositarlos bajo esos nombres diferentes".
En 1957, el guión de Dalton Trumbo para ‘La extraña que hay en ti’ [The Brave One], que escribió con el seudónimo Robert Rich, ganó un Oscar.
En enero de 1960, el director y productor Otto Preminger rechazó abiertamente la lista negra cuando contó al New York Times que Trumbo era el guionista de ‘Éxodo’ [Exodus] y que sería reconocido en los créditos. Siete meses después, se anunció que Trumbo también sería reconocido oficialmente como el único guionista de la película de Kirk Douglas, ‘Espartaco’ [Spartacus]. Ambas películas fueron estrenadas más tarde ese año.
Christopher Trumbo se licenció en la Universidad de Columbia en 1963, después de haber suspendido un año sus estudios para trabajar como director asistente de ‘Éxodo’.
Más tarde trabajó como productor asociado y asistente de director en el largometraje pacifista ‘Johnny cogió su fusil’ [Johnny Got His Gun], de 1971, que fue escrita y dirigida por su padre.
"El modo de pensar y de escribir de Christopher no han sido superados", dijo Michael Butler, hijo de Hugo Butler y colega guionista de Christopher Trumbo a fines de los años sesenta y principios de los setenta.
"A diferencia de la mayoría de nosotros en los años sesenta, Christopher se dedicaba a hacer siempre lo correcto", contó Butler. "Era un ser humano extraordinariamente moral y ético. Su vida fue siempre de una tremenda rectitud".
Trumbo, que fue entrevistado frecuentemente sobre la lista negra de Hollywood y apareció en varios documentales sobre el tema, estaba trabajando en una historia/libro de memorias sobre la lista negra al momento de su muerte.
Además de su hermana Mitzi, le sobreviven su esposa Nancy Escher; y su otra hermana, Nikola Trumbo.
19 de enero de 2011
12 de enero de 2011
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murió peter yates

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Director de ‘Bullitt’. Decía de sí mismo que contribuyó dos cosas a la historia del cine: las persecuciones en coche y la camiseta mojada.

