cine

murió cammie king conlon

---

Fue Bonnie Blue Butler en ‘Lo que el viento se llevó’. Tenía cuatro años cuando fue elegida para representar a la hija de Rhett Butler y Scarlet O’Hara en la clásica película de 1939. También fue la voz del cervatillo Faline en’Bambi’.

---

[Valerie J. Nelson] Murió Cammie King Conlon, que se lamentaba, bromeando, que era famosa por una experiencia que apenas recordaba, cuando fue la hija de la desdichada Scarlett O’Hara y Rhett Butler en la película ‘Lo que el viento se llevó’ [Gone With the Wind]. Tenía 76 años.
Conlon, cuya breve carrera como actriz de cine incluyó ser la voz del cervatillo Faline, en ‘Bambi’, falleció el miércoles, de cáncer, en su casa en Ft. Bragg, California, informó Bruce Lewis, un amigo.
A los cuatro, apareció como Bonnie Blue Butler por su parecido con sus padres en la película -Vivien Leigh y Clark Gable-, pero sus recuerdos del rodaje de la épica saga de la Guerra Civil de 1939 eran vagos, más como "instantáneas", decía a menudo.
Adoraba al pony negro Shetland que montaba en la película, y recordaba lo perpleja que estaba cuando vio en el estudio lo que parecía ser una niñita vestida exactamente como ella, pero fumando un cigarrillo.
El actor era un hombre adulto, una persona pequeña que era su doble para cuando Bonnie Blue se cae del pony, lo que causa su muerte y un episodio fundamental de la trama: la profunda depresión de Rhett.
En la escena fúnebre que sigue, no podía impedir que sus ojos pestañearan y llevaba una máscara mortuoria cuando Gable la recogía. Se asustó cuando hacían la máscara, y sus lágrimas dejaron visibles huellas en ella, contó Conlon más tarde.
También recordaba que el director Victor Fleming la había sermoneado porque había olvidado sus diálogos.
Dijo: "Cammie, tengo una hija de tu edad y todos estos hombres que ves aquí también tienen familias, que dependen de su trabajo aquí. Tienen que alimentar a sus hijos. Pero si tú no te aprendes tus diálogos, ellos no pueden trabajar", contó al Santa Rosa Press Democrat en 1998.
Conlon -presentada como Cammie King en la película- dijo que jamás volvió a equivocarse.
Se refería orgullosamente a Gable como una "figura paternal" que la protegía.
"Si estaban haciendo demasiadas tomas de alguna escena, diría: ‘Vamos, chicos. Empaquemos, la muñeca está cansada", contó al Orlando Sentinel en 2003.
Ya adulta, apareció regularmente con otros actores de ‘Lo que el viento se llevó" en retrospectivas y eventos en homenaje a la película. En un blog que promociona su libro de memorias ‘Bonnie Blue Butler’, Conlon dijo que era uno de los diez últimos sobrevivientes de ese reparto.
"Siempre que podía, usaba su fama para recolectar dinero para sus causas", dijo Lewis. "Lo hacía de modo muy ligero. No era para nada engreída".

Nació como Eleanore Cammack King el 5 de agosto de 1934, en Los Angeles. Sus padres se divorciaron hacia la época en que se estrenó ‘Lo que el viento se llevó’.
Su madre, Eleanore, era columnista de Los Angeles Examiner y a fines de los años cuarenta se casó con Hebert Kalmus, un científico que fundó la Technicolor Corp.
Conlon se licenció por la Universidad de Carolina del Sur en 1956 en comunicaciones y empezó a trabajar como asistente de producción en ‘Climax!’, una serie antológica de CBS-TV.
Su primer marido, con el que tuvo dos hijos, murió de cáncer. Más tarde se volvió a casar, pero se divorció en 1976.
En 1980, Conlon se mudó a Carolina del Norte y tuvo una larga carrera en relaciones públicas, lo que incluye un periodo para la Cámara de Comercio del Litoral Mendocino [Mendocino Coast Chamber of Commerce].
Después de ‘Lo que el viento se llevó’, tuvo un papel más, prestando su voz como Faline, que retoza con el personaje del título de otra clásica película de Disney: ‘Bambi’, de 1942.
"Todo lo que recuerdo es estar gateando en el suelo de una... cabina de sonido. Y probablemente eso era para hacerme reír, porque eso es lo que yo hago" como el personaje, dijo Conlon en 2005 en National Public Radio.
En el reparto de otra película a principio de los años cuarenta, Conlon enfermó de varicela el primer día del rodaje.
"Ese fue el fin de mi carrera en el mundo del espectáculo", dijo al Times en 1967, aunque más tarde dijo que su madre había querido que tuviera una infancia "normal".
Sobre su papel en una de las más grandes películas de la historia, Conlon decía a menudo: " Alcancé la cumbre a los cinco".
La sobreviven sus dos hijos -Matthew Ned Conlon, de Chicago, y Katie Conlon Byrne, de Hawai, y tres nietos.
14 de septiembre de 2010
3 de septiembre de 2010
©los angeles times

murió glenn shadix

---

Actor de carácter. Trabajaba con Tim Burton.

