cine

murió teshome h. gabriel

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Profesor en la Universidad de California en Los Ángeles y experto en cine del Tercer Mundo. El profesor nacido en Etiopía, fue uno de los primeros académicos en formular teorías de modo crítico sobre el cine del Tercer Mundo, dijo un colega universitario.

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[Dennis McLellan] Murió Teshome H. Gabriel, profesor de la Escuela de Teatro, Cine y Televisión de la Universidad de California en Los Ángeles y académico reconocido internacionalmente, experto en cine del Tercer Mundo. Tenía 70 años.
Gabriel, nacido en Etiopía, murió el lunes a causa de un repentino paro cardiaco en el Permanente Panorama City Medical Center, informó la portavoz universitaria, Teri Bond.
"Era brillante, gentil, elegante y generoso", dijo en una declaración el miércoles Teri Schwartz, decano de la Escuela de Teatro, Cine y Televisión. "Teshome era un profesional consumado y un miembro de la facultad que era querido por todo el mundo. Lo extrañaremos mucho".
Gabriel, que empezó como docente en UCLA en 1974 y recibió su grado de doctor en estudios de cine y televisión antes de convertirse en profesor asociado en 1981, escribió el libro ‘Third Cinema in the Third World: The Aesthetics of Liberation’, de 1982.
Vinay Lal, profesor asociado de historia y de estudios asiáticos-americanos en UCLA, dijo que Gabriel fue "uno de los primeros estudiosos en hacer teoría crítica sobre el cine del Tercer Mundo".
"Es uno de los principales exponentes de la idea de Tercer Cine", dijo Lal desde India, donde se encuentra con permiso. "Creía que el tercer cine era un guardián de la memoria popular y fuente de emancipación de pueblos anteriormente sometidos".
"Mientras que el Tercer Cine podría desarrollar sus propias convenciones de narrativa y estilo, su estética tenía que estar asociada a una política de acción social. Teshome era muy atento, como debe ser un estudioso del cine, a los estilos y convenciones cinematográficas; pero siempre insistió en que el cine del Tercer Mundo debía ser fiel a las culturas, tradiciones y formas narrativas de esas sociedades".
Gabriel fue uno de los dos compiladores del libro ‘Otherness and the Media: The Ethnography of the Imagined and the Imaged’, de 1993, y más recientemente escribió el libro ‘Third Cinema: Exploration of Nomadic Aesthetics & Narrative Communities’.
Entre sus numerosos logros se encuentra haber sido editor jefe de ‘Emergences: Journal for the Study of Media and Composite Cultures’. Fundó también y fue miembro del consejo editorial de Tuwaf (Luz), una revista etiope de bellas artes, en Amharic, de 1987 a 1991.
En sus últimos años, dijo Lal, Gabriel "escribió sobre cosas como la relación de la red con la tejeduría, la idea de lo nómade (y de lo transgresivo), y la relación entre las edificaciones y las ruinas.
"Era un pensador poco habitual, interesado en permitir el libre flujo de ideas, y nunca dejó de explorar las nuevas formas de los medios, así como los desarrollos en el cine".

Gabriel nació el 24 de septiembre de 1939 en la pequeña ciudad de Ticho, Etiopía, y llegó a Estados Unidos en 1962.
Se licenció en ciencias políticas en la Universidad de Utah en 1967, y siguió después cursos de posgrado en medios educativos. En UCLA obtuvo su licenciatura en artes dramáticas (cine y televisión) en 1876 y se doctoró en estudios de cine y televisión en 1979.
Le sobreviven su esposa Maaza Woldemusie; su hija Mediget; y su hijo Tsegaye.

26 de junio de 2010
17 de junio de 2010
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murió joseph strick

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Director de cine independiente. Tuvo problemas con la censura. Ganó un Oscar por un documental sobre los veteranos de My Lai.