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[Dennis McLellan] Murió Peter Yates, director de cine británico conocido por ‘El relevo’ [Breaking Away], ‘La sombra del actor’ [The Dresser] y ‘Bullitt’, la película de 1968 con Steve McQueen cuya histórica secuencia de persecución en coche por las accidentadas calles de San Francisco fue un momento crucial de su carrera como actor y director. Tenía 81 años.
Yates falleció el domingo en Londres, informó en una declaración su agente Judy Daish, según la Associated Press.
En una carrera que empezó con el musical pop ‘Vacaciones de verano’ [Summer Holiday], de Cliff Richard, de 1963, Yates dirigió más de dos docenas de películas, incluyendo ‘La guerra de Murphy [Murphy’s War], ‘Un diamante al rojo vivo’ [The Hot Rock], ‘Los amigos de la muerte’ [The Friends of Eddie Coyle; El confidente], ‘¿Qué pasa, Bárbara?’ [For Pete’s Sake], ‘Abismo’ [The Deep], ‘El Madre, la Melones y el Ruedas’ [Mother Jugs & Speed] y ‘El ojo mentiroso’ [Eyewitness].
Como director, Yates fue dos veces nominado a un Oscar -por ‘El relevo’, una liviana historia sobre el fin de la adolescencia ambientada en Indiana; y por ‘La sombra del actor’, una historia de 1983 ambientada en Inglaterra en tiempos de guerra, con Albert Finney como actor y director tratando de mantener a flote su compañía y Tom Courtney como su dedicado ayudante.
Yates fue también el productor de ‘El relevo’ y uno de los productores de ‘La sombra del actor’, siendo nominado por las dos a un Oscar a la mejor película.
Sólo había dirigido tres películas antes de debutar en el cine estadounidense con ‘Bullit’, cuyo reparto incluía a Robert Vaughn y Jacqueline Bisset.
Una persecución en coche en ‘El gran robo’ [Robbery], la realista película policial de Yates de 1967, basada en el Gran Robo del Tren de 1963, había llamado la atención de McQueen, cuya compañía produjo ‘Bullitt’.
Durante el rodaje de ‘Bullitt’, McQueen estuvo más que dispuesto a coger el volante del Mustang policial verde oscuro de su personaje detective para la secuencia de persecución con los malos en un Dodge Charger.
En una entrevista con la Associated Press en 1992, Yates recordó a McQueen como "muy macho", lo que quedó abundantemente claro durante la dirección de la primera parte de la persecución.
"Yo estaba en el asiento trasero del Mustang y Steve iba a cerca de 190 kilómetros por hora", contó Yates. "Llegamos al último tramo cuesta abajo y luego subimos a la cima del cerro y Steve iba bastante rápido. Le toqué el hombro y le dije: ‘Ahora podemos disminuir la velocidad, nos estamos quedando sin película’. Steve, muy tranquilo, me dijo: ‘No podemos. No tenemos frenos’.
El Mustang, de acuerdo a la versión de la AP, continuó corriendo cuesta abajo, pasó junto al personal y entró a la carretera antes de que McQueen lo dirigiera hacia un terraplén para disminuir la velocidad.
"Si hubiese sido otro, no lo habríamos logrado", dijo Yates. "Steve era un gran conductor".
Después de ‘Bullit’, Yates dirigió el romance ‘John y Mary’ [John and Mary], de 1969, con Dustin Hoffman y Mia Farrow en los papeles pricipales.
"Después de ‘Bullit’, yo estaba decidido a no hacer otra película de acción", contó al Times en 2000. "Eso puede haber sido un error, pero mi teoría era que, quizás egoístamente, es más interesante trabajar en diferentes géneros.
"Si eres sólo un tipo de director, la gente se cansará de ti. Pero si haces películas diferentes todo el tiempo, quizás te juzguen por tu talento".
Yates, que dijo una vez que cuando venía a Los Angeles se sentía "como un colono del té en un enclave colonial", fue descrito como un hombre de voz suave práctico, modesto y profesoral.
"Peter Yates era un hombre muy culto y muy civilizado, lo que ciertamente contribuyó a su aporte cinematográfico", dijo el lunes en una declaración Jacqueline Bisset, que trabajó en ‘Abismo’ y ‘Bullit’. "Era valiente. En ‘Abismo’ y ‘Bullit’ fue incluso intrépido. Aprecio la larga amistad que he tenido con Peter y su esposa Virginia".
Junto a la clásica secuencia de persecución en ‘Bullit’, la aparición de Bisset zambulléndose en una camiseta blanca pegada al cuerpo en ‘Abismo’ es otro icónico momento en la filmografía de Yates.
Yates se rió cuando el Independent de Londres le preguntó en 1997 si le molestaba que su carrera se pudiera reducir a esos hechos tan precisos.
"Mi hijo que acusaba exactamente de lo mismo", dijo. "Me dijo hace poco que yo había contribuido dos cosas a la cultura americana: la persecución en coche y la camiseta mojada".
Pero, dijo, "es mejor contribuir con algo que no contribuir en absoluto".

Nacido en Aldershot, Hampshire, Inglaterra el 24 de julio de 1929, estudió en la Real Academia de las Artes Dramáticas y empezó su carrera como actor. Se dice que pasó varias temporadas sobreviviendo como chofer de coches de carrera y como manager de otros conductores.
Después de trabajar como editor de doblaje de películas extranjeras, Yates fue nombrado asistente de director a fines de los cincuenta, cuando trabajó en ‘Los cañones de Navarone’ [The Guns of Navarone], de J. Lee Thompson, y ‘El animador’ [The Entertainer] y ‘Un sabor a miel’ [A Taste of Honey], de Tony Richardson.
Yates también dirigió episodios de las series de televisión ‘El Santo’ [The Saint] y ‘El agente 00’ [Secret Agent] en los años sesenta.
‘Fantasmas a escena’, una fantasía romántica de 1999, fue su último largometraje dramático como director; sus últimos rodajes -‘Don Quijote’ [Don Quixote] (2000) y ‘A Separate Place’ (2004)- fueron películas para la televisión.
Le sobreviven su esposa, Virginia Pope; un hijo y una hija.
17 de enero de 2011
11 de enero de 2011
©los angeles times
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murió aron kincaid

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Actor conocido por las películas playeras de los años sesenta. Más tarde trabajó como modelo. Como pintor de paisajes y escenas marinas era conocido como N.N. Williams II.

