cine

murió elliott kastner

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Productor de películas literarias. [Si no puedes entrar, pincha Comentar...]

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[Bruce Weber] Murió el miércoles en Londres, donde vivió y trabajó durante décadas, Elliott Kastner, un productor cuya afinidad con escritores y estrellas de cine culminó en películas como ‘Harper’, ‘El desafío de las águilas’, ‘El largo adiós’, ‘Missouri’ y ‘Equus’. Tenía 80 años.
Según informó su hijastro, Cassian Elwes, la causa de su muerte fue un cáncer.
Kastner, que empezó su carrera profesional como agente literario, era conocido por reclutar a novelistas y dramaturgos establecidos para el oficio de guionista. Hizo películas sobre la base de novelas de Vladimir Nabokov (‘Risa en la oscuridad’ [Laughter in the Dark], 1969) e Iris Murdoch (‘La cabeza cortada’ [A Severed Head], 1970).
Su primera película, ‘Brazos de terciopelo’ [Bus Riley’s Back in Town; Amargo retorno] (1965), sobre un joven que vuelve a su pequeña ciudad después de terminar su servicio en la Armada para descubrir que su antigua novia se ha casado con otro, se rodó con un guión original del dramaturgo William Inge (aunque Inge retiró su nombre del producto terminado). Para su próxima película (que hizo con Jerry Gershwin, uno de sus frecuentes socios) compró los derechos de ‘Blanco móvil’ [The Moving Target], una novela de detectives de Ross Macdonald, y contrató al joven y prometedor novelista William Goldman, para escribir su primer guión solo. La versión terminada, ‘Harper’, contó con Paul Newman en uno de los roles que lo convirtieron en estrella. (Goldman ganó dos Oscars por los guiones de ‘Dos hombres y un destino’ [Butch Cassidy and the Sundance Kid] y ‘Todos los hombres del presidente’ [All the President’s Men].
‘El desafío de las águilas’ [Where Eagles Dare; Donde las águilas se atreven] (1968), un drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial con Richard Burton sobre el rescate de un oficial estadounidense capturado por los nazis, fue el primer guión escritor por el novelista Alistair MacLean. ‘Vidas sin barreras’ [Rancho Deluxe] (1975), una película de vaqueros cómica, con Jeff Bridges, fue el primer guión del novelista Thomas McGuane, y la primera de tres películas en las que Kastner colaboró con McGuane. Las otras fueron ‘92 in the Shade’ y ‘Missouri’ [The Missouri Breaks], con Marlon Brando como un asesino terriblemente excéntrico contratado para eliminar a una banda de cuatreros dirigidos por Jack Nicholson.
Kastner se deleitaba con algunos de sus colaboradores. Hizo tres películas con Brando y cinco con Burton, incluyendo ‘Equus’ (1977), basada en el drama psicológico de Peter Shaffer, que escribió el guión.
En los años setenta, Kastner se permitió una aventura con el cine negro. Produjo, con otros, adaptaciones de tres novelas con Philip Marlowe, de Raymond Chandler: una con Elliott Gould como Marlowe, una versión actualizada de ‘El largo adiós’ [The Long Goodbye] (1973), y dos con Robert Mitchum: ‘Adiós, muñeca’ [Farewell, My Lovely](1975) -un remake de la película ‘Historia de un detective’ [Murder, My Sweet], de 1944, con Dick Powell- y ‘El sueño eterno’ [The Big Sleep] (1978), otro remake, ambientado en Inglaterra, del original de 1946 con Humphrey Bogart.

Elliott Kastner nació el 7 de enero de 1930 en Manhattan. Su padre murió cuando Kastner era todavía un niño, y fue criado por su madre, en Harlem. Estudió en la Universidad de Miami y se enroló en el ejército después de la Segunda Guerra Mundial. En algún momento -las fuentes se contradicen sobre si fue antes o después de su servicio militar- empezó a trabajar en la sala de correos de la William Morris Agency en Nueva York, antes de mudarse a Los Ángeles en 1959 para trabajar para la MCA, la poderosa agencia de talentos.
A principio de los años sesenta, después de que la MCA se fusionara con Decca Records, que poseía Universal Pictures, Lew Wasserman, presidente de MCA, instaló a Kastner como vicepresidente de producción en Universal. Dejó la función dos años después para convertirse en productor independiente, una decisión considerada osada en la época, como lo fue su método para producir la película ‘Magnífico bribón’ [Kaleidoscope], de 1966, aunque desde entonces se ha convertido en un lugar común: la financió privadamente, y vendió el producto final a un estudio -Warner Brothers.
Kastner se casó y divorció dos veces. Le sobreviven su hijo Dillon, y su hija Milita, ambos de Londres. También le sobreviven tres hijastros, los hijos de su segunda esposa (Tessa Kennedy), de un matrimonio anterior: Cassian Elwes y Damian Elwes, y el actor Cary Elwes, todos de Los Ángeles.