---

Murió el martes en su casa en Birmingham, Alabama, según informó su gerente personal, Juliet Green, Glenn Shadix, actor de carácter mejor recordado por su retrato del corpulento y pretencioso decorador de interiores Otho en la comedia de fantasmas de 1988,‘Bitelchús’ [Beetlejuice], del director Tim Burton. La hermana de Shadix, Susan Gagne, dijo al Birmingham News que había estado movilizándose en una silla de ruedas y aparentemente se cayó en su cocina y se rompió la cabeza.
Green dijo que el prolífico actor era una de las relaciones profesionales más estrechas de Burton, que lo contrató para ‘Pesadilla antes de Navidad’ [The Nightmare Before Christmas; El extraño mundo de Jack] como la voz del alcalde de Halloweentown y para ‘El planeta de los simios’ [Planet of the Apes] (2001), como el senador Nado.

William Glenn Shadix nació el 15 de abril de 1952 en Bessemer, Alabama, un suburbio de Birmingham. De joven actuaba en producciones teatrales locales. Se mudó a Los Ángeles en los años setenta y trabajó en cine, televisión y teatro, cosechando en 1986 los elogios de la crítica por su papel como Gertrude Stein en ‘Dr. Faustus Lights the Lights’ en el Ensemble Studio Theatre.
14 de septiembre de 2010
9 de septiembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

murió claude chabrol

---

Murió ayer, a los 80 años, el cineasta francés Claude Cchabrol, un anatomista de las pasiones humanas. El director de ‘El bello Sergio’ y ‘La ceremonia’, entre otras grandes películas, reflejó en su cine las perversas relaciones de clase y de poder, y supo poner al desnudo la mediocridad pequeñoburguesa. Fue, asimismo, hasta el último de sus días, un refinado sibarita.

---

[Luciano Monteagudo] Se lo veía tan bien, tan a gusto en los festivales, disfrutando no sólo de presentar cada una de sus películas sino también –reconocido sibarita– aprovechando las bondades de cada ciudad para probar sus vinos y manjares, que parece aún más sorpresiva la muerte de Claude Chabrol, ocurrida ayer, a los 80 años, en su casa de París. Director emblemático del cine francés y uno de los padres fundadores de la Nouvelle Vague, Chabrol fue autor de una obra inmensa, tanto por la cantidad (más de sesenta largometrajes llevan su firma) como por el sello personal que le infundió a cada una de sus películas, al punto de que vista ahora, en su conjunto, su filmografía parece conformar una unidad indisoluble, apenas dividida en sucesivos capítulos, como si se tratara de una gran novela, cruel y desencantada, sobre la comedia humana.
Desde su primer largometraje, ‘El bello Sergio’ (1958), que abrió las puertas de la Nueva Ola, hasta el último, ‘Bellamy’ (2009), protagonizado por Gérard Depardieu, que pasó injustamente inadvertido por la cartelera porteña, Chabrol siempre abrevó en las fuentes más consecuentes de su cine: las perversas relaciones de clase y de poder; las ridículas formas rituales de la pequeña burguesía, particularmente de provincia; la ambición como siniestro motor social; y la mediocridad humana como horizonte insondable. Que toda esa declarada misantropía se expresara muchas veces con humor –sobre todo en la última etapa de su obra– no le restaba causticidad a su cine. Por el contrario, le sumaba filo, impertinencia, libertad a una obra que no dejaba títere con cabeza. Políticos, magistrados, pequeños comerciantes, trabajadores e incluso analfabetos: nadie quedaba a salvo de su impiadoso bisturí, con el que diseccionaba el cuerpo social.
En esa tarea encontró en Isabelle Huppert un alma gemela, un espíritu afín. Con ella hizo siete de sus mejores películas, desde ‘Niña de día, mujer de noche’ (1978), donde una joven pecosa y frágil pero de mirada siniestra se convertía en la parricida Violette Nozière, hasta ‘La comedia del poder’ (2006), en la que encarnaba a la jueza de instrucción Charmant-Killman, o sea –siguiendo una traducción literal– una encantadora matadora de hombres. Entre esos dos títulos, Huppert también fue para Chabrol la abortista de ‘Un asunto de mujeres’ (1988), que ayuda a sus vecinas a liberarse del estigma de un hijo engendrado por el enemigo durante el infame gobierno de Vichy; la desafiante heroína de Flaubert en ‘Madame Bovary’ (1991); la resentida y violenta femme du ménage de ‘La ceremonia’ (1995), sin duda uno de los mejores films del dúo; la fría estafadora de ‘No va más’ (1997), en pareja con Michel Serrault (otro actor favorito de Chabrol); y el centro más amargo de ‘Gracias por el chocolate’ (2000).
"La admiro tanto...", le reconoció a este cronista durante una entrevista para Página/12 en el Festival de Berlín de 2006. "Lo increíble de Isabelle es que puede interpretar cualquier personaje, con todas sus emociones y sus rasgos físicos. Después de todos estos años, no deja de sorprenderme. No sé, creo que si algún día escribiera un guión para una actriz obesa, lo cual parece imposible para ella, se me aparecería un día tan gorda como la que más y no me quedaría más remedio que darle el papel. Lo notable del caso es que nunca deja de ser ella misma. Tiene esta notable cualidad: puede convertirse en el personaje de la película sin perder su propia personalidad. Isabelle se las ingenia para aportar siempre su propia marca, y eso es lo que le da volumen, dimensión, realidad a su composición. Nos llevamos muy bien y no necesitamos hablarnos mucho, nos basta con darnos mutuamente pequeñas sorpresas en el rodaje. Lo notable de Isabelle es que, al menos yo, no tengo la necesidad de escribir un guión a su medida, como el traje que le corta a uno el sastre. Por el contrario, puedo pensar en un proyecto con gran libertad, tratando de escribir el mejor guión posible, sabiendo que luego, una vez terminado, si a ella y a mí nos parece bien, ella lo va a poder habitar, lo va poder hacer suyo. Ella siempre va a estar muy bien, salvo que el guión sea demasiado estúpido. E incluso si se trata de un guión estúpido, ella siempre va a encontrar la manera de hacer interesante su personaje."
Nacido el 24 de junio de 1930 en el seno de una familia de clase media, Chabrol pasó los años de la Ocupación en el pueblo de Sardent, en la Francia central, una región a la que volvería para rodar su primer largo, ‘El bello Sergio’, donde no la evocó precisamente con buenos ojos. Empujado por sus padres para estudiar Medicina en París, rechazó el mandato familiar y se dedicó a frecuentar los cineclubes del Barrio Latino y la Cinemateca Francesa, donde conoció y se hizo amigo de otros jóvenes que compartían la misma pasión por el cine clásico de Hollywood: Jean-Luc Godard, François Truffaut y Eric Rohmer. Junto a ellos, integraría –bajo la tutela del maestro André Bazin– la legendaria redacción de los Cahiers du Cinéma, que a mediados de los años ’50 desarrolló la teoría del cine de autor y revolucionó la manera de pensar el cine, al punto que aún hoy se percibe su influencia. A su vez, junto con Rohmer, Chabrol escribió en 1957 el primer estudio serio sobre la obra de Alfred Hitchcock, una exhaustiva exégesis formal y temática que fue la piedra basal sobre la cual se construyó luego todo análisis posterior sobre el director inglés.
Simultáneamente, todos empezaron a pasar de la teoría a la praxis. Gracias a una herencia que cobró su mujer, Chabrol pudo producir ‘Le beau Serge’, premiada en el Festival de Locarno 1958 y con la que probó que en Francia se podía hacer cine al margen del sistema de los estudios. Al año siguiente, con Los primos, se llevó el Oso de Oro de la Berlinale 1959 y aunque esa película hoy luce irremediablemente fechada, sentó sin embargo las bases de su cine posterior. Un cine en el que –según la teoría del crítico británico Ronald Bergan– se suelen enfrentar dos personajes de personalidades opuestas, uno de carácter peligroso y dionisíaco y otro representante del orden y el statu quo. Con el paso del tiempo Chabrol fue privilegiando el lado más oscuro de esta dualidad, como lo prueban los psicópatas y asesinos seriales que pueblan una parte importante de su obra y que en apariencia no se distinguen demasiado de cualquier otro ciudadano común: el amable protagonista de ‘El carnicero’ (1970), el simpático sombrerero de ‘Les Fantômes du Chapelier’ (1982), el famoso asesino de mujeres ‘Landru’ (1962) o el motociclista que trae el amor y la muerte en ‘Estas buenas mujeres’ (1960).
La novela policial siempre fue una fuente de inspiración para Chabrol y aunque lo adaptó en apenas dos oportunidades –en ‘Los fantasmas del sombrerero’ y en ‘Betty’ (1992)–, la sombra inmensa de Georges Simenon planea sobre gran parte de su cine. Tanto que el que ahora se convirtió en su largometraje final, ‘Bellamy’, está dedicado a sus dos queridos Georges: el cantante y compositor Brassens y el gran Simenon. Se diría que Chabrol aprendió de Simenon a trabajar a partir de un fait divers, de un vulgar caso policial, que solía tomar de las páginas olvidadas de la prensa amarilla, como fue, por ejemplo, el caso de Violette Nozière. Y como solía hacer Simenon, allí hundía su escalpelo en la que para Chabrol era la única clase social que quedó en Europa, la burguesía, con sus pequeñas miserias cotidianas, su mezquindad, su arribismo, su afán de éxito, de ascenso social y figuración. Que todo esto lo analizara con un humor ácido, vitriólico, con el que iba arrancando –ligeramente, como al pasar– gajos enteros de sus criaturas es el sello que hizo de Chabrol un impiadoso anatomista de las pasiones humanas.
13 de septiembre de 2010
©página 12

murió clive donner

---

Formó parte de la nueva ola de directores británicos de los años sesenta. Antiguo montador, empezó a dirigir en los años cincuenta.

---

[Dennis McLellan] Murió Clive Donner, director que formó parte de la nueva ola de cine británico de los años sesenta, que hizo ‘¿Qué hay de nuevo, Pussycat?’ [What’s New Pussycat?; ¿Qué tal, Pussycat?]  y ‘Fango en la cumbre’ [Nothing But the Best], en los años sesenta. Tenía 84 años.
Donner, que tenía el mal de Alzheimer, murió el martes en Londres, de acuerdo a un informe en la prensa inglesa.
Antiguo montador que empezó a dirigir a fines de los años cincuenta, Donner se hizo famoso con ‘The Caretaker’ (rebautizada más tarde como ‘The Guest’), un drama de 1963 en una adaptación de Harold Pinter de su propia pieza sobre las interacciones entre dos hermanos y una vampiresa que lleva a casa uno de ellos.
La película, de bajo presupuesto y en blanco y negro, con Alan Bates, Donald Pleasence y Robert Shaw, ganó el premio del jurado del Festival de Cine de Berlín.
Donner hizo después ‘Fango en la cumbre’, una comedia de 1964 con Bates y Denholm Elliott, y ‘¿Qué hay de nuevo, Pussycat?’, una exitosa farsa erótica de 1965, escrita por Woody Allen, que también apareció en la película, y cuyo reparto de actores incluía a Peter Sellers y Peter O’Toole.
"Clive Donner fue una de las principales figuras del cine británico de los años sesenta", dijo Kevin Thomas, crítico de cine de The Times y antiguo redactor. "Había un cierto tipo de fermentación artística en la historia del cine británico en los años sesenta, y él fue una parte importante de eso".
‘Fango en la cumbre’, dijo Thomas, "es claramente su mejor película. Era una ingeniosa y aguda sátira de las mores sociales británicas. Estaba armado con un fabuloso guión de Frederic Raphael, y lo convirtió en una verdadera gema".
Donner, dijo Thomas, "era un director muy de los sesenta, en términos de éxito".
‘Luv’, una adaptación de 1967 de la comedia de Murray Schisgal en Broadway, con Jack Lemmon, Peter Falk y Elaine May, fue una desilusión en la taquilla.
Donner terminó la década con ‘Here We Go Round the Mulberry Bush’, una película de 1968, sobre la adolescencia, y ‘Alfredo el Grande’ [Alfred the Great], un drama histórico de 1969, con David Hemmings y Michael York.
Entre las últimas películas de Donner se encuentran ‘Old Drac’ (1974, titulada originalmente ‘Vampira’), ‘La bomba que desnuda’ [The Nude Bomb] (1980) y ‘Charlie Chan y la maldición de la Reina Dragón’ [Charlie Chan and the Curse of the Dragon Queen] (1981).
Pasó gran parte de los años setenta hasta principios de los noventa trabajando en televisión, dirigiendo a Peter O’Toole en el drama de 1976, ‘Rogue Male’, y a George C. Scott en dos adaptaciones de Dickens: ‘Oliver Twist’ (1982) y ‘Cuento de Navidad’ [A Christmas Carol] (1984).
Nigel Lythgoe, presidente de la Academia Británica de Artes Cinematográficas y de la Televisión, Los Ángeles -y productor ejecutivo de ‘American Idol’-, elogió la obra de Donner como director de la serie de televisión británica ‘Danger Man’ de principios de los años sesenta, con Patrick McGoohan en el papel estelar.
"Y dos de mis películas favoritas de los sesenta eran ‘Here We Go Round the Mulberry Bush’ y ’Qué hay de nuevo, Pussycat?’", dijo Lythgoe. "Era un director de cine icónico y uno de los grandes directores británicos, al que echaremos mucho en falta".

Donner, que no era familiar del director Richard Donner, nació en Londres el 21 de enero de 1926.
A los dieciséis acompañó a su padre, un violinista, a una sesión de grabación de la película de 1943, ‘Vida y muerte del coronel Blimp’ [The Life and Death of Colonel Blimp] en los Estudios Denham, donde el director Michael Powell consiguió un trabajo para el joven Donner en el departamento de montaje.
Donner, que sirvió en la Armada Real en los años cuarenta, empezó a montar películas de principios de los cincuenta, como ‘Madeleine’, ‘Cuento de Navidad’, ‘Genevieve’ y ‘Soy una cámara’ [I Am a Camera]. Hizo su debut como director con el drama policial de 1957, ‘The Secret Place’, cuyo reparto incluía a David McCallum.
La esposa de Donner, la figurinista Jocelyn Rickards, murió en 2005.
13 de septiembre de 2010
10 de septiembre de 2010
©los angeles times
cc traducción mQh

murió bruno s.

---

Músico callejero convertido en actor principal en los Clásicos de Herzog.

---

[Douglas Martin] Escribía canciones y las cantaba en las calles de Berlín. Una de ellas giraba sobre un niño pobre que creció deseando tener un caballito. El caballo llega años después, tirando del carro fúnebre de su madre.
El hombre que la cantaba, con voz ronca, acompañándose a sí mismo con acordeón y xilófono, era conocido como Bruno S. Era un músico callejero, pintor, operador de montacargas en una fábrica de acero y, una vez, paciente mental. Pero, quizás más notablemente, fue el actor principal de una película que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1975.
Su nombre completo, que rara vez usó, era Bruno Schleinstein. Murió el miércoles a los 78 años en Berlín, de acuerdo a la Agencia Alemana de Prensa, que citaba a su amigo, el artista Klaus Theuerkauf.
Werner Herzog, uno de los innovadores del cine alemán de posguerra, llamó dos veces a Bruno para actuar representándose en realidad en gran parte a sí mismo: un personaje deteriorado, pero de algún modo trascendente.
La primera de esas películas, la que ganó en Cannes, fue ‘El enigma de Gaspar Hauser’ [The Enigma of Kaspar Hauser] (1974), basada en una historia verídica. En la película el personaje representado por Bruno aparece en una plaza en Nuremburg en el siglo diecinueve. No puede hablar y apenas se tiene en pie, porque aparentemente había sido encerrado en un calabozo. La única clave para su identidad es un papel donde se indica su nombre, Gaspar, y se pide que se le haga soldado.
Gaspar aprende a hablar y a leer y escribir y luego, de modo tan misterioso como su apariencia, es asesinado.
La actuación de Bruno llevó a Richard Eder, del New York Times, a escribir: "El extraordinario rostro de Gaspar, sus ojos estirados para ver mejor, toda su postura sugiriendo un hombre que trata de tragar, de entender un mundo extraño, es la imagen central de la película".
Mientras aprende a hablar, Gaspar siente repelencia por gran parte de la sociedad. "Los hombres son como lobos para mí", dice. No tiene ego: "Nada vive menos en mí que mi propia vida".
"La historia de Gaspar es todavía más fascinante que la de Jesúcristo", dice Anaïs Nin en un anuncio de la película.

Bruno Schleinstein nació en Berlín el 2 de junio de 1932. Algunas versiones dicen que su madre, una prostituta, le golpeó tan brutalmente que a los tres le dejó temporalmente sordo. Luego lo internaron en un hospital psiquíatrico, donde fue sometido a experimentos nazis sobre niños con discapacidad mental.
Nadie lo visitaba, ni siquiera los parientes que conocía. Pasó veintitrés años de su vida en instituciones, incluyendo cárceles y refugios para indigentes. Cuando empezó a vivir solo, se metía a coches para pasar la noche abrigado.
De adulto tuvo varios trabajos, incluyendo el de operador de montacargas, y empezó a cantar en terrazas en Berlín en la tradición oral que inspiró ‘La ópera de tres peniques’ [Threepenny Opera].
Bruno decía que él no cantaba canciones, sino que las transmitía. Una canción, ‘Thoughts Are Free’, giraba sobre la imposibilidad de encontrar refugio, incluso en los propios pensamientos.
Herzog vio a Bruno por primera en un documental sobre músicos callejeros de 1970.
"Supe de inmediato que podía ser el personaje principal en ‘Gaspar Hauser’, dijo Herzog en una entrevista con NPR en 2006. Bruno no quería que su nombre se diese a conocer, así que Herzog empezó a llamarlo "el soldado desconocido del cine". Durante el rodaje, dijo Herzog, Bruno sufrió momentos de "extrema desesperación", y empezó a hablar, a gritar a veces en medio de una toma y seguir gritando durante dos horas.
La segunda película, ‘Stroszek’ (1977), se basó en su vida; Herzog escribió el guión expresamente para él. Algunas escenas fueron rodadas en el propio departamento de Bruno. En la película, Bruno, una prostituta a la que conoce y su vieja casera se mudan a los míticos Railroad Flats, Wisconsin, donde viven en una caravana.
En la película, Bruno, que se refiere a sí mismo en tercera persona, hace agudos comentarios sobre Estados Unidos. "A Bruno todavía lo empujan", dice, "no físicamente, sino espiritualmente; aquí te hieren incluso con una sonrisa".
Bruno dijo en entrevistas que nunca quiso ser una estrella de cine; y con el tiempo se desvanecieron los beneficios de la fama, aparte los ocasiones cortes de pelo gratuitos de parte de un peluquero amistoso.
"Todos lo empujaban a un lado", dijo Bruno sobre sí mismo.
Continuó ganándose la vida con su música y sus pinturas, algunas de las cuales fueron suficientemente convincentes como para ser expuestas en exposiciones del llamado outsider art, incluyendo una en Nueva York. Cuando tocaba en la calle, nunca pedía dinero. A veces un amigo pasaba el sombrero por él. Vivía de una pequeña pensión. Aparentemente no deja sobrevivientes.
En 2002, el director alemán Miron Zownir hizo un documental titulado ‘Bruno S. — Estrangement Is Death’. En este, Bruno responde a los muchos que temían que hubiese sido explotado por Herzog.
"Tengo mi orgullo y puedo pensar", dijo, "y mi mente es clara".
7 de septiembre de 2010
14 de agosto de 2010
©new york times
cc traducción mQh

murió satoshi kon

---

Murió el 25 de agosto en Tokio, a los 46 años, Satoshi Kon, un importante director de cine de animación japonés. ’Los padrinos de Tokio’, de 1963, fue nominada a un Oscar. Se basaba libremente en ’Tres hijos del diablo’, de John Ford.

---

Falleció a consecuencia de un cáncer al páncreas el aclamado director de cine de animación japonés, Satoshi Kon, conocido por ‘Los padrinos de Tokio’ [Tokyo Godfathers], ‘La actriz del milenio’ [Millennium Actress] y otras películas. Tenía 46 años.
Considerado uno de los directores de películas animadas más interesantes de Japón, Kon nació en 1963 en la isla de Hokkaido y debutó como dibujante de cómics a los 23, cuando todavía estudiaba arte en la Universidad Artística Musashino, cerca de Tokio. Empezó a hacer películas animadas hacia 1990, estableciendo un estilo que borraba los límites entre realidad y fantasía.
Kon murió el martes, informó su esposa Kyoko en una declaración subida a su página web oficial, Kon’s Tone.
En su película ‘Los padrinos de Tokio’, de 1963, que fue nominada a un Oscar, basada libremente en la película de John Ford ‘Tres hijos del diablo’ [3 Godfathers; Tres padrinos ], de 1948, Kon retrató a tres personas en situación de calle en lugar de tres vaqueros, rompiendo con la imagen limpia y lujosa de la capital japonesa. Los personajes de Kon -una reinona, una chica escapada de la secundaria y un ex profesional de la bicicleta- recogen a un bebé abandonado en un vertedero el día de Navidad y se proponen buscar a sus padres.
La película ‘Paprika’, de 2006, basada en una novela del popular escritor Yasutaka Tsutsui, utiliza las técnicas de animación más revolucionarias y ganó un premio en el festival de cine de animación de Bruselas en 2007. Kon estaba trabajando en su primera película para niños, ‘The Dreaming Machine’, cuando lo sorprendió la muerte.
En una declaración de despedida publicada el miércoles, Kon dice que su doctor le dijo en mayo que tenía un cáncer terminal al páncreas que se había extendido a los huesos, y que tenía como máximo seis meses de vida. Dos meses después, su salud empeoró y su doctor dijo que sus días estaban contados. Así que decidió volver a casa a morir, escribió.
"Lo que más lamento es ‘The Dreaming Machine’", escribió. "Me preocupa la película y el personal".
La película está basada en una historia y personajes originales y una exclusiva visión del mundo que nadie "excepto Satoshi Kon podía ni entender ni crear", dijo.
Agradeció a sus padres, su esposa y sus admiradores por su apoyo.
"Gracias a todos", escribió. "Ahora tengo que marcharme".
27 de agosto de 2010
©legacy
cc traducción mQh

murió priscillano romanillos

---

Dibujante del canalla ‘Mulan’ y otros personajes de Disney y DreamWorks.Trabajó en varios proyectos animados, como ’La sirenita’, ’Sinbad: la leyenda de los siete mares’ y ’Pocahontas’, entre otros.

---

[Charles Solomon] Falleció Priscillano ‘Pres’ Romanillos, dibujante de animación que dio vida al atlético nativo americano Little Creek en ‘Spirit: el corcel indomable’ [Spirit: Stallion of the Cimarron], de DreamWorks, y al demonio Shan-Yu en ‘Mulán’ [Mulan], de Disney. Tenía 47 años.
Romanillos murió en su casa en Tujunga, rodeado por sus familiares, amigos y mascotas. La causa de su muerte fueron complicaciones de su leucemia.
Durante su carrera de veintiún años, Romanillos se ganó el respeto de sus colegas artistas por su extraordinario talento para dibujar y su entusiasmo por el arte de la animación.
"Conocí a Pres durante la producción de ‘La sirenita’ [The Little Mermaid], cuando estaba haciendo la práctica como dibujante de animación, recién salido de la academia de arte", dijo el dibujante de Disney, Ruben Aquino. "Desde el principio, me impresionó la belleza de su arte, pero incluso más su increíble pasión por los dibujos animados".