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[Dennis McLellan] Murió Aron Kincaid, actor conocido por sus películas playeras de los años sesenta como ‘Chicas en la playa’ [The Girls on the Beach] y ‘El fantasma en la bikini invisible’ [The Ghost in the Invisible Bikini], y trabajó más tarde como modelo y artista. Tenía 70 años.
Kincaid, que vivía en Beverly Hills, falleció tras complicaciones cardíacas el jueves pasado en el Centro Médico Ronald Reagan de la UCLA, comunicó su amigo de toda la vida Rodney Kemerer.
El alto y guapo Kincaid era estudiante de la Universidad de California en Los Angeles (UCLA) cuando fue detectado  por un agente de reparto en un evento artístico en Los Ángeles y contratado luego por la Universal.
Finalmente consiguió un papel en la última temporada de la comedia de televisión ‘Papá soltero’ [Bachelor Father] en 1962, como Warren Dawson, el joven socio del abogado de Hollywood, Bentley Gregg ( John Forsythe). Dawson se compromete con la sobrina de Gregg, Kelly (Noreen Corcoran).
Kincaid apareció más tarde, con Corcoran, en la comedia de 1965 ‘Chicas en la playa’ y tuvo papeles en ‘Beach Ball’ y ‘Ski Party’, y fue anunciado como actor invitado en ‘Doctor G y su máquina de bikinis’ [Dr. Goldfoot and the Bikini Machine]. También apareció en ‘El más feliz millonario’ [The Happiest Millionaire], ‘Los orgullosos y los malditos’ [The Proud and the Damned] y otras películas.
Kincaid, que también apareció como actor invitado en series como ‘Los nuevos ricos’ [The Beverly Hillbillies] y ‘Superagente 86’, se mudó a San Francisco a principio de los años setenta e inició una exitosa carrera como modelo.
También tuvo una carrera de veinte años como actor de voz en cientos de comerciales y en series animadas de televisión como ‘Los Pitufos’ [Smurfs], ‘Las aventuras de Johnny Quest’ [Jonny Quest] y ‘The Transformers’.

Nació en Los Angeles como Norman Neale Williams II el 15 de junio de 1940. Su padre, subteniente en las Fuerzas Aéreas del Ejército, murió durante la Segunda Guerra Mundial. Su madre se volvió a casar y se mudaron a Oakland, donde Kincaid terminó la secundaria.
Tras licenciarse en la UCLA en 1962, se enroló en la reserva de la Guardia Costera.
Como artista, Kincaid usó el nombre de N.N. Williams II. Vendía sus paisajes y escenas marinas en galerías de arte de Laguna Beach.
16 de enero de 2011
8 de enero de 2011
©los angeles times
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murió miriam seegar whelan

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Actriz y diseñadora de interiores.

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Murió el domingo en su casa en Pasadena, por causas naturales, la actriz Miriam Seegar Whelan, de los primeros días del cine sonoro, que estuvo casada con el director Tim Whelan, comunicó su nuera Harriet Whelan. Tenía 103 años.
Después del fin de su carrera como actriz, Whelan se convirtió en diseñadora de interiores en Los Angeles.

Nació el 1 de septiembre de 1907 en Greentown, Indiana, donde ella y sus hermanas, de niños, se divertían actuando. Ya adolescente, se unió a una compañía de teatro itinerante en el Midwest y en Nueva York. Finalmente llegó a Londres y actuó con Ernest Truex en una producción de ‘Crime’, de West End.
Empezó a aparecer en películas británicas a fines de los años veinte, apareciendo en los carteles de ‘Valley of the Ghosts" (1928). Conoció a su futuro marido en el set de ‘When Knights Were Bold’, una película de 1929 dirigida por él.
Tras el retorno de la pareja a Estados Unidos, ella apareció en películas de Hollywood, como la comedia romántica de 1930, ‘What a Man’, la película de vaqueros de 1930, ‘The Dawn Trail’ y el drama policial de 1932, ‘Out of Singapore’.
Dejó la actuación para criar a los dos hijos que tuvo con Whelan, que murió en 1957.
16 de enero de 2011
5 de enero de 2011
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murió jill haworth

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Fue Sally, en ‘Cabaret’.Trabajó en un puñado de películas de horror, y después en la serie 'Misión Imposible'.