16 de julio de 2010
2 de julio de 2010
©new york times
cc traducción mQh

murió vince o'brien

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Actor de cine y teatro. Conocido por sus papeles en ‘Ley y orden’.

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[Jay Levin] Murió el sábado Vince O’Brien, de Haworth, un actor de carácter cuya prolongada carrera incluyó memorables giros como un hombre de negocios depravado en la comedia musical de Broadway, ‘Promises, Promises’ y un honesto doctor de hotel en el clásico de Woody Allen, ‘Annie Hall’. Tenía 91 años.
La causa de su muerte fue una deficiencia cardiaca, informó su hijo Liam.
O’Brien se destacaba por representar a figuras de autoridad, como consecuencia de su calvicie y aspecto de hombre maduro.
"He visto películas de él cuando era joven", dijo su hijo, "y siempre se vio más viejo".
Fue invitado habitual como juez en la serie ‘La ley y el orden’ [Law and Order] en los años noventa y en culebrones como ‘Ryan’s Hope’ en los setenta y ‘Al filo de la noche’ [The Edge of Night] en los sesenta, y como sheriff en el culebrón de culto, ‘Sombras tenebrosas’ [Dark Shadows], también en los años sesenta.
Sin embargo, era mejor recordado como el Shell Answer Man, en anuncios de televisión y prensa de la compañía de petróleo.
O’Brien dijo en una entrevista de 1969 con The Record, que conseguir ese papel "fue como ganarme la lotería". En la época estaba trabajando en ‘Promises, Promises’, comedia basada en la película ‘El apartamento’ [The Apartment] (1960), de Billy Wilder. O’Brien era el señor Eichelberger, uno de los cuatro ejecutivos que usaba el apartamento de un colega para sus citas amorosas secretas.
Ocho años después, O’Brien estaba en el reparto de ‘Annie Hall’. Aparece en la escena en que Alvy Singer, el neurótico neoyorquino de Woody Allen, en Los Ángeles para presentar una ceremonia de premiación, se esconde en su cuarto de hotel quejándose de dolor de estómago.
"¿Por qué no tratas de controlarlo un poco? Es pura cobardía", le dice a Singer el comprensivo doctor de O’Brien, ofreciéndole un bandeja del servicio de habitación, mientras Annie Hall (Diane Keaton), la novia, termina una llamada en la que los productores del programa acceden a encontrar un reemplazo para el presentador.
Los problemas estomacales de Singer desaparecen repentinamente. "Bueno, según me parece, no tiene usted nada malo", dice el doctor a su hipocondriaco paciente. "No tiene fiebre, no tiene ningún síntoma de nada. No ha comido ni cerdo ni mariscos..."

El segundo de nueve hijos, Vincent O’Brien se crió en Nueva Bretaña, Connecticut. Sirvió en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial y estudió teatro en la Universidad Carnegie-Mellon University en 1949. Se marchó a Nueva York en 1950, el mismo año en que se casó con Kate, a la que había conocido en la universidad.
O’Brien consiguió trabajo en cine y televisión casi de inmediato. Apareció en veintitrés dramas en vivo en ‘Studio One’, de CBS, y en un episodio apareció con Walter Matthau.
En 1953, los O’Brien se mudaron a una granja del siglo 19 en Haworth, con sus dos pequeños hijos. La familia creció; llegaron a tener diez hijos.
"Tuvo su carrera como actor de Nueva York desde el primer día", dijo Liam O’Brien. "Era un actor trabajador, fue el único trabajo que tuvo en su vida".
Entre las actuaciones de O’Brien en el teatro se incluye la pieza de Broadway, ‘Advise and Consent’ en 1960-61 y producciones en la North Jersey Playhouse en Fort Lee, la Playhouse on the Mall en Paramus y la Paper Mill Playhouse en Millburn. Fue un actor principal en la producción del monólogo ‘Clarence Darrow’ en el Haworth Summer Shakespeare Festival, y fue Willy Loman en una producción de 1988 de ‘Muerte de un vendedor’ [Death of a Salesman] en el Siena College al norte de Nueva York.
Sus últimos papeles en el cine fueron ‘Seis grados de separación’ [Six Degrees of Separation] y ‘El dilema’ [Quiz Show] a principios de los noventa. Trabajó en teatro por última vez hace ocho años en su musical favorito ‘The Fantasticks’, en la Ivoryton Playhouse en Connecticut. Veinticinco años antes, dirigió la función benéfica de ‘The Fantasticks’ en la parroquia de su pueblo, la Iglesia del Sagrado Corazón.
Liam O’Brien dijo que su padre era un "tipo de algún modo complicado".
"Era un católico devoto y en algunas cosas era muy conservador y del Viejo Mundo, pero tenía una visión muy global de las cosas: era partidario de los derechos civiles y rechazaba el racismo", dijo Liam O’Brien.
Cinco de sus hijos lo precedieron en la muerte: Miriam, Molly, Austin, Mercedes y Tony. Además de su esposa durante sesenta años, le sobreviven su hija Mary O’Brien, de Closter, y sus hijos Vincent, de Warwick, Nueva York; Conal, de Manhattan; Liam, de Deerfield, Massachusetts; y Dominic, de Closter; cinco nietos; cuatro biznietos; y un hermano, Charles O’Brien, de Florida.