Nacido en  Zamboanga en Filipinas el 11 de enero de 1963, Romanillos llegó a Estados Unidos en 1971, con su familia, y se crió en Queens, Nueva York. A los nueve, su hermano mayor, Bob, empezó un curso de dibujo por correspondencia, pero perdió el interés. Romanillos empezó a hacer los deberes, y más tarde estudió en la Escuela de Artes Visuales de Manhattan.
Tras egresar, llegó a los Estudios Walt Disney en 1989 como aprendiz de dibujante en ‘La sirenita’. Trabajó como asistente de animación en ‘Bernardo y Blanca en Cangurolandia’ [The Rescuers Down Under], ‘La bella y la bestia’ [Beauty and the Beast] y ‘Aladino’ [Aladdin], y fue ascendido a dibujante de animación con la película ‘Pocahontas’ (1995), en la que se dedicó al pequeño personaje.
"A Pres le encantaba dibujar", dijo Glen Keane, que fue mentor de Romanillos.
"Cuando llegaba al borde del papel, seguía dibujando; seguía dibujando personajes en la madera de la mesa de escritorio". Ese escritorio está ahora en la Disney Animation Research Library.
"Cuando llegó el momento de hacer ‘Pocahontas’. Pres estaba listo para el ascenso", dijo Eric Goldberg, que dirigió la película con Mike Gabriel. "Su primera escena de prueba fue dibujar los delicados pies de Pocahontas metiéndose en el agua al principio de la canción ‘Just Around the Riverbend’. Quedó tan bello, que Mike y yo nos miramos brevemente y dijimos: "Sí, tú eres el nuevo dibujante".
En el estudio Art Disney de Florida, Romanillos creó su personaje más memorable, Shan-Yu, el brutal comandante del ejército Hun. Richard Corliss escribió en la revista Time: "El malo, un loco del estilo armatoste de la WWF, llamado Shan-Yu, sigue siendo malo, pese a la suavización de sus brutas líneas trapezoidales. No es más que una máquina del mal con dientes de vampiro. El Muro, las extensas llanuras y las montañas, la Ciudad Prohibida misma, todas se encogen de miedo ante su sombra".
Barry Cook, co-director de ‘Mulán’, describió a Romanillos como "una persona tan dulce, que es asombroso que semejante canalla haya salido de su imaginación". Shan-Yu no tenía elementos de comedia. Era un malo confeso que necesitaba sentir que era una amenaza para nuestra heroína. Pres lo lograba de un modo asombroso".
En una entrevista en el estreno de la película en 1998, Romanillos describió al personaje.
"El reto de ponerlo en animación era transmitir su peso y gravedad: él es como la fuerza de una inminente fatalidad", dijo. "Inconscientemente, cuando lo dibujaba me ponía de mal humor. Cuando trabajé en Pocahontas, me iba a casa sintiéndome sexy; con Shan-Yu, mi mujer siempre me preguntaba: "¿Por qué estás tan enfadado?"
Después de ‘Mulán’, Romanillos se pasó a DreamWorks, donde dio vida a varios personajes animados para ‘La ruta hacia El Dorado’ [The Road to El Dorado; Camino hacia El Dorado] (2000), ‘Sinbad: La leyenda de los siete mares’ [Sinbad: Legend of the Seven Seas] (2003), ‘Shrek 2’ (2004) y ‘Madagascar’ (2005). Uno de sus personajes más memorables fue Little Creek, en ‘Spirit’, de 2002, el listo y travieso indio lakota que traba amistad con Spirit.
En 2006, Romanillos empezó a dibujar ‘Life as a Pickle’, un blog sobre los gatos, perros, conejos y otras mascotas que él y su esposa rescataban de refugios animales. El principal personaje era Pickle, un dibujo basado en su regordete y viejo rat terrier. Romanillos utilizó su alter-ego canino para ofrecer una visión ligeramente aturdida de cómo ve un perro el mundo.
Romanillos y su colega dibujante Scott Johnston viajaron a Salamanca, España, en 2007, para ayudar a establecer el estudio de animación Enne. Romanillos dirigió ‘The Old Chair’, una película corta que muestra versiones dibujadas y generadas por ordenador de Pickle y otros personajes del blog.
Durante la producción le diagnosticaron leucemia y volvió a Estados Unidos. Después de un transplante de médula ósea, hizo su último trabajo de animación para ‘La princesa y el sapo’ [The Princess and the Frog; Tiana y el sapo’, de Disney, y para ‘Dhrek para siempre’ [Shrek Forever After], de DreamWorks.
"Pres era uno de nuestros artistas más respetados y queridos", dijo el presidente ejecutivo de DreamWorks Animation, Jeffrey Katzenberg. "Todos nosotros en la comunidad de animación lamentan profundamente la pérdida de Pres... aunque su recuerdo y su legado vivirán para siempre en los personajes a los que dio vida con su arte".
Le sobreviven Jeanine, su esposa durante 14 años.
22 de agosto de 2010
21 de julio de 2010
©los angeles times

murió maury chaykin

---

Actor de carácter.

---

[Bruce Weber] Murió el martes, cuando cumplía 61 años, en Toronto, el ubicuo actor de carácter Maury Chaykin, que se especializaba en papeles cómicos con inquietantes trasfondos y personajes.
La causa de su muerte fueron complicaciones de una infección a la válvula cardiaca, informó su hermano Dan. Chaykin tuvo numerosos problemas médicos en los últimos años, contó su hermano.
Hombre fornido de expresivos rasgos, Chaykin era el tipo de actor cuyo nombre lo conocían unos pocos, pero su cara, muchos. Su carrera en el cine duró 35 años, y apareció en decenas, sino cientos de películas y series de televisión, la mayor parte de las veces en papeles secundarios o actuaciones especiales.
Fue mejor conocido por tres de estos. En el extenso western épico, galardonado con un Oscar, ‘Bailando con lobos’ [Dances With Wolves; Danza con lobos] (1990), Chaykin fue el Mayor Fambrough, el oficial de ejército que, cuando se trastorna, entrevista al personaje de Costner para una misión y lo envía a los rincones más remotos de la frontera; y luego se mata de un tiro.
En ‘Mi primo Vinny’ [My Cousin Vinny] (1922), una comedia con Joe Pesci y Marisa Tomei sobre un abogado primerizo, un italiano-americano de Nueva York que defiende a unos sospechosos de asesinato en el Sur Profundo, Chaykin fue un poco avispado testigo interrogado por el abogado (Pesci).
Y en la serie de HBO, ‘El séquito’ [Entourage], Chaykin apareció varias veces como Harvey Weingard, un intimidante magnate del cine que se supone es una parodia de Harvey Weinstein.
En Canadá, donde vivía, Chaykin tuvo más oportunidades de obtener roles centrales que en Hollywood. Apareció frecuentemente en películas del director canadiense Atom Egoyan, incluyendo ‘El liquidador’ [The Adjuster], ‘Donde yace la verdad’ [Where the Truth Lies] y ‘El dulce porvenir’ [The Sweet Hereafter], en la que destacó como un furioso cornudo.
En ‘Whale Music’, una película de Richard J. Lewis adaptada de la novela de Paul Quarrington sobre un inestable y retraído músico roquero (el personaje evocaba a Brian Wilson, de los Beach Boys), Chaykin tuvo el papel principal y recibió un Genie Award, la versión canadiense del Oscar.
Al momento de su muerte era un invitado habitual de la serie de televisión canadiense, ‘Less Than Kind’, una oscura comedia de situación en la que hace de padre de una familia suburbana disfuncional.

Maury Alan Chaykin se crió en Brooklyn, donde nació el 27 de julio de 1949. Su padre, Irving, un contable que enseñaba en el Baruch College, era estadounidense; su madre, Clarice, enfermera profesional, era de Winnipeg, Canadá, y creció en Montreal.
Chaykin estudió actuación en la Universidad de Nueva York en Buffalo (ahora la Universidad de Buffalo) y trabajó en pequeños teatros en Buffalo y Off Off Broadway en Nueva York. Se marchó a trabajar en un teatro en Toronto en 1974 y finalmente se naturalizó canadiense. (Tenía doble nacionalidad).
Sus dos primeros matrimonios terminaron en divorcio. Además de su hermano, que vive en Hoboken, Nueva Jersey, a Chaykin le sobreviven su madre, de Manhasset, Nueva York; una hermana, Debra Brandwein, de Roslyn, Nueva York; su esposa, la actriz Susannah Hoffmann; y una hija, Rose.
La larga lista de créditos de Chaykin incluye las películas ‘Juegos de guerra’ [WarGames], ‘Padre e hijo’ [Harry & Son], ‘Mrs. Soffel, una historia real’ [Mrs. Soffel], ‘Héroe’ [Hero], ‘Héroes a la fuerza’ [Unstrung Heroes], ‘Un ratoncito duro de roer’ [Mousehunt], ‘Conociendo a Julia’ [Being Julia] y ‘Mystery, Alaska’, y las series de televisión, ‘Boston Legal’, ‘CSI’ y la serie canadiense ‘La femme Nikita’.
También fue Nero Wolfe, el detective creado por Rex Stout, en ‘A Nero Wolfe Mystery’, una serie que se mantuvo durante dos temporadas en 2000 y 2001 en televisión por cable. (Timothy Hutton fue su colega Archie Goodwin). Fue un extraño papel principal para Chaykin, el que, en una entrevista con el New York Times en 2000, explicó la excitación que le causaba.
"Hay una valla publicitaria gigante en el Sunset Boulevard, con una foto de mi cara", dijo, refiriéndose a un anuncio de ‘Las arañas de oro’ [The Golden Spiders], la película de televisión por cable que engendraría la serie ‘Nero Wolfe’‘. Pasaba en coche por ahí constantemente, una y otra vez.
22 de agosto de 2010
29 de julio de 2010
©new york times>
cc traducción mQh