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[Bruce Weber] Murió el lunes en su casa en Manhattan la actriz británica Jill Haworth, que subió por única vez a las tablas en Broadway como la Sally Bowles original de ‘Cabaret’. Tenía 65 años.
La policía confirmó su muerte, atribuyéndola a causas naturales.
Una rubia menuda y asombrosamente bella (en Broadway llevó una peluca oscura), la señorita Haworth había recién cumplido los catorce cuando fue contratada para aparecer, con Paul Newman, Eva Marie Saint y Sal Mineo, como una refugiada judía en ‘Éxodo’ [Exodus] (1960), la grandiosa adaptación de Otto Preminger, de la novela de León Uris sobre el nacimiento del estado de Israel.
Hizo tres películas en Francia y luego otros dos con Preminger, ‘El cardenal’ [The Cardinal] y ‘Primera victoria’ [In Harm’s Way], antes de presentarse a una audición para ‘Cabaret’, con más de doscientas candidatas, y ganar el papel de Sally, la amorosa chiquilla que canta para vivir en un decadente club nocturno en el Berlín de la era de Weimar.
Julie Harris fue Sally en la obra de John Van Druten, ‘Soy una cámara’ [I Am a Camera], de la que se nutrió el musical (junto con el libro de Christopher Isherwood, ‘Historias de Berlín’ [The Berlin Stories], en el que se basa la obra). Liza Minnelli se apropiaría indeleblemente del papel cuando fue protagonista de la película en 1972, dirigida por Bob Fosse.
Para Haworth, sería al punto álgido de su carrera. Recién había cumplido los veinte el día del debut, y apenas tenía experiencia; y no había cantado nunca profesionalmente. Las reseñas no fueron abiertamente amables, y una en particular fue una irrecusable declaración de Walter Kerr en el New York Times.
"‘Cabaret’ es un musical impactante, con solo una nota mala", empezaba Kerr, para llamar a Haworth más tarde zopenca y definiéndola como "una presencia nociva, de tanta importancia para la obra como el peso de su maquillaje".
Harold Prince, que dirigió el musical, recordó en una entrevista el martes que Haworth se mostró notablemente firme y madura después de la golpiza. Tuvo ese papel durante casi dos años y nunca estuvo de más. "Simplemente la amábamos".
"La subestimaron", dijo Prince sobre los críticos. "No se suponía que Sally Bowles fuera una cantante profesional. No se suponía que debía ser tan mañosa que te olvidaras de que era una chica inglesa un poco perdida en la era de Weimar. Cuando Jill hizo la audición, se apoderó del papel de inmediato. Eso era lo que queríamos, y eso fue lo que entregó".

Valerie Jill Haworth nació, de acuerdo a numerosas fuentes online, en Sussex, Inglaterra, el 15 de agosto de 1945. Sus padres, que se divorciaron cuando era una niña, eran acomodados. Su padre era un magnate del textil que también conducía carros de carrera. Su madre se había formado como bailarina profesional, como Haworth.
"La sociedad me mira con desdén por ser actriz, pero yo no la echo de menos", dijo al columnista de la farándula Earl Wilson en 1965, agregando que en Estados Unidos había accedido a cambiar la pronunciación de su nombre. "No puedo obligar a nadie a pronunciar mi apellido ‘Hahworth’. Espero que no digan ‘Hay’".
Después de ‘Cabaret’ apareció en un puñado de películas de horror y en series de televisión, incluyendo ‘Misión Imposible’ [Mission: Impossible], ‘Bonanza’ y ‘Baretta’. Pero su carrera no volvió nunca a la altura que alcanzó al principio.
"Le gustaba pasarlo bien en la vida", dijo el martes Joel Grey, que fue el maestro de ceremonias en el ‘Cabaret’ original. "Tenía la actitud de haberse abandonado a la vida. Entendí porqué Hal la había escogido. Se parecía mucho a Sally Bowles".
7 de enero de 2011
4 de enero de 2011
©new york times
cc traducción mQh

murió pete postlethwaite

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Actor. Fue nominado a un Oscar por ‘En el nombre del padre’.