13 de julio de 2010
21 de junio de 2010
©north jersey
cc traducción mQh

murió ursula thiess

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Estuvo casada con Robert Taylor.

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Murió el 19 de junio en un centro residencial asistido en Burbank la actriz nacida en Alemania, Ursula Thiess, que estuvo casada con el actor Robert Taylor, informó su hijo, Terry Taylor. No se mencionó la causa de su muerte. Tenía 86 años.
Thiess empezó como modelo en Alemania a fines de los años cuarenta y fue presentada como una "modelo alemana emergente" en la cubierta de la revista Life de 1951. Su primera película en Estados Unidos fue ‘Al rugir de la tormenta’ [Monsoon] en 1952.
Sus papeles en el cine incluyen ‘El reino de la traición’ [The Iron Glove] (1954), ‘El americano’ [The Americano] (1955) y ‘Bandido’ (1956). Su última actuación en el cine fue ‘Left Hand of Gemini’ en 1972.
Se casó con Taylor en 1954 y apareció en su programa de televisión ‘The Detectives Starring Robert Taylor’ en 1960 y 1961. También tuvieron una hija. Taylor murió en 1969.

Nació como Ursula Schmidt en Hamburgo, Alemania, el 15 de mayo de 1924. Se casó con el productor George Thiess en 1942 y tuvieron un hijo y una hija. También estuvo casada con el distribuidor de películas Marshall Schacker, que murió en 1986.

10 de julio de 2010
30 de junio de 2010
©los angeles times 
cc traducción mQh

murió corey allen

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Fue el pandillero Buzz Gunderson en ‘Rebelde sin causa’, que reta a James Dean a una chicken run, una carrera mortal en coche. [Si no puedes entrar, pincha Comentar...].

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[Dennis McLellan] Murió Corey Allen, actor y director galardonado con un Emmy que pasó a la historia del cine de los años cincuenta como el malogrado pandillero de la secundaria que reta a James Dean a una carrera mortal en ‘Rebelde sin causa’. Tenía 75 años.
Allen murió el domingo en su casa en Hollywood, dos días antes de que cumpliera 76 años, dijo el vocero de la familia, Mickey Cottrell. No se mencionó la causa específica de su muerte.
Durante sus últimos veinte años sufrió el mal de Parkinson,  dijo Cottrell, aunque el actor permaneció activo dirigiendo piezas de teatro hasta hace algunos años.
La muerte de Allen se produce un mes después de la de otro alumno de ‘Rebelde sin causa’, Dennis Hopper, que fue uno de los miembros de la pandilla de la escuela secundaria.
Egresado del departamento de teatro de la Universidad de California en Los Ángeles en 1954, donde ganó un premio al mejor actor, Allen había trabajado en televisión y en algunos papeles no reconocidos en cine cuando, con una chaqueta de cuero, fue el arrogante Buzz Gunderson en ‘Rebelde sin causa’.
En la película de 1955, dirigida por Nicholas Ray, Dean fue Jim Stark, el atribulado chico recién llegado que es amenazado por Buzz y sus compinches.
Una pelea a cuchillo entre los personajes Dean y Allen en el Observatorio Griffith termina con el reto a una chicken run: conducir a gran velocidad dos coches robados hasta el borde de un acantilado, y el primero que salta de su coche antes de que caiga al mar es una gallina.
"¿Por qué lo hacemos?", pregunta Jim a Buzz ese noche en el acantilado cuando miran el océano abajo.
"Hay que hacer algo,  ¿no crees?", responde Buzz, fríamente.
La película, cuyo reparto incluyó a Natalie Wood y Sal Mineo, se estrenó al mes siguiente de que Dean, de veinticuatro, muriera en un accidente carretero el 30 de septiembre de 1955.
Frank Mazzola, que fue Crunch, uno de los pandilleros que persigue al personaje Dean después de la muerte de Buzz, recordó que él y Allen "riñeron" cuando se hicieron las pruebas de cámara para la película.
"Corey era arrogante, y eso me cabreaba", dijo Mazzola, que se convertiría en montador, el jueves al Times. "Pero entonces, debido a que Nick estaba siempre tratando de mantenernos unidos en lugar de jorobarnos unos a otros, finalmente resolví ese problema y nos convertimos en buenos amigos.
"Cory era un tipo bueno; todos éramos tipos buenos. Fue porque todos estos chicos buenos se reunieron que hicimos algo especial".
‘Rebelde sin causa’ fue el punto cúlmine en la carrera actoral de Allen en el cine.

Allen, que nació el 29 de junio de 1934 en Cleveland, apareció en películas como ‘Los jóvenes invasores’ [Darby’s Rangers], ‘Juvenile Jungle’, ‘Chicago años 30’ [Party Girl], ‘Dulce pájaro de juventud’ [Sweet Bird of Youth] y ‘Confidencias de mujer’ [The Chapman Report]. También apareció como invitado en series como ‘Perry Mason’, ‘Bonanza’ y ‘Dr. Kildare’.
Allen estuvo intensamente involucrado con el teatro en Los Ángeles y en 1959 llegó a ser socio de una compañía teatral itinerante conocida como Freeway Circuit Inc. y en 1965 fundó, con otros, un pequeño teatro de repertorio llamado Actors Theater.
Ya era director de teatro cuando empezó a dirigir en televisión en 1969. Durante los siguientes veinticinco años, dirigió películas de televisión y numerosos episodios de series como ‘Hawaii Five-O’, ‘Mannix’, ‘Las calles de San Francisco’ [The Streets of San Francisco], ‘La mujer policía’ [Police Woman] y ‘The Rockford Files’.
En 1984 ganó un Emmy a la mejor dirección de una serie dramática por un episodio de ‘El precio del deber’ [Hill Street Blues].
Más tarde Allen dirigió el piloto de televisión de dos horas, ‘Star Trek: la nueva generación’ [Star Trek: The Next Generation] y fue una de las personas que estuvo en el casting de todos los actores regulares; también dirigió otros episodios de la serie ‘Star Trek: espacio profundo nueve’ [Star Trek: Deep Space Nine].
"Corey era un director maravilloso, y era adorado por los actores", dijo Rick Berman, uno de los productores ejecutivos de la franquicia ‘Star Trek’.
Allen también enseñó actuación en el Actors Workshop y en el Margie Haber Studio, y contribuyó a crear el currículum de actuación y dirección del Columbia College Hollywood.
Le sobreviven su hija Robin Duncan; su hermano Steve Cohen; cuatro nietos y dos biznietos.

10 de julio de 2010
30 de junio de 2010
©los angeles times 
cc traducción mQh

murió ilene woods

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La voz de la Cenicienta. Cantaba en la radio a los dieciocho años cuando Walt Disnet le pidió que prestara su voz a la tierna hijastra que encuentra a su Príncipe Azul. Woods le dio calidez y simpatía a su personaje. [Si no puedes entrar, pincha Comentar...]

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[Dennis McLellan] Murió Ilene Woods, que fue la voz del pequeño personaje del clásico largometraje de dibujos animados de Walt Disney de 1950, ‘La Cenicienta’ [Cinderella]. Tenía 81 años.
Woods, vecina de Calabasas, murió el jueves por causas relacionadas con el mal de Alzheimer en una clínica de reposo y rehabilitación en Canoga Park, informó su marido Ed Shaughnessy, el ex baterista de ‘Tonigth Show’, de Johnny Carson.
En 1948, Woods era una solicitada cantante de radio de dieciocho años cuando, como un favor a dos amigos letristas, Jerry Livingston y Mark David, grabó una ‘demo’ con algunas canciones que habían escrito para un largometraje de dibujos animados de Walt Disney.
"Hice los discos para ellos, en un estudio, con un piano -‘Bibbidi-Bobbidi Boo’, ’So This Is Love’, ’A Dream Is a Wish Your Heart Makes’", contó Woods en una entrevista con el Deseret News, de Salt Lake City. "Walt llamó dos días después. Quería que lo fuera a ver para una entrevista. Yo estaba feliz. ‘Sí, cuando quiera’. Nos reunimos y hablamos un rato, y me dijo: "¿Te gustaría ser la Cenicienta?"
En ese momento, Woods no sabía que más de trescientas cantantes habían hecho audición para ser la voz de la Cenicienta, y no tenía ni idea de que su demo la llevaría a tomar parte en un importante episodio de la historia de Disney.
Desde entonces, se enorgullecía de decir: "Nunca dudo cuando se trata de hacerle un favor a un amigo".
Después de que le ofrecieran el papel de la dulce y menospreciada hijastra que finalmente encuentra a su Príncipe Azul, Woods pasó cerca de dos años grabando canciones y diálogos para el estudio Disney.
"Me encantaba hacer el personaje", dijo al Houston Chronicle en 2005. "Cuando mi papá vio la película, dijo que me reconoció por las expresiones faciales, los ademanes y los manierismos. Marc Davis, que animaba a la Cenicienta, me miraba grabar y escogía lo que le gustaba".
Le encantaba trabajar en el estudio Disney, dijo. "Walt se sentaba con nosotros a comer y hablábamos sobre la película. Era mágico. Había felicidad y alegría".
La voz para el Príncipe Azul de Cenicienta fue proporcionada por el cantante y futuro anfitrión de un programa de entrevistas para la televisión, Mike Douglas; William Edward Phipps grabó sus diálogos. Y, según le contó al Times el viernes, pensaba que Woods "era ideal" como la Cenicienta.
El crítico de animación e historiador Charles Solomon dijo al Times el viernes que "una de las cosas buenas de su interpretación es la calidez que le transmitió al personaje. Tan pronto como empezaba a hablar, su voz se fundía con la animación de Marc Davis para crear una heroína que uno adoraba instantáneamente".
‘La Cenicienta’, dijo Solomon, "fue una película muy importante para Walt Disney porque sus películas animadas no habían funcionado bien después de la guerra y ‘La Cenicienta’ era una especie de última oportunidad. Necesitaba un éxito de la estatura de ‘Blancanieves y los siete enanitos’ [Snow White]. Apostó todo a ‘La Cenicienta’. Tuvo un enorme éxito cuando se estrenó, y realmente salvó al estudio".

Nacida como Jacquelyn Ruth Woods el 5 de mayo de 1929 en Portsmouth, North Hampshire, Woods soñaba con ser maestra.
"Pero mamá tenía otras ideas", dijo al Knoxville News-Sentinel, de Tennessee, en 2001. "Era una madre entre bastidores que se preocupaba de que tuviera clases de baile, de música, y que estuviera todo lo posible en el escenario".
A los once Woods era la estrella de su propio programa radial y para 1944 era la estrella de su propio programa transmitido desde Nueva York.
Después de ser atraída a Chicago para convertirse en una invitada habitual del popular programa radial de Don McNeill, ‘The Breakfast Club’, Woods se mudó a Los Ángeles y se convirtió en una artista frecuente en ‘The Sealtest Village Store’ con Jack Carson. También participó como invitada con los programas de Jack Benny, Bing Crosby y Bob Hope.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Woods participó en una gira llena de celebridades a favor de los bonos de guerra, con Paul Whiteman y la Orquesta de las Fuerzas Aéreas del Ejéricto. También cantó para el presidente Franklin D. Roosevelt en su propiedad en Hyde Park, Nueva York, y para el presidente Harry Truman en la Casa Blanca.
En televisión durante los años cincuenta, cantó en los programas de Perry Como y Arthur Godfrey y fue una invitada habitual en el programa diurno de Garry Moore, donde conoció a Shaughnessy, con el que se casó en 1963.
Woods fue portavoz de la teletón para la parálisis cerebral y recorrió el país durante muchos años. Después de que ella y su familia se mudaran a California en 1972, se retiró del mundo del espectáculo, participando ocasionalmente en sesiones de firma de autógrafos para Disney.
Cuando en una entrevista en 2006 para la revista Starlog se le preguntó qué era lo mejor de haber estado en ‘La Cenicienta’, replicó: "Oh, me encanta la idea de que después de mi partida, los niños seguirán oyendo mi voz".
Además de su marido durante 47 años, le sobreviven su hijo Daniel Shaughnessy; su hija de su primer matrimonio, Stephanie Pagoto; y tres nietos.

9 de julio de 2010
©los angeles times 
cc traducción mQh

murió peter brunette

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Renombrado historiador del cine.

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Falleció el miércoles en Italia, aparentemente debido a un ataque al corazón, mientras asistía al Festival de Cine de Taormina para el Hollywood Reporter, Peter Brunette, un historiador y crítico de cine de fama mundial especializado en el cine italiano. Tenía 66 años.
Brunette, que enseñaba estudios de cine y era director del programa de estudios de cine en la Universidad de Wake Forest, también escribía para el New York Times, Boston Globe y otras publicaciones.
Había asistido y reseñado el Festival de Cine de Cannes en mayo y pasaba el verano en Europa asistiendo a diferentes festivales de cine.
Brunette escribió varios libros sobre temas de cine, incluyendo uno sobre los directores italianos Roberto Rossellini y Michelangelo Antonioni, entre otros.

Nacido el 18 de septiembre de 1943 en Richwood, West Virginia, Brunette estudió inglés en la Universidad Duquesne en Pittsburgh, donde se licenció. Se doctoró en inglés en la Universidad de Wisconsin en Madison. Enseñó inglés y estudios de cine en la Universidad George Mason de 1975 a 2004 antes de mudarse a Wake Forest.

3 de julio de 2010
22 de junio de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

murió ronald neame

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Prominente director británico. En una carrera de más de seis décadas, produjo y dirigió decenas de películas, como ‘Grandes esperanzas’,  ’Oliver Twist’, ’Los mejores años de Miss Brodie’ y ’Poseidón’.

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[Dennis McLellan] Murió Ronald Neame, prominente figura de la industria cinematográfica británica cuya larga y variada carrera incluyó la producción de las clásicas ‘Grandes esperanzas’ [Great Expectations] y ‘Oliver Twist’, y la dirección de ‘Los mejores años de Miss Brodie’ [The Prime of Miss Jean Brodie] y ‘Poseidón’ [The Poseidon Adventure]. Tenía 99 años.
Neame, que también dirigió la última película de Judy Garland, ‘Amarga es la gloria’ [I Could Go on Singing], falleció el miércoles en el Cedars-Sinai Medical Center en Los Ángeles, informó su esposa Donna. Quedó lesionado tras caerse el 6 de mayo y le operaron dos veces la pierna, pero su salud continuó deteriorándose después de la segunda intervención, dijo.
"Era un hombre muy talentoso y muy bueno a la hora de tomar grandes y audaces decisiones", dijo el viernes al Times Shirley MacLaine, que con Michel Caine protagonizó la película dirigida por Neame, ‘Gambit’‘, en 1966. "Lo veía cada tantos años en diferentes funciones. Es una de mis favoritas. Noventa y nueve: un buen objetivo para todos".
Lawrence Turman, que produjo ‘Amarga es la gloria’, describió a Neame en una entrevista con The Times el año pasado como "un veterano profesional que hizo de todo en la vida. Un hombre encantador, dicho sea de paso -muy amable, nunca elevaba su voz ni se enfadaba".
Neame, cuya carrera duró más de seis décadas e incluyó un periodo como asistente de cámara en la primera película sonora de Inglaterra -la película de suspense ‘La muchacha de Londres’ [Blackmail; Chantaje], de Hitchcock, de 1929- cuando tenía diecisiete, ascendió hasta convertirse en director de fotografía a los veinticuatro.
Posteriormente fotografió películas como la versión de Gabriel Pascal de la comedia de George Bernard Shaw, ‘Major Barbara’ (1941), el drama patriótico en tiempos de guerra dirigida por David Lean y Noel Coward, ‘Sangre, sudor y lágrimas’ [In Which We Serve] (1942) y la adaptación de la pieza de Coward, ‘Un espíritu burlón’ [Blithe Spirit], dirigida por Lean.
Como camarógrafo, Neame compartió una nominación a un Oscar con el diseñador de sonido C.C. Stevens, por los efectos especiales del drama ‘Uno de nuestros aviones se ha perdido’ [One of Our Aircraft Is Missing] (1943), de la Segunda Guerra Mundial.
En 1944, Neame se asoció a Lean y al productor Anthony Havelock-Allan para formar una compañía de producción, Cineguild.
En los años siguientes, Neame produjo las películas dirigidas por Lean ‘Breve encuentro’ [Brief Encounter], ‘Grandes esperanzas’, ‘Oliver Twist’ y ‘Amigos apasionados’ [The Passionate Friends]. También produjo el drama biográfico ‘La caja mágica’ [The Magic Box], dirigida por John Boulting.
Como guionista, Neame compartió nominaciones al Oscar con Lean y Havelock-Allan por sus guiones de ‘Breve encuentro’ y ‘Grandes esperanzas’.
Para su adaptación al cine de ‘Grandes esperanzas’, de Charles Dickens, Neame recordó en una entrevista con Times en 2003, que él y Lean "escribimos el guión básico en dos semanas en un pequeño cuarto de hotel en Cornwall, mientras nuestras esposas paseaban por la playa o salían de compras".
"Fuimos absolutamente brutales con el libro. Sacábamos a un maravilloso personaje, y nos decíamos: ‘Oh, Charlie, espero que no te moleste’".
Sus esfuerzos en llevar el clásico de Dickens a la pantalla se convirtieron en una nominación al Oscar a la mejor película.
En 1947, Neame lanzó su carrera como director con un misterio policial, ‘Take My Life’.
Llegó a dirigir dos docenas de películas más en las siguientes cuatro décadas, incluyendo ‘Un genio anda suelto’ [The Horse’s Mouth], ‘Whisky y gloria’ [Tunes of Glory’, ‘El hombre que nunca existió’ [The Man Who Never Was], ‘Mujer sin pasado’ [The Chalk Garden], ‘Gambit’, ‘Prudencia, prudencia’ [Prudence and the Pill], ‘Muchas gracias, Mr. Scrooge’ [Scrooge], ‘Odessa’ [The Odessa File], ‘Meteoro’ [Meteor], ‘Un enredo para dos’ [Hopscotch] y ‘Mi querido señor juez’ [First Monday in October].
También dirigió ‘Los mejores años de Miss Brodie’ (1969) [The Prime of Miss Jean Brodie], con Maggie Smith, que ganó el Oscar a la mejor actriz.

Neame nació en Londres el 23 de abril de 1911. Su padre, Elwin, era un conocido fotógrafo londinense que había fotografiado a las finalistas de un concurso de belleza y terminó casándose con la joven ganadora, Ivy Close, que se convirtió en una celebridad instantánea.
"Bueno, por supuesto mi madre recibió de inmediato ofertas para trabajar en el cine", dijo Neame en una entrevista con Times en 1978. "En esa época mi padre decidió que le gustaría hacer películas, e hicieron un par de películas juntos".
La madre de Neame actuó en numerosas películas mudas, incluyendo una docena de comedias con la famosa Kalem Company en Estados Unidos.
Neame tenía doce cuando su padre murió en un accidente de moto en 1923, el mismo año en que su madre fue protagonista del drama ‘La Rou’, del director francés Abel Gance.
Para cuando Neame tenía dieciséis, su madre ya no era estrella del cine y su familia estaba casi en la indigencia. Para ayudar, Neame consiguió un trabajo como mensajero en los Elstree Studios.
Neame era todavía un asistente de cámara cuando recibió su primer gran trabajo: tras desplomarse, el camarógrafo de la película épica ‘Drake of England’ (1935) había sido internado en un hospital y le pidieron a Neame que lo reemplazara.
"Entonces yo no sabía nada sobre iluminación", dijo en una entrevista con la revista académica Post Script en 2004. "Sin embargo, sabes, entonces se creía en la juventud y todas esas cosas, así que acepté y salí bien parado".
De todos los trabajos que tuvo durante su larga carrera, pensaba que la dirección era el más entretenido.
"Creo que es la disciplina más creativa", dijo a United Press International en 2001, "y en algunos respectos, la más difícil".
Una de sus misiones entonces fue trabajar con Gardland en ‘Amarga es la gloria’.
"Dos terceras partes del tiempo era terriblemente profesional, se sabía todos sus diálogos y era un placer trabajar con ella. Incluso me llamaba ‘Minino’ [Pussycat]", le contó al Times en 2003. "Por otro lado, era una mujer imposible, horrorosa: llamaba por teléfono a las tres de la mañana, no llegaba al estudio, trataba de que me despidieran. Pero había tratado de despedir a todos los directores con los que trabajó, excepto quizás a su marido", el director Vincente Minnelli.
Como director, Neame podría ser mejor recordado por ‘Poseidón’, el éxito de taquilla de 1972 sobre un transatlántico al que una ola gigantesca hace zozobrar.
"Llamé a ‘Poseidón’ mi suspense al revés", dijo en una entrevista con Times en 1978. "Pero lo que sí hice fue ganar un montón de dinero y quedarme con el cinco por ciento -y eso me dio una enorme estabilidad económica".
En su entrevista con Times en 2003, Neame dijo sobre ‘Poseidón’ que "sé que no es algo que debiera pasar a la historia, pero lo más extraño es que ya pasó a la historia".
Neame, que fue nombrado Comandante del Imperio Británico en 1996 por sus contribuciones a la industria cinematográfica, publicó su autobiografía ‘Straight From the Horse’s Mouth’, escrita con Barbara Roisman Cooper en 2003.
Además de su esposa, le sobeviven Christopher, su hijo de un matrimonio previo con Beryl Heanly; tres nietos; y cuatro biznietos.

3 de julio de 2010
19 de junio de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

murió robert b. radnitz

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Productor en Hollywood de distinguidas películas para la familia, Radnitz produjo ‘Sounder’, nominada a un Oscar, y ‘Los mejores años de mi vida’, que llevaron con éxito la literatura infantil al cine.

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[Valerie J. Nelson] Falleció Robert B. Radnitz, maestro de inglés que se convirtió en productor de cine y llegó a hacer algunas de las películas para la familia más distinguidas de Hollywood, entre ellas ‘Sounder’ y ‘La isla de los delfines azules’ [Island of the Blue Dolphins]. Tenía 85 años.
Radnitz murió el domingo en su casa en Malibú debido a complicaciones de un derrame que sufrió hace algunos años, dijo su esposa Pearl.
Con el estreno de su primera película en 1959 -la historia de un niño con su perro, ‘El perro de Flandes’ [A Dog of Flanders]-, Radnitz empezó a ganar fama como productor de películas de gran calidad para niños y sus padres.
Llegó a producir cerca de una docena de largometrajes, a menudo basándose en libros para niños, para hacer películas como ‘Misty’ (1961), basada en el clásico ‘Misty of Chincoteague’, de Marguerite Henry, y ‘La isla de los delfines azules’ (1964), que compartió su título con el libro de Scott O’Dell, que recibió el premio Newberry.
‘La isla’ era ‘el modelo de lo que deben ser las películas para niños, pero que rara vez lo son", dijo la revista Time en su reseña de la película en 1964. "Radnitz y compañía nos han entregado sentimientos sin sentimentalismo, y una moral sin sermones".
El cineasta ofrecía una sola explicación de su aproximación a la producción de películas para niños: "Si los menosprecias, te sorprenderá lo mucho que pueden entender", dijo Radnitz al Times en 1991.
Sus películas presentaban a menudo a una persona joven que debe superar la adversidad y eran filmadas en locaciones y con bajo presupuesto, recurriendo para los papeles secundarios a personas sin experiencia en actuación y con música indígena, explicó Radnitz más tarde.
Nominada a un Oscar a la mejor película, ‘Sounder’ fue su película más aclamada. Basada en el exitoso libro de William Armstrong sobre una familia de parceleros negros durante los años de la Depresión en el Sur, sus protagonistas fueron Cicely Tyson y Paul Winfield.
‘Sounder’ fue "su viaje ególatra", dijo Radnitz en una entrevista de 1973, "porque todo el mundo me dijo que no la hiciera", y nadie pensaba que tendría público.
"Fue la primera película en romper el molde de la blaxploitation", dijo al Times en 1996.

Cuando el crítico del Times, Charles Champlin, dijo que ‘Sounder’ era una de las mejores películas de 1972, la definió como "con una bella y honesta actuación".
Para 1973, el Times había proclamado a Radnitz como "el único director estadounidense de películas para niños fuera de las puertas de las películas de Walt Disney".

Robert Bonoff Radnitz nació el 9 de agosto de 1924 en Great Neck, Nueva York, como el hijo único de Fred y Lilyn Radnitz. La familia de su madre, los Bonoffs, montaron una lavandería que finalmente terminó administrando su padre.
Criado en Long Island, Radnitz era un niño asmático que los sábados se permitía regularmente atracones de películas en Nueva York. El director Stanley Kubrick dijo que Radnitz era "la única persona que ha visto más películas viejas que yo", informó la revista People en 1976.
Radnitz estudió inglés y teatro en la Universidad de Virginia. Tras licenciarse, Radnitz empezó a trabajar como profesor de literatura inglesa.
Finalmente, de acuerdo a su familia, Radnitz estudió con el influyente director de teatro Harold Clurman, y produjo luego dos piezas para Broadway, ‘The Frogs of Spring’ y ‘The Young and the Beautiful’, entre 1953 y 1955.
Después de llegar a Hollywood, trabajó como asesor de guiones en 20th Century Fox, que financió su primer largometraje.
Para 1970 se había asociado con el fabricante de juguetes Mattel para producir películas para la familia, estrenando ‘Sounder’ y el drama apalachita ‘Donde florecen los lirios’ [Where the Lilies Bloom] (1974), entre otras películas.
Sus películas estaban "marcadas por una feliz ausencia de condescendencia", señaló la revista Time en 1969 en un artículo sobre ‘El muchacho y su montaña’ [My Side of the Mountain], su película sobre un niño canadiense que escapa hacia la naturaleza.
La última película del productor fue ‘Los mejores años de mi vida’ [Cross Creek], un drama de 1983 que se desarrolla en un pantano de Florida. Fue nominada a cuatro Oscars.
Dedicado jugador de tenis, Radnitz llevaba siempre su tenida deportiva, incluso a compromisos comerciales.
Poco después de llegar aquí, compró su casa en la playa en Malibú. Todas las mañanas a la seis, Radnitz se bañaba desnudo en el océano, "lloviera o tronara", contó al Times en 1973.
Sus baños en el mar se prosiguieron hasta que sufrió un derrame en 1996, que también puso fin a su carrera.
Hasta entonces, había sido un "tipo robusto, sano y campechano", dijo su amigo Keith Robinson, "siempre a cargo y un gran narrador".
Cuando le preguntaron por qué la matrícula de su convertible Mercedes-Benz decía "CALM", Radnitz respondía invariablemente: "Es un estado de ánimo que espero alcanzar algún día".
Pearl, su esposa durante veintitrés años, es su única sobreviviente.

27 de junio de 2010
10 de junio de 2010
©los angeles times 
cc traducción mQh