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[Dennis McLellan] Falleció Joseph Strick, cineasta independiente que llevó ‘Ulises’ a la gran pantalla y ganó un Oscar al mejor documental corto ‘Interviews with My Lai Veterans’. Tenía 86 años.
Strick murió por una deficiencia cardiaca congestiva el martes en un hospital de París, informó su hijo el fotógrafo David Strick.
Fotógrafo aéreo de las Fuerzas Aéreas del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial, Strick inició su carrera en el cine después de la guerra cuando usó una cámara de cine de los excedentes del ejército para filmar en 1948 ‘Muscle Beach’, un documental sobre los fisiculturistas de California del Sur.
Strick dijo que después de aparecer en varias otras películas, recordó una entrevista que había tenido ese año con el Glasgow Herald Scotland: "Decidí dejar el oficio para hacer algo de dinero, y así poder hacer mis propias películas".
Desde 1956 se convirtió en una figura clave en varias compañías científicas y tecnológicas nuevas, incluyendo Electrosolids Corp. y Physical Sciences Corp., las que vendería luego a un buen precio después de echarlas a andar.
Pero incluso cuando estaba luchando por convertirse en un empresario exitoso a fines de los años cincuenta, Strick conservó sus ambiciones cinematográficas.
Con Ben Maddow y Sidney Meyers, Strick y sus colegas pasaron cuatro años haciendo ‘The Savage Eye’, una película de bajo presupuesto de 1960, que incorporó metraje de los barrios bravos de Los Ángeles en la historia de una joven divorciada que trata de empezar una nueva vida.
La película ganó el premio Robert J. Flaherty de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión al mejor documental.
"Joe se interesaba en mirar el lado de abajo de las cosas" en la película, dijo el fotógrafo y ganador de un Oscar, Haskel Wexler, que fue camarógrafo en ‘The Savage Eye’ y en el documental de Strick de 1971, ‘Interviews with My Lai Veterans’, que mostraba a los soldados estadounidenses que estuvieron presentes en la masacre de My Lai en Vietnam.
Cuando vio las películas de Strick, Wexler dijo: "Era un inconformista y no fue nunca un director convencional. Tienes que formarte tu propio juicio sobre las películas que hizo. Yo las encontré todas muy interesas y creativas, en contenido, si no en su estilo".
Strick ya había producido y dirigido la adaptación cinematográfica de la obra de Jean Genet, ‘El balcón’, en 1963, cuando abordó ‘Ulises’, la controvertida y frecuentemente prohibida novela épica del escritor irlandés Joyce -una obra conocida por sus monólogos interiores y lenguaje explícito.
Strick dirigió y produjo la película en Dublín en 1967, con un presupuesto muy modesto, y él y Fred Haines compartieron un Oscar por el guión.
"‘Ulises’ es un logro extraordinario, otro capítulo más en la madurez del cine", escribió en una reseña el crítico de cine del Times, Charles Champlin.
Sin embargo, observó que "durante años la novela de Joyce tuvo problemas con la censura y la película de Strick estaba teniendo los mismos problemas".
En realidad, los organizadores del Festival de Cine de Cannes cortaron los subtítulos en francés de la película.
"Nadie le dijo lo que iba a ocurrir", contó David Strick. "Se levantó y gritó que su película había sido censurada. Subió a la cabina de proyección y apagó los interruptores. Luego los tarados del festival lo empujaron escaleras abajo. Mi padre y sus socios se retiraron inmediatamente del festival".
En una entrevista antes este año, Strick dijo que "sabía qué tipo de material estaba escogiendo, pero de todos modos me sorprendió la intensidad de las reacciones a la película... En Irlanda, el libro no ha sido prohibido nunca, pero la película fue recién autorizada en 2000".
Otras películas de Strick son la adaptación de la novela de Henry Miller, ‘Trópico de Cáncer’ [Tropic of Cancer], en 1970, como director, productor y co-guionista; la adaptación en 1977 de ‘Retrato del artista adolescente’ [A Portrait of the Artist as a Young Man], como productor y director; y produjo la película de 1983, ‘Los lobos no lloran’ [Never Cry Wolf].
En 1970, Strick pasó varios años desarrollando un sistema de simulación del movimiento basado en experiencias en teatro en conjunto con una compañía de distribución de teatro. Nunca llegó más allá del prototipo, pero más tarde trabajó como asesor técnico del espectáculo ‘Star Tours’ en los parques temáticos de Disney.

Strick nació el 6 de julio de 1923 en Braddock, Pensilvania, y se mudó más tarde a Filadelfia. Estudió en la Universidad de California en Los Ángeles antes de enrolarse en el ejército durante la guerra.
A principio de los años sesenta, Strick encargó al legendario arquitecto brasileño Oscar Niemeyer que diseñara una casa para él y su primera esposa, Anne, al borde del Cañón de Santa Mónica. Pero se separaron antes de que se terminara de construir la casa, y él nunca vivió en lo que hoy es la única casa de Niemeyer en Norteamérica.
Strick vivía fundamentalmente en París desde principios de los años setenta.
Además de su hijo David, le sobreviven su esposa Martine; sus otros hijos -Jeremy (ex director del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles en Los Ángeles, que es ahora director del Nasher Sculpture Center en Dallas), Betsy, Terence y Helene Strick-Marchand; su hermano Jack; su hermana Maida Gordon; y cinco nietos.

26 de junio de 2010
4 de junio de 2010
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murió dorothy de borba

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Fue la niña actriz de las comedias ‘La pandilla’. Fue Dorothy en el popular programa de principio de los años treinta, apareciendo en veinticuatro episodios.

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[Dennis McLellan] Murió Dorothy de Borba, antigua niña actriz que fue Dorothy en las comedias ‘La pandilla’ [Our Gang] a principio de los años treinta. Tenía 85 años.
De Borba, cuyo apellido de casada era Haberreiter, murió el miércoles a causa de un enfisema en un hospital de Walnut Creek, California, informó su hija, Janet Moorehead.
Hija de una madre cantante, bailarina y actriz, y baterista de la banda de Paul Whiteman, De Borba tenía cinco años cuando empezó a aparecer en la popular serie de comedias breves de ‘La pandilla’, producida por los Hal Roach Studios en Culver City.
Se dice que consiguió el trabajo después de impresionar a Roach, que lanzó ‘La pandilla’ en 1922, con su capacidad de llorar a voluntad.
Empezando con ‘Pups Is Pups’ en 1930, y terminando con ‘Mush and Milk’ en 1933, De Borba apareció en veinticuatro episodios de las comedias de ‘La pandilla’, junto con las estrellas más famosas de la pandilla, entre ellos Jackie Cooper, George ‘Spanky’ McFarland, Matthew ‘Stymie’ Beard y Bobby ‘Wheezer’ Hutchins.
Conocida por cabello castaño claro que llevaba normalmente en rizos, fue descrita en el libro de Leonard Maltin y Richard Bann, ‘Our Gang: The Life and Times of the Little Rascals’, de 1997, como "un pequeño atado de rizos, vitalidad y travesuras".
En los Estudios Roach pronto la apodaron ‘Echo’, aunque el nombre no se usó nunca en la pantalla.
Se ganó el apodo después de integrarse al reparto como la hermana de Norman ‘Chubby’ Chaney en sus tres primeros cortos de ‘La pandilla’. Como la hermana de Chubby, tenía lo que Maltin y Bann describieron como una "compulsión de sabelotodo de repetir todo lo que decía él".
De Borba guardaba gratos recuerdos de su trabajo en el estudio de Roach, que también era el de Laurel y Hardy, que se aparecían ocasionalmente en el plató de ‘La pandilla’ para mirar actuar a los actores jóvenes".
"Era como si tuviéramos el teatro más grande del mundo", dijo al St. Petersburg Times en 1993. "Cuando no estábamos trabajando o en la escuela, siempre jugábamos ahí. El ‘Tío’ Bob McGowan (el director) se llevaba muy bien con los niños".
Le encantaban la atmósfera de intimidad del estudio, dijo al Times durante una celebración en Culver City en honor al cumpleaños número cien de Roach en 1992.
Dijo que Roach, que murió más tarde ese año, organizaba fiestas de Navidad familiares y una de las aulas para los jóvenes actores estaba encima de su oficina.
"Siempre pensaba un montón en Roach, y todavía lo hago", dijo. "Era grande y fornido, pero no gruñía. Y nunca nos habló como si fuéramos niñitas".

De Borba, que nació el 28 de marzo de 1925, en Los Ángeles, terminó su carrera como actriz poco después de salir de ‘La pandilla’.
Tras egresar de la Escuela Secundaria Van Nuys, tuvo varios trabajos en Republic Pictures, incluyendo un periodo como secretaria.
Su primer y breve matrimonio terminó con la muerte de su marido. Su segundo matrimonio terminó en divorcio en 1959, y más tarde trabajó como administrativa en la Escuela de Posgrado de Periodismo de la Universidad de California en Berkeley.
A partir de 1980 fue una invitada habitual en las reuniones del capítulo y convenciones de los Sons of the Desert, la sociedad internacional dedicada a Laurel y Hardy.
"A la gente todavía le gusta ‘La pandilla’, porque hicimos todas las cosas que los niños todavía pueden hacer ellos mismos", contó a una audiencia reunida en 1997 para ‘An Evening With Our Gang and Laurel & Hardy’, con el patrocinio de el capítulo de Chicago de los Sons of the Desert.
"Los niños", dijo, "todavía se están riendo".
Además de su hija Janet, le sobrevive su hijo Richard Haberreiter.

25 de junio de 2010
5 de junio de 2010
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murió yvonne stevens

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Actriz de la era del cine mudo.

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Falleció el 27 de mayo en su casa en Hollywood, por deficiencia cardiaca, Yvonne Stevcens, actriz del cine mudo y primera esposa del director George Stevens, informó la publicista Michelle Bega. Tenía 104 años.
Nació el 31 de julio de 1905 en Chicago como hija de una artista de vodevil, Alice Howell, y se mudó con su madre a Los Ángeles en 1915. Como Yvonne Howell, la actriz apareció en películas de Mack Sennett como una de sus ‘bellezas en traje de baño’ y tuvo roles secundarios en las películas de 1927 ‘La reina de la moda’ [Fashions for Women] y ‘Terrores de la frontera’ [Somewhere in Sonora].
Conoció a George Stevens en 1928, cuando este trabajaba como camarógrafo para las películas de Laurel y Hardi, de Hal Roach, y se casaron en 1930. Ella se retiró de la actuación y tuvieron un hijo, George Jr., que se convirtió en el director y fundados del Instituto Americano del Cine.
Se divorciaron en 1937, y George Stevens llegó a dirigir películas como ‘Gunga Din’, ‘Un lugar en el sol’ [A Place in the Sun], ‘Gigante’ [Giant] y ‘Shane’. Murió en 1975.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Yvonne Stevens trabajó como ayudante de enfermera en hospitales militares en California del Sur y como voluntaria, contó su familia.

24 de junio de 2010
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murió andreas voutsinas

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Actor griego y mentor de estrellas de Hollywood.

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Según una declaración del ministerio de Cultura griego, murió el martes en un hospital ateniense el actor y director de escena Andreas Voutsinas, que trabajó también como instructor de varias estrellas de Hollywood, entre ellas Jane Fonda. Tenía 79 años.

Nacido en Khartoum, Sudán, en 1931, Voutsinas tuvo roles en películas como ‘Los productores’ [The Producers], de Mel Brooks, como Carmen Ghia y ‘La loca historia del mundo’ [History of the World: Part 1], como Bearnaise, y en ‘Azul profundo’ [The Big Blue], de Luc Besson.
Dirigió a Fonda en el breve espectáculo en Broadway en 1962 ‘The Fun Couple’, describiéndola más tarde como "el único gran amor de mi vida".
Voutsinas también asesoró a Ann Bancroft, Warren Beatty y Faye Dunaway.

16 de junio de 2010
11 de junio de 2010
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murió irwin rosten

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Director de documentales. Escribió, dirigió y produjo la revolucionaria película de National Geographic en 1975, ‘The Incredible Machine’, una mirada al interior del cuerpo humano. Ganó un Emmy por un documental sobre el cerebro.

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[Valerie J. Nelson] Murió Irwin Rosten, galardonado documentalista que es quizás mejor conocido por ‘Cuerpo humano: máquina increíble’ [The Incredible Machine], que en 1975 llevó a los espectadores a un revolucionario viaje por el interior del cuerpo humano. Tenía 85 años.
Rosten murió el 23 de mayo, en casa, después de una breve enfermedad, dijo su familia.
Fue el guionista, director y productor de ‘Cuerpo humano: máquina increíble’, un temprano documental de National Geographic que tuvo un "impacto extraordinario", dijo Nicolas Noxon, un documentalista que fue durante largo tiempo socio comercial de Rosten.
"Fue muy, muy popular, y como que abrió los ojos de la gente sobre lo que se podía hacer con un documental", dijo Noxon. "Fue revolucionario en su época".
Investigadores médicos han estado buscando vías de entrada para hacer fotografías dentro del cuerpo humano -como introducir cámaras en el aparato digestivo o haciendo microfotografías de la sangre-, pero Rosten fue quizás el primero en "recabar todos los datos y ensamblarlos" para el público, dijo Noxon.
Hasta 1982, ‘Cuerpo humano: máquina increíble’ fue el programa de mayor sintonía en la historia del Public Broadcasting Service.
Fue nominado a un Oscar, la segunda de las nominaciones que recibió Rosten. ‘The Wolf Man’, un documental de 1969 que produjo sobre la caza de lobos grises en América del Norte, también fue nominado.
Rosten llegaría a crear programas como ‘Mysteries of the Mind’, documental sobre el cerebro humano galardonado con un Emmy, y ‘Elephant’, uno de los numerosos proyectos con animales.
La creciente popularidad del documental a principio de los años sesenta "fue simplemente que la televisión se puso a la altura del público", dijo Rosten al Times en 1963, cuando mencionaba la popularidad de revistas y libros documentales.
En los sesenta, Rosten trabajó para David L. Wolper, un importante productor de documentales independiente, e hizo varios especiales para National Geographic, entre ellos uno sobre Jacques Cousteau y otro sobre el oso pardo.
Cuando ‘Grizzly’ fue nominado a un Emmy, amigos y colegas de Rosten colocaron un anuncio en ‘Variety’ que su familia dijo que incluía este descargo: "Este espacio fue pagado por los admiradores de Irwin Rosten, un hombre modesto en el que no se puede confiar que se alabe a sí mismo".

Nació en Brooklyn en 1924, hijo de inmigrantes de Rusia y Polonia que poseían una droguería.
Después de trabajar para la DuMont Network en Nueva York, Rosten se mudó en 1954 a Los Ángeles y se unió a KNXT, una filial de CBS. Uno de sus proyectos más reputados fue ‘Thou Shalt Not Kill’, un documental de 1958 sobre la pena de muerte.
En 1959, Cecil Smith, del Times, describió a Rosten como un "joven con magia en su pluma".
Dos años después se mudó al Canal 5 de KTLA-TV para convertirse en guionista y productor de documentales y programas especiales. Uno de sus últimos documentales para la estación fue ‘Split Image’, de 1963, sobre el circuito cerrado de televisión operado por los pacientes del Hospital General Camarillo.
Cuando trabajaba para Wolper, Rosten conoció a Noxon, y el par finalmente se incorporó a MGM y montaron una unidad de documentales para el estudio. Su primera producción fue un documental sobre Clark Gable, en 1968.
Ya en 1963, el Times se refería a Rosten y Noxon como "uno de los jóvenes equipos más interesantes de documentalistas".
Rosten era conocido por dirigir a otros y era un formidable cocinero -su especialidad era la comida china, dijo su hijo Peter, un antiguo productor de cine y televisión.
El viejo Rosten viajaba por el mundo a la búsqueda de sus temas -fue a Japón para filmar partes de los especiales ‘Gold’, de National Geographic en 1970, o a Rusia, para rodar ‘The Volga’, sobre el principal río europeo.
Como es a menudo el caso, Rosten volvió con una historia que lo divertía. Una agencia noticiosa oficial soviética propuso un pulseo para decidir si el equipo de rodaje sería soviético o estadounidense. El más robusto colega de Rosten en el National Geographic aceptó el reto, pero este terminó en empate. Se utilizaron los equipos de los dos países.
Además de su hijo Peter, de Darby, Montana, le sobreviven su esposa durante veintitrés años, Marylin Ryan.

12 de junio de 2010
30 de mayo de 2010
©los angeles times

murió eugenia p. strauss

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Bailarina y actriz. Trabajó en la serie ‘El Zorro’.

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Después de una larga enfermedad murió en el Good Samaritan Medical Center en West Palm Beach, Florida, Eugenia P. Strass, actriz y bailarina cuyas actuaciones como Eugenia Paul incluyen la serie de televisión de los años cincuenta, ‘El Zorro’ -informó su hija Kimberly. Tenía 75 años.
Entre otras apariciones en televisión de Strauss se encuentran ‘Medic’, ‘Death Valley Days’, ‘Alfred Hitchcock presenta’ [Alfred Hitchcock Presents] y ‘Las aventuras de Jim Bowie’ [The Adventures of Jim Bowie]. Tuvo su último rol en la película ‘Gunfighters of Abilene’.

Nació como Eugenia Popoffon el 3 de marzo de 1935 en Dearborn, Michigan, y se mudó a Los Ángeles a los 16, mientras se encontraba de gira con el predecesor del American Ballet Theatre. Strauss fue contratada por Warner Bros. en 1952 como bailarina.
En 1958 se casó con Bob Strauss, cuya familia fundo la cadena de tiendas de repuestos de coches, Pep Boys.

3 de junio de 2010
2 de junio de 2010
©los angeles times 
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murió dennis hopper

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Actor. Director de ‘Busco mi destino’, se convirtió en un marcador generacional.

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[Adam Bernstein] Murió el 29 de mayo en su casa en Venice, California, Dennis Hopper, el actor y director cuya película independiente sobre dos amigos moteros ‘Busco mi destino’ [Easy Rider] hizo una inesperada fortuna explorando la contracultura de fines de los años sesenta y cambió Hollywood ayudando a abrir las puertas a directores jóvenes, como Steven Spielberg y George Lucas. Tenía 74 años.
Hopper, que disfrutó del resurgimiento de su carrera en los años ochenta y noventa representando a alcohólicos y convincentes psicópatas en películas como ‘Hoosiers, más que ídolos’ [Hoosiers], ‘Terciopelo azul’ [Blue Velvet] y ‘Speed, máxima potencia’ [Speed], se enteró el año pasado de que tenía cáncer a la próstata.
‘Busco mi destino’, estrenada en 1969, fue definida a menudo como un marcador generacional, una película con una vibrante banda sonora de rock y llena de imágenes alucinógenas destinadas a evocar la rebelde contracultura juvenil.
Como su director, co-estrella y co-guionista, Hopper llamó a la película su "discurso sobre el estado de la Unión" sobre un país al borde de la destrucción debido a la Guerra de Vietnam, los asesinatos políticos, los prejuicios, la intolerancia y la codicia. Él, el actor Peter Fonda y el guionista Terry Southern compartieron la nominación al Oscar al mejor guión original.
Financiada independientemente, ‘Busco mi destino’ costó menos de medio millón de dólares y recaudó decenas de millones de dólares. Este éxito asombró a los ejecutivos de muchos estudios de Hollywood, que estaban perdiendo dinero a manos llenas después de años de producir fracasos como el musical ‘Doctor Dolittle’ [Dr. Dolittle].
El éxito económico de la película "señaló un cambio radical en Hollywood, obligando a los jefes de los estudios a acoger a la nueva ‘audiencia juvenil’ y a ofrecer empleo a otros directores jóvenes, incluso desconocidos, dijo el crítico e historiador de cine, Leonard Maltin.
A ‘Busco mi destino’ se le atribuyó haber contribuido a lanzar el ‘Nuevo Hollywood’ de los años setenta con el surgimiento de directores jóvenes como Spielberg, Lucas, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Peter Bogdanovich.

Director Novato
‘Busco mi destino’ fue la primera película de Hopper como director. Había empezado su carrera cinematográfica como una promesa, con James Dean en ‘Rebelde sin causa’ [Rebel Without a Causa] (1955) y ‘Gigante’ [Giant] (1956). Pero su reputación por sus problemas con el abuso de drogas y sus conflictos con directores veteranos habían provocado que los principales estudios dejaron de ofrecerle papeles.
Para mediados de los años sesenta, Hopper estaba llamando a la puerta de American International Pictures, un estudio que se especializaba en películas sobre moteros, drogas y fiestas en la playa. Lo despertó un día una llamada tarde por la noche de Fonda, un actor colega de la AIP, con la idea de hacer ‘Busco mi destino’. No fue fácil convencer a los ejecutivos, incluso a los de AIP, para que financiaran una película que mostraba como héroes a moteros metidos en el mundo de la drogas.
"Mi plan es que la dirijas tú, yo la produzco, la escribimos a dos manos y seremos ambos protagonistas, y ahorraremos algo de dinero", le dijo Fonda a Hopper, de acuerdo al libro de Peter Biskind, ‘Easy Riders, Raging Bulls: How the Sex-Drugs-and-Rock ’n’ Roll Generation Saved Hollywood’.
Fonda trajo a su amigo Southern, novelista y experimentado guionista, para darle forma al guión. Fonda y Hopper encontraron inversores independientes para financiar el proyecto, y un importante estudio, Columbia, se encargó de la distribución de la película.
La historia giraba sobre dos dealers de poca monta (Hopper y Fonda) que vendían cocaína en México y luego cruzaban el país en moto en dirección al Mardi Gras de Nueva Orleans. En el camino se encontraban con hippies, personajes marginales y fanáticos intolerantes.
Fonda fue Wyatt, apodado Capitán América, y Hopper era su compinche Billy; los nombres debían evocar a las estrellas de las películas de vaqueros, Wyatt Earp y Billy the Kid. ‘Busco mi destino’ convirtió a Jack Nicholson en una estrella, en cuyo papel secundario fue un abogado alcohólico que se une a los moteros.
La película catapultó a Hopper al centro de la elegante intersección entre arte, diversión y política que incluía a sus amigos Bob Dylan, al productor Phil Spector y a los artistas pop Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Pero la adicción a las drogas de Hopper y otros problemas personales hicieron casi imposible que el actor repitiera el éxito de ‘Busco mi destino’.
Su siguiente película ‘La última película’ [The Last Movie] (1971), fue un fracaso que sólo recaudó un millón de dólares. La trama giraba sobre un equipo de rodaje de Hollywood tratando de filmar una película de vaqueros en Perú. Hopper era un doble que terminaba crucificado por los aldeanos.
Hopper volvió a Los Ángeles con una impresionante cantidad de metraje en cuya edición se trabajó durante más de un año. Los jefes del estudio estaban horrorizados y ordenaron a Hopper que revisara la película. ‘La última película’ ganó un importante premio en el Festival de Cine de Venecia en 1971 en Italia, pero Hopper consideró angustiante la experiencia de perder el control de su película.

Internado en un Hospital Psiquiátrico
Se retiró a vivir en una comuna en Nuevo México, donde montaba juergas con ron, tequila y cocaína, y finalmente sufrió un ataque de paranoia durante el cual empezó a disparar hacia fuera con una ametralladora que guardaba en su casa. Aceptó algunos papeles, siendo recordado por su rol como fotógrafo drogadicto en la Guerra de Vietnam en la película de Coppola, ‘Apocalipsis ahora’ [Apocalypse Now; Apocalipsis Now] (1979), pero su carrera se estancó. En 1984 fue internado en un hospital psiquiátrico en Los Ángeles después de sufrir una violenta alucinación.
Hopper describió este periodo como el punto más bajo de su vida. Dijo que dejó las drogas duras y la bebida y decidió canalizar su "compulsiva" personalidad en otra dirección, sobre todo trabajando. Fue nominado a un Oscar por su papel secundario como un entrenador alcohólico en el drama de baloncesto ‘Hoosiers, más que ídolos’ (1986), con Gene Hackman y dirigió el drama policial ‘Colors’ (1988), con Sean Penn y Robert Duvall.
En general, Hopper se especializaba en retratar a personajes intensamente raros, lo que llevó al crítico de cine Roger Ebert a llamarlo el "malo de la película más fiable y ciertamente el más espeluznante".
El actor fue un ermitaño manco en ‘Instinto sádico’ [River’s Edge] (1987), un asesino a sueldo en la película negra de bajo presupuesto ‘Conspiración en Red Rock West [Red Rock West] (1994) y el terrorista demente que amenaza a Keanu Reeves en la popular película de acción ‘Speed, máxima potencia’ (1994).
La actuación más extravagante de Hopper fue como un sádico esnifador de gasolina llamado Frank Booth en ‘Terciopelo azul’, de David Lynch. "Era simplemente el degenerado de clase media promedio. Eso lo entendía. Yo he sido un degenerado de clase media la mayor parte de mi vida".

Rebelde sin Causa
Dennis Lee Hopper nació el 17 de mayo de 1936 en Dodge City, Kansas, donde su padre era un empleado postal de ferrocarriles. Se crió en San Diego, fue aprendiz en La Jolla Playhouse y se marchó a Hollywood con el apoyo de la actriz de cine Dorothy McGuire, a la que conoció en el teatro.
En 1955 consiguió un papel fundamental como pandillero en ‘Rebelde sin causa’ [Rebel Without a Cause], con Dean, al que adoraba.
"Yo era un muy buen técnico, pero Dean era tan libre y creaba todas esas cosas maravillosas", dijo Hopper al Chicago Tribune en 1990. "Así que lo cogí durante la escena de ‘Chickie-run’ y lo metí al coche, y le dije: ‘Pensaba que yo era el mejor, pero ahora que te veo, sé que eres el mejor, y ni siquiera sé qué estás haciendo’.
"Me dijo: ‘Bueno, tienes que hacer cosas, no mostrarlas. Tienes que beber un trago de tu vaso, no actuar que estás bebiendo. No tener ideas preconcebidas. Acercáte a algo siempre modo diferente’. Para mí, eso fue el principio de un montón de problemas con los directores".
Hopper fue el hijo de Rock Hudson y Elizabeth Taylor en ‘Gigante’. Entonces, cuando unos años después hacía una película de vaqueros, Hopper se puso a pelear con el veterano director Henry Hathaway sobre cómo hacer una escena. Hopper estropeó las 87 tomas que se hicieron de lo que debía ser la lectura de una sola frase.
Hathaway amenazó a Hopper con cerrarle las puertas de Hollywood, y tuvo bastante éxito, pese a que el actor logró conseguir papeles secundarios en ‘La leyenda del indomable’ [Cool Hand Luke] (1967) y, para su sorpresa, ‘Valor de ley’ [True Grit] (1969), de Hathaway.
Los matrimonios de Hopper con Brooke Hayward, la actriz Daria Halprin y la bailarina Katherine LaNasa terminaron todos en divorcio. También estuvo ocho días casado con Michelle Phillips, del grupo musical The Mamas and the Papas.
"Siete de esos días fueron bastante buenos", dijo. "El octavo fue el malo".
En enero, mientras era tratado por su cáncer, pidió el divorcio de su esposa durante catorce años, la actriz Victoria Duffy.
Entre los sobrevivientes se encuentra una hija de su primer matrimonio, una hija del tercero, un hijo del cuarto y una hija del quinto.
Hace poco Hopper fue uno de los actores principales del drama de televisión ‘Crash’ de la red por cable Starz, y anunciador comercial de la financiera Ameriprise Financial. Trabajó como actor de voz para la compañía Navtones, que se especializa en voces de famosos para sistemas de navegación GPS. La página web de la compañía dice que su voz "brinda comodidad al viajante".
Los críticos han debatido sobre ‘Busco mi destino’. Pauline Kael llamó el tono oscuro de la película y su violento final una "paranoia sentimental" en una época en que "estaba bien decir que no podías ganar, que todo estaba amañado y no se podía hacer nada".
Hopper contó una vez al Washington Post que Bob Dylan también pensaba que la película pudo haber sido mejor. "Dylan no quería que muriéramos al final", dijo. "Estaba realmente conmocionado de que Wyatt y Billy tuvieran que ser asesinados y dijo que era un final escandaloso. Dijo: ‘¿Te acuerdas del helicóptero al final? ¿Por qué no haces que vuelva y le dispare a los palurdos en el camión?’ Dylan quería que ganaran los buenos".

Alexander F. Remington contribuyó a este artículo.

1 de junio de 2010
30 de mayo de 2010
©washington post
cc traducción mQh