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[Dennis McLellan] Cuando el actor británico Pete Postlethwaite estaba estudiando en la Bristol Old Vic Theatre School en los años setenta, el director de la escuela predijo que le iría bien como actor, pero no pudo resistir decirle que tenía cara de "arco de piedra".
"Toda mi carrera se sostiene en mis pómulos", dijo Postlethwaite al diario The Independent, de Londres, en 1998. "Son grandes, ¿no? ¿Quién fue el que dijo: ‘Parece que tiene la clavícula en la boca?’"
Postlethwaite, que fue nominado a un Oscar por su papel secundario como el padre de Daniel Day-Lewis en el drama ‘En el nombre del padre’ [In the Name of the Father, de 1993, murió el domingo, de cáncer, en un hospital de Shropshire, Inglaterra, de acuerdo a informes de la prensa británica. Tenía 64 años.
La mención de sus bien marcados rasgos, incluyendo una complexión rubicunda y una protuberante nariz que se había quebrado de niño jugando rugby, y vuelto a romper de adulto en peleas de bares, fue un refrán común durante toda la vida actoral de Postlethwaite, oficio para el que mostró talento desde muy temprano.
"Pos lo tenía todo", dijo Day-Lewis en una declaración el lunes. "De jóvenes, era él a quien íbamos a ver al teatro. Queríamos ser como él; desenfrenado y auténtico, valiente, natural, irreverente...
"No debería haberse ido. Me hubiera gustado que no lo hiciera. Existe la tendencia a hacer listados de fin de año. Cuando hacemos el listado de los más británicos, Pete no debería estar muy lejos de la cima."
En una carrera que incluyó actuar con la Royal Shakespeare Company, Postlethwaite apareció en numerosos programas en la televisión británica antes de aparecer en películas como ‘Los sospechosos de siempre’ [The Usual Suspects; Sospechosos comunes; Sospechosos habituales], ‘Tocando el viento’ [Brassed Off],’Atando cabos’ [The Shipping News], ‘Romeo + Julieta’ [Romeo + Juliet’, ‘Parque Jurásico II: El mundo perdido’ [The Lost World: Jurassic Park] y ‘Amistad’.
Como actor, contó Postlethwaite al diario Liverpool Daily Post en 2002: "Me niego a ser encasillado, y siempre haré cualquier cosa provisto que sea diferente, interesante, que se trabajo duro y si exige gran versatilidad."
Day-Lewis lo recomendó para el papel que lo puso en el centro de la atención internacional en ‘En el nombre del padre’, la película basada en un hecho real del director Jim Sheridan, que exploraba la relación entre un joven de Belfast que es encarcelado injustamente por un mortífero atentado del IRA en un pub inglés y su padre, que trata de salvar a su hijo y termina encarcelado él mismo.
"Era un actor tan, tan bueno", dijo Sheridan, desde Irlanda, al Times el lunes. "Básicamente era el epítome del padre no violento; es del tipo Gandhi de clase trabajadora.
"Creo que tuvo un enorme impacto más allá del cine en el alma de Irlanda e Inglaterra y la gente entiende que el padre no violento era en realidad el personaje más importante de la película. De este modo, sus roles cambiaron el paisaje político haciendo que la gente entendiera cómo puede una persona realmente inocente terminar implicada en todo esto".
Sheridan describió a Postlethwaite como un "hombre apasionado" que "vivía la vida plenamente".
"Era el ser humano más precioso que se pueda conocer, el más dulce", dijo Sheridan. "Bebía, pero podía controlarse. Al mismo tiempo, era muy profesional, lo que es una rara combinación".
Tras oír las noticias de su muerte, la actriz Julie Walters, que tuvo una larga relación romántica con Postlethwaite durante sus años en el Everyman Theatre de Liverpool, dijo a una agencia de noticias británica: "Es simplemente el actor más excitante y más estimulante de su generación. Era una persona y actor estimulante".
Steven Spielberg, que dirigió a Postlethwaite en ‘Parque Jurásico 2: El mundo perdido’ y ‘Amistad’, se dice que lo llamó una vez "probablemente el mejor actor del mundo" -elevados elogios que Postlethwaite respondió sarcásticamente: "Estoy seguro de que lo que dijo Spielberg fue: ‘Lo que pasa con Pete es que piensa que es el mejor actor del mundo’".
El menor de cuatro hermanos, nació en el seno de una familia católica de clase trabajadora de Warrington, Cheshire, Inglaterra, el 7 de febrero de 1946.
Enseñó en el St. Mary’s University College de Londres, donde siguió clases de teatro que, dijo después, le abrieron todo un nuevo mundo.
Después de enseñar teatro durante algunos años, empezó a estudiar actuación en la Bristol Old Vic. Más tarde pasó algunos años en el Everyman Theatre den Liverpool, adonde volvió en 2008 para representar al Rey Lear.
El actor decidió mantener su difícil apellido desde el principio.
"Mi primer agente lo quería cambiar", contó al diario londinense The Independent en 2000. "Así que lo cambié a él".
"Cuando despegué como actor, la gente empezó a decir: ‘¿Quién es ese tío con el nombre divertido?’", dijo en una entrevista de 2000 con el Independent de Londres. "Me aconsejaron cambiarlo, diciéndome que nunca pondrían mi nombre en una marquesina, por el gasto de electricidad.
"Pero nunca he contemplado cambiarme el nombre. Ese soy yo. Es mi madre y mi padre, y toda mi familia. Es de donde viene todo lo que soy. No puedo imaginar mi vida con otro nombre".
Activista político que salió a la calle para oponerse a la guerra en Iraq, fue el archivista del futuro en el documental ‘La edad de la estupidez’ [The Age of Stupid], sobre el cambio climático, de 2009.
Entre quienes le sobreviven se encuentran su mujer, Jacqui, y sus hijos Will y Lily.
7 de enero de 2011
4 de enero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

murió hideko takamine

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Una de las actrices de cine más importantes de Japón. Apareció en más de trescientas películas.

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[Dennis McLellan] Murió Hideko Takamine, una niña estrella de Japón en los años treinta que se convirtió en una de las principales actrices de cine durante la época de la Segunda Guerra Mundial, representando a toda una gama de mujeres contemporáneas que capturaron el tenor de los tiempos. Tenía 86 años.
Takamine, que murió de un cáncer al pulmón, hizo su debut en la pantalla a los cinco en la exitosa película muda ‘Mother’, de 1929, y se dice que actuó en más de trescientas películas en una carrera que terminó cuando se retiró en 1979.
"Hideko Takamine era una de las más queridas y logradas estrellas del cine japonés", dijo Kevin Thomas, ex redactor de Times que reseñó películas japonesas entre 1962 y 1985. "Era guapa, y poseía un tremendo rango y versatilidad".
Después de empezar como una "especie de respuesta japonesa a Shirley Temple", dijo Thomas, "emergió como una de las grandes actrices japonesas del periodo de posguerra, que fue un periodo tremendo para el cine japonés".
Tras la guerra, dijo Thomas, "hubo un renacimiento del cine japonés. Las películas podían girar sobre la guerra y distribuir culpas, el impacto de la ocupación, la creciente emancipación de la mujer, todo ese tipo de cosas. Había una estupenda fermentación, y fue un periodo realmente creativo".
Y para muchos japoneses, escribió Phyllis Birnbaum en su perfil de Takamine en el New Yorker, "formaba tanto parte del Japón de posguerra como la leche en polvo de raro sabor que distribuían los militares estadounidenses".
"Muchas de las heroínas de Takamine eran mujeres corrientes que habían crecido después de la guerra", dijo a Birnbaum el historiador de cine Donald Richie. "Como muchas japonesas de entonces, querían más de la vida, pero no lo lograron".
"Las mujeres descubrieron que la guerra podía haber terminado, pero ellas no estaban mejor. Todavía se sentían infelices. Así que el tipo de papeles de Takamine se correspondían con el espíritu de la época, quizás había hecho el espíritu de la época".
Takamine, que dejó los estudios cinematográficos en 1950 para trabajar independientemente, rodó muchas de sus películas más notables con directores como Mikio Naruse y Keisuke Kinoshita.
Fue una striptisera en la película satírica de Kinoshita, ‘Carmen vuelve a casa’ [Carmen Comes Home], de 1951, el primer largometraje japonés en color; y una maestra en la película de Kinoshita contra la guerra, ‘Veinticuatro ojos’ [Twenty-four Eyes].
También representó memorablemente el papel que el crítico de cine Michael Wilmington describió una vez como el de "una mujer enamorada obsesivamente de un hombre sin valor" en la aclamada película de Naruse, ‘Nubes flotyantes’ [Floating Clouds], de 1955, y una camarera viuda en la película de Naruse, ‘Cuando una mujer sube la escalera’ [When a Woman Ascends the Stairs] (1960).
"Ambos directores son conocidos por sus descripciones de las mujeres, aunque sus estilos son completamente diferentes", dijo Takamine al diaro Straits Times en 1994. "Durante más de diez años, pasé de uno al otro, como una pelota de pingpong.
"Aunque diferentes en estilo, compartían una aversión común a las cosas no naturales. Yo trataba de ser tan natural como las mujeres que vemos en las noticias, pero agregando un poco de dramatismo para que pareciera todavía más real".
En 1955, el año en que Takamine se convirtió en la estrella más taquillera de Japón, se casó con el director y guionista Zenzo Matsuyama, que la sobrevive y con la que rodó varias películas.
Cuando se casaron, Takamine dijo a la prensa que quería "crear un nuevo estilo de esposa con trabajo".

Takamine nació el 27 de marzo de 1924 en Hakodate, en la isla de Hokkaido.
Su madre murió cuando tenía cuatro años y su padre la puso bajo los cuidados de su hermana en Tokio. Un año después, con su tía haciendo las veces de madre, Takamine entraba al mundo del cine. Se calcula que, de niña, apareció en cien películas, incluyendo sus papeles como niño.
"No había leyes contra el trabajo infantil, y yo era el sostén de mi familia", contó sobre sus días como niña estrella en una entrevista con el New York Times de 1983.
A diferencia de otras niñas estrellas, Takamine hizo una exitosa transición hacia su adolescencia.
Durante la Segunda Guerra Mundial recorrió los campamentos del ejército japonés cantando para las tropas. Inmediatamente después de la guerra, cantó para las tropas de ocupación estadounidenses en un teatro en Tokio.
"Yo cantaba canciones norteamericanas como ‘You Are My Sunshine’", dijo en la entrevista de 1983. "No tuve tiempo para pensar si me gustaba o no. Era trabajo.  Y, entre bastidores, me llegaban flores y chocolates y cupones de racionamiento, así que sobreviví gracias a los americanos".
Takamine se retiró después de que Kinoshita dirigiera ‘Hijo mío, hijo mío’ [Oh My Son!] en 1979.
Interrogada en la entrevista de 1983 sobre si lamentaba algo de su carrera, la franca Takamine dijo: "La odio todos los días. La he odiado durante cincuenta años, pero he continuado llevada por una especie de orgullo profesional".
Takamine, que no tuvo una educación digna de mencionar y de la que se dice que aprendió a leer ella misma, escribió varios libros, entre ellos ‘My Professional Diary’, una autobiografía de dos tomos publicada en 1976.
6 de enero de 2011
5 de enero de 2011
©los angeles times
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murió anne francis

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Fue una de las estrellas del clásico de ciencia ficción, ‘Planeta prohibido’ de los años cincuenta.

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[Dennis McLellan] Murió el domingo la actriz Anne Francis, que fue una de las dos protagonistas del clásico de ciencia ficción de los años cincuenta, ‘Planeta prohibido’ [Forbidden Planet], y que fue más tarde la estrella de la serie de televisión ‘Honey West’ de los años sesenta, cuyo personaje principal era una sensual detective privado que tiene un ocelote como mascota. Tenía 80 años.
Francis, a la que le diagnosticaron un cáncer al pulmón en 2007 y fue operada y sometida a quimioterapia, murió tras complicaciones de un cáncer al páncreas en una residencia de ancianos en Santa Bárbara, informó Jane Uemura, su hija. Murió acompañada por amigos y familiares, informó la portavoz de la familia, Melissa Fitch.
Una rubia curvilínea con un distintivo lunar junto a su labio inferior, Francis era niña modelo y actriz de radio cuando se interesó por el cine a principio de los años cincuenta.
Tuvo papeles principales y secundarios en más de treinta películas, entre ellas ‘Conspiración de silencio’ [Bad Day at Black Rock], ‘Más allá de las lágrimas’ [Battle Cry], ‘Semilla de maldad’ [Blackboard Jungle], ‘Mercenarios’ [The Hired Gun], ’Vaya marineros’ [Don’t Go Near the Water], ‘Proyecto Brainstorm’ [Brainstorm], ‘Una chica divertida’ [Funny Girl] y ‘El pescador pescado’ [Hook, Line and Sinker].
Se convirtió en una actriz de culto como una de las estrellas de ‘Planeta prohibido’, la película de MGM de 1956, con Walter Pidgeon y Leslie Nielsen, que incluyó a un servicial robot llamado Robby.
Sin embargo, Francis no se convirtió nunca en una gran actriz de cine y se la veía con mucho más frecuencia en televisión, como actriz invitada de decenas de series desde fines de los cincuenta y más allá, incluyendo un episodio de ‘La dimensión desconocida’ [The Twilight Zone; En los límites de la realidad] en el que fue el maniquí de unos grandes almacenes que adquiere vida en la noche.
Pero Francis será mejor recordada como la estrella de ‘Honey West’, la primera mujer detective en una serie semanal de televisión.
Basada en el personaje del título de la serie de G.G. Fickling de las novelas de misterio de Honey West , iniciada en 1957, la Honey West de Francis fue introducida a los telespectadores en un episodio de ‘El detective millonario’ [Burke’s Law] en la primavera de 1965.
El episodio fue el piloto de la serie de media hora, ‘Honey West’, que fue producida por Aaron Spelling transmitida en el otoño de 1965.
En este, West, que hereda una agencia de detectives de su fallecido padre en Los Angeles, tenía un socio llamado Sam Bolt (John Ericson), compartía un departamento con su tía Meg (Irene Hervey) y poseía un ocelote antropófago como mascota, llamada Bruce Biteabit.
En lo que más tarde Francis describió como "una irónica James Bond femenina", su sabuesa privada y karateka conducía un convertible deportivo Cobra hecho a la medida y, cuando era necesario, operaba desde un furgón de vigilancia móvil especialmente equipado que estaba pintado como un vehículo de la televisión.
Otros trucos suyos al estilo de Bond incluyen un radiotransmisor en forma de lápiz labial, una aceituna de Martini falsa con un mondadientes para captar conversaciones, pendientes que explotaban liberando gas lacrimógeno cuando eran arrojadas al suelo y una liga negra con encajes rosados que era al mismo tiempo una máscara antigás.
Como la exuberante y sensual Honey, Francis llevaba un llamativo vestuario que incluía una gabardina negra con patrón de piel de serpiente, un vestido de gala de marta remachado con pedrerías y un bañador de piel de tigre con una combinación de capa.
En la era de la televisión con las amas de casa Donna Reed y Harriet Nelson, la independiente y responsable Honey West ha sido descrita como un modelo para la generación de mujeres baby-boomers.
"Probablemente era la precursora de lo que llamaríamos los buenos aspectos de la independencia femenina", dijo al Commercial Appeal, de Menfis, en 1997.
"Los productores y guionistas con los que he trabajado, todos en la treintena y cuarentena, me dicen todo el tiempo: ‘No tiene ni idea de la influencia que tuvo en mí a través de Honey West. Me mostró que podía hacer algo inusual con mi vida, que podía ser libre y no depender de otro ser humano para sobrevivir".
Francis ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de televisión y recibió una nominación a un Emmy por su retrato de Honey West.
Las series fueron bien acogidas, pero ABC las canceló en 1966 después de treinta episodios. "Pudieron comprar ‘Los vengadores’ [The Avengers] (serie de espionaje), de Inglaterra, por menos de lo que cuesta hacer nuestro programa", dijo Francis más tarde.

Nació el 16 de septiembre de 1930 en Ossining, Nueva York. A los siete, después de que su familia se mudará a Ciudad de Nueva York, fue contratada por la agencia de modelaje John Robert Powers.
Su carrera como niña modelo la condujo a roles de actuación en los programas de radio para niños ‘Let’s Pretend’ y ‘Coast-to-Coast on a Bus’, y luego se pasó al radioteatro. En 1941 apareció en Broadway, como Gertrude Lawrence de niña en ‘Lady in the Dark’ [Una mujer en la penumbra].
Francis llegó a Hollywood por primera vez en 1946 y fue contratada por MGM. Pero después de un año de estar "acicalándose" en el estudio, durante el cual tuvo un pequeño papel en el musical de Mickey Rooney, ‘Otoño en primavera’ [Summer Holiday], Francis, todavía adolescente, volvió a Nueva York, donde empezó a aparecer en programas de televisión en vivo.
Después de representar a una prostituta adolescente con una hijita en un reformatorio en ‘Jóvenes perversas’ [So Young, So Bad}, un largometraje rodado en Nueva York en 1950, Francis fue contratada por 20th Century Fox. Después de tres años en Fox, volvió con MGM; a fines de los cincuenta, era autónoma.
Mientras estuvo en MGM fue co-protagobista de ‘Planeta prohibido’, un éxito de taquilla de gran presupuesto que fue nominado a un Oscar por sus efectos especiales.
Francis fue Altaira, la atractiva hija de un científico (Pidgeon): los dos únicos humanos sobrevivientes de un misterioso y avanzado planeta.
"Me dieron ese papel porque trabajaba para MGM y tengo buenas piernas", dijo Francis, que acostumbraba lucir abreviados trajes futuristas, en una entrevista para la revista Starlog en 1992.
En la época, recordó, "no creo que ninguno de nosotros haya estado realmente consciente del hecho de que se iba a convertir en una película de culto, probablemente mucho, mucho más firme hoy que entonces... ‘Planeta prohibido’ tuvo vida propia, algo que ninguno de nosotros sabía que iba a pasar".
Francis, que escribió en 1982 sus memorias ‘Voices From Home: An Inner Journey’, siguió apareciendo en televisión hasta fines de los noventa.
Además de Uemura, a Francis, divorciada dos veces, le sobreviven otra hija, Maggie, y un nieto, dijo Fitch.
5 de enero de 2011
3 de enero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh