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murió dom deluise


Actor. Un hombre que era "naturalmente divertido". El artista de Brooklyn era un invitado habitual de espectáculos de variedades en los años sesenta y fue un actor cómico secundario en películas para actores como Mel Brooks y Burt Reynolds.
[Dennis McLellan] Murió Dom DeLuise, el alegre actor cómico de cara redonda que fue un frecuente actor cómico de apoyo en espectáculos de variedades en los años cincuenta y sesenta y en películas con Mel Brooks y Burt Reynolds.
DeLuise murió el lunes tarde en el Centro Médico St. John’s en Santa Monica, dijo el agente de DeLuise, Robert Malcolm. La esposa de DeLuise y tres hijos estaban con él cuando murió. La familia no informó sobre la causa de su muerte.
"Era un hombre naturalmente divertido", dijo el martes al Times el crítico de cine Leonard Maltin. "No necesitaba un guión para ser divertido, pero gente inteligente como Mel Brooks sabían cómo ponerlo en el escenario y mostrarlo".
Brooks dijo al Times que su buen amigo "creaba tanta alegría y risas en el plató que era difícil concentrarte en tu trabajo. Así que cada vez que hacía una película con Dom, planificaba dos días más simplemente para reírnos.
"Es un día triste. Es difícil pensar sin él esta vida y este mundo".
Reynolds, en una declaración de ayer dada a conocer por su representante, dijo: "Cuando llegas a viejo y empiezas a perder a la gente que quieres, piensas más sobre ello, porque tenía miedo de que llegara este momento. Dom siempre te hacía sentir mejor cuando estabas a su lado y no habrá nunca nadie como él".
El artista nacido en Brooklyn, que empezó en el teatro y en programas de televisión para niños en los años cincuenta, emergió en los programas de variedades en la televisión en los años sesenta.
En esa misma década empezó su carrera en el cine, con papeles en comedias como ‘Una sirena sospechosa’ [The Glass Bottom Boat] y ‘Qué hermosa es la vida’ [What’s So Bad About Feeling Good?].
Pero era mejor conocido por su trabajo en películas con Brooks y Reynolds.
Empezando con su papel como un angurriento cura de familia en ‘El misterio de las doce sillas’ [The Twelve Chairs], de Brooks, en 1970, DeLuise apareció luego en ‘Sillas de montar calientes’ [Blazing Saddles], ‘La última locura’ [Silent Movie], ‘La loca historia del mundo: Primera parte’ [History of the World: Part I] y ‘Las locas, locas, locas aventuras de Robin Hood’, de Brooks. También fue la voz de Pizza the Hutt en la parodia de Brooks de ‘La guerra de las galaxias’ [Star Wars’, ‘La loca historia de las galaxias’.
Con Reynolds, DeLuise apareció en ‘Vuelven los caraduras’ [Smokey and the Bandit II], ‘Los locos de Cannonball’ [The Cannonball Run], ‘Los locos de Cannonball II’ [Cannonball Run II], ‘La casa más divertida de Texas’ [The Best Little Whorehouse in Texas] y ‘De miedo también se muere’ [The End]. En esta última, DeLuise era un frenético esquizofrénico.
El actor visual y verbalmente divertido también apareció en ‘El hermano más listo de Sherlock Holmes’, ‘El mejor amante del mundo’ [The World’s Greatest Lover] y ‘Terrorífica luna de miel’ [Haunted Honeymoon], de Gene Wilder, así como en ‘El detective barato’ [The Cheap Detective] y ‘Sexteto’ [Sextette], con Mae West, de Neil Simon.
DeLuise también dirigió y actuó en la comedia de 1979, ‘Una papa caliente’ [Hot Stuff] y actuó en ‘Fatso’, un drama cómico de 1980 escrito y dirigido por la esposa de Brooks, la actriz Anne Bancroft.
"Era una de esas personas con la capacidad de hacer reír a la gente", dijo al Times el martes su amigo Carl Reiner. "Siempre digo que entre él y Mel Brooks, era siempre una carrera para ver quién te hacía reír más pronto y con más ganas".
Hasta los años setenta, DeLuise era conocido fundamentalmente como una personalidad de televisión.
Mientras trabajaba en musical de Broadway ‘Here’s Love’, de Meredith Willson en 1963-1964, DeLuise montó un número de comedia como el mago inepto Dominick the Great, en el popular programa de variedades de Garry Moore.
Esa actuación le allanó el camino para convertirse en un invitado habitual de ‘The Entertainers’, un efímero programa de variedades con Carol Burnett, Caterina Valente y Bob Newhart que fue emitido por CBS entre 1964 y 1965.
En 1966, DeLuise fue un invitado habitual de ‘The Dean Martin Summer Show’, un programa de variedades en el verano con los cómicos Dan Rowan y Dick Martin.
Dos años después, fue anfitrión de ‘The Dom DeLuise Show’, su propia serie de variedades en el verano en el CBS. Su esposa, Carol Arthur, una actriz de Broadway con la que se casó en 1965, era una de las invitadas.
"Nunca conocí a nadie como él’, dijo al Times en 1999. "Era un personaje épico, y tan divertido. Yo pensaba: ‘Así es como se debe vivir’".
A principio de los años setenta, DeLuis era un invitado regular de ‘The Dean Martin Show’, cantando ocasionalmente en números con Martin y sus invitados y haciendo de todo, como barbero y bufón del rey hasta inspector de policía con impermeable en sketches con Martin.
DeLuise contó al Times en 2005, que el productor y director del programa, Greg Garrison, le dio una gran confianza como cómico.
"Greg fue el hombre que dijo: ‘Házlo, confío en ti’", recordó. "Dean me permitía hacer un montón de improvisaciones".
DeLuise, que también apareció en algunos de los especiales de ‘Celebrity Roast’, de Martin, no tuvo mucho éxito como la estrella de su propia serie de televisión.
‘Lotsa Luck’, una comedia de equivocaciones en la que era un guardián soltero del departamento de objetos extraviados de una compañía de autobuses en Nueva York, fue emitida por NBC de 1973 a 1974.
También fue protagonista en la comedia sindicada de 1987-1988, ‘The Dom DeLuise Show’, en la que es un barbero en Hollywood y padre viudo de una niña de diez años
Y en 1991 fue anfitrión del efímero retorno sindicado del programa de comedia-realidad, ‘Candid Camera’. DeLuise trabajaría luego en Broadway en varias ocasiones, algunas veces reemplazando a James Coco como Barney Cashman en ‘Last of the Red Hot Lovers’, la comedia de Neil Simon que estuvo en cartelera de 1969 a 1971.
Como actor, fue la voz de Tiger en la película animada ‘Fievel y el nuevo mundo’ [An American Tail], y sus secuelas y series de televisión. También hizo las voces de, entre otras películas animadas, ‘El ratoncito valiente’ [The Secret of NIMH], ‘Todos los perros van al cielo’ [All Dogs Go to Heaven] y ‘Oliver y su pandilla’ [Oliver & Company].
Ocasionalmente trabajó con compañías de ópera, incluyendo una aparición en ‘Orpheus in the Underworld’, de la Compañía de Ópera de Los Angeles y como Frosh el Carcelero en una producción de la Ópera Metropolitana de Nueva York, ‘Die Fledermaus’.
Era feliz divirtiendo a la gente, dijo DeLuise al Times en 1992.
"Me gusta todo el proceso", dijo. "No he trabajado nunca y quería hacer otra cosa".

Hijo de inmigrantes italianos -su padre trabajaba como recolector de basura para el ayuntamiento, su madre era ama de casa a tiempo completo-, nació como Dominick DeLuise, en Brooklyn, Nueva York el 1 de agosto de 1933.
El menor de tres hijos, DeLuise adquirió interés en actuar después de representar a Scrooge en una producción en la secundaria, de ‘A Christmas Carol’ y terminó egresando de la Escuela Superior de Artes Interpretativas [High School of Performing Arts] de Nueva York.
"Me convertí en cómico cuando se rieron de mis actuaciones serias", dijo en una entrevista con el Times de 1997.
Pasó algunos veranos en la Cleveland Playhouse, donde apareció en producciones tan variadas como ‘Guys and Dolls’ y ‘Hamlet’. En 1958, trabajé durante una temporada como el cuarto y último Tinker the Toymaker, el anfitrión instructor de ‘Tinker’s Workshop’ en Channel 7, en Ciudad de Nueva York.
A principios de los años sesenta fue un invitado semi regular de ‘The Shari Lewis Show’, un programa infantil de sábado en la mañana en el NBC en el que era el torpe detective privado Kenny Ketcham.
Aunque sus padres lo apoyaron durante su carrera, DeLuise dijo al Times en 1999: "En lo del teatro estaba solo. Mi padre era un paleto, un obrero, que se asombraba de que me pagaran por lo que hacía. Me decía: ‘Si puedes hacer dinero con la boca, ¡qué Dios te bendiga!’"
DeLuise, cuya circunferencia creció con los años, llegando a pesar 146 kilos en 1999-, era obviamente un hombre al que le gustaba comer. También le encantaba cocinar. A fines de los ochenta, escribió un libro con sus recetas italianas favoritas, ‘Eat This: It’ll Make You Feel Better’, que fue seguido por ‘Eat This Too!’
"Cuando era niño", escribió en el primer libro, "si tenía fiebre, o un resfrío, o si había peleado, si me había caído, me había cortado, estaba deprimido, sufría una desilusión, me caía de un camión, despertaba con dolor de cabeza... sin importar la situación, la solución de mi madre era siempre: ‘Come esto, te hará sentir bien’ [Eat This: It’ll Make You Feel Better].
DeLuise, que tuvo una segunda carrera como chef de famosos, también escribió libros para niños, incluyendo ‘Charlie the Caterpillar’ y ‘The Pouch Potato’.
Además de su esposa, le sobreviven sus tres hijos (Peter, Michael y David), su hermana Anne y tres nietos.

12 de mayo de 2009
6 de mayo de 2009
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murió jorge preloran


Pionero del cine etnobiográfico.
El 28 de marzo murió en Los Angeles, después de una larga batalla de diez años contra un cáncer de próstata, Jorge Preloran, pionero en el campo del cine documental etnográfico y profesor emérito en la Universidad de California.
Nacido en Buenos Aires, Preloran empezó a hacer películas sobre ritos y celebraciones en comunidades rurales argentina después de terminar sus estudios en la Universidad de California en 1961.
Icono cinemático de su natal Argentina y ex alumno de UCLA, Preloran enseñó en la Escuela de Teatro, Cine y Televisión de UCLA desde 1976 hasta su jubilación en 1994. Celebrado por desarrollar un género cinematográfico conocido como etnobiografía, recibió en 2008 el primer premio International Cinema Artist de la escuela de cine durante la ceremonia inaugural.
‘Imaginero’, sobre un fabricante de imágenes religiosas de las tierras altas andinas, fue mencionada recientemente como una de las diez mejores películas argentinas de todos los tiempos por una comisión formada por críticos de cine del país.
Preloran también dirigió el largometraje ‘Mi tía Nora’ [My Aunt Nora] (1983), el cortometraje ‘Luther Metke a los 94’ [Luther Metke at 94] (1979) y la serie de televisión de nueve episodios ‘Patagonia, en busca de su remoto pasado’ [Patagonia, In Search of Its Remote Past] (1992). Su ‘Zulay frente al siglo 21’ [Zulay, Facing the 21st Century] (1989), que es tanto una reflexión como un reflejo, fue filmada como un diálogo entre Preloran, su mujer antropóloga, Mabel, y Zulay Savarino, una mujer del Ecuador que viajó a Los Angeles para ayudarlos a editar una película sobre su comunidad.
Preloran recibió un premio de reconocimiento a su trayectoria en el Festival de Cine de Mar del Plata en Argentina. Fue profesor de Guggenheim en 1971 y 1975 y becario de Fulbright en 1987 y 1994, y fue invitado a la Casa Blanca por el presidente Reagan en los años ochenta.
Los Archivos Nacionales Antropológicos y los Human Studies Film Archives, albergados ambos por la Smithsonian Institution, decidieron este año archivar todas las películas de Preloran debido a su importancia para el campo de la antropología. Un documental de noventa minutos sobre Preloran, ‘Huellas y memoria’ [Footsteps and Memory], será estrenado en 2009.
Preloran pasó sus años de retiro de la UCLA escribiendo una serie biográfica -‘Masters Among Us’- de colegas y artistas, muchos de los cuales eran también personajes de sus películas.

7 de mayo de 2009
9 de abril de 2009
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murió bea arthur


La estrella de ‘The Golden Girls’. Ganó un Tony.
Los Angeles, California, Estados Unidos. Murió Beatrice Arthur, la grave y esbelta actriz cuyos agudos diálogos la convirtieron en una estrella de la televisión en sus populares programas ‘Maude’ y ‘Las chicas de oro’ [The Golden Girls] y ganó un Tony por el musical ‘Mame’. Tenía 86 años.
Arthur murió plácidamente en su casa en Los Angeles, junto a su familia, informó el portavoz de la familia Dan Watt. Tenía cáncer, dijo Watt, negándose a dar más detalles.
Arthur apareció primero en la histórica serie de comedia, ‘Todo en familia’ [All in the Family], como Edith Bunker como la franca y liberal prima, Maude Finley. Fue el contraste perfecto del intolerante obrero Archie Bunker (Carroll O’Connor) y su devastadores intercambios eran tan entretenidos que el productor Norman Lear creó una serie propia para Arthur.
"Era una mujer brillante y aguda", dijo Watt, que fue la asistente personal de Arthur durante seis años. "Bea ocupará siempre un lugar especial en mi corazón".

En una entrevista de 2008 con The Associated Press, Arthur dijo que tuvo la suerte de ser descubierta por la televisión después de una larga carrera, recordando con desconcierto a los ejecutivos de CBS preguntando por la nueva "chica".
"Yo tenía cincuenta años. Había estado en off-Broadway, en Broadway, pero dijeron: ‘¿Quién es esa chica? Vamos a dejar que haga su propia serie", dijo Arthur.
‘Maude’ conquistó a la audiencia inmediatamente en su debut en CBS en septiembre de 1972, y Arthur ganó un Emmy para el rol en 1977.
La comedia fluía de los esfuerzos de Maude para dejar de lado las restricciones tradicionales a las que hacían frente las mujeres, pero la serie tenía a menudo una base seria. Su marido Walter (Bill Macy) cayó en el alcoholismo y ella se hizo un aborto, lo que provocó un torrente de protestas de los telespectadores. Maude se convirtió en la abanderada del creciente movimiento feminista en Estados Unidos.
Los índices de ‘Maude’ en los primeros años se acercaron a los de su matriz, ‘Todo en familia’, pero para 1977 la audiencia empezó a menguar. Se empezó a trabajar en un cambio de formato, pero a principios de 1978 Arthur anunció que dejaba la serie.
"Ha sido absolutamente glorioso; he disfrutado cada minuto de ella", dijo. "Pero han pasado seis años, y creo que es tiempo de hacer otra cosa".
‘Las chicas de oro’ (1985-1992) fue otra innovadora comedia, encontrando un sorprendente éxito en un mercado televisivo cada vez más orientado hacia una audiencia más joven y consumidora.
La serie gira sobre tres jubilados -Arthur, Betty White y Rue McClanahan- y la madre del personaje de Arthur, Estelle Getty, que vivían juntas en un departamento de Miami. En contraste con ‘Corrupción en Miami’ [Miami Vice], la comedia fue bautizada ‘Miami Nice’.
Como Dorothy Zbornak, Arthur tan parecía cáustica y dominante como Maude. No le importaba la similitud de los dos roles. "Mira, mido un metro ochenta, tengo la voz grave y se decir mis diálogos", le dijo a un entrevistador. "¿Qué puedo hacer sobre eso? No puedo quedarme en casa esperando que me llegue algo diferente. Creo que preocuparse por el encasillamiento es una pérdida total de energía".
Las relaciones entre las cuatro mujeres y sus relaciones con los hombres nutrieron a la comedia, y la serie conquistó una enorme audiencia, y diez Emmy, incluyendo dos como la mejor serie de comedia y premios individuales para todas sus estrellas.
En 1992, Arthur anunció que abandonaba ‘Las chicas de oro’. Las otras tres estrellas volvieron en ‘El hotel de oro’ [The Golden Palace], pero sólo duró una temporada.

Arthur nació como Bernice Frankel en Nueva York en 1922. Cuando tenía once años, su familia se mudó a Cambridge, Maryland, cuando su padre empezó con una boutique. A los doce ya había alcanzado su estatura, y soñaba con ser un estrella de cine menuda y rubia, como June Allyson. Había una ventaja en ser alta y de voz profunda: la elegían para roles masculinos en las piezas de teatro en la escuela.
Bernice -odiaba el nombre y adoptó el apodo de su madre, Bea- superó la timidez sobre su tamaño ganándole a sus compañeros de escuela a la hora de contar chistes. Fue elegida la chica más lista de su curso. Después de dos años en una universidad de Virginia, obtuvo su diploma como técnica médica, aunque trabajar en un hospital no le apetecía para nada.
La atraía más la actuación, y se inscribió en un curso de drama en la Nueva Escuela para la Investigación Social de Nueva Yorl [New School of Social Research en New York City]. Para vivir, cantaba en un local nocturno que exigía que hiciera beber a los clientes.
Durante este tiempo tuvo un breve matrimonio que le dio su nombre en las tablas como Beatrice Arthur. Se volvió a casar en 1950, con Gene Saks, el director de Broadway y futuro ganador de un Tony.
Después de unos años en off-Broadway y dramas de televisión, la carrera de Arthur adquirió velocidad con su papel como Lucy Brown en la producción de 1955 de ‘La ópera de tres peniques’ [The Threepenny Opera].
En 2008, cuando Arthur fue admitido en el Paseo de la Fama de la Academia de Televisión, Arthur mencionó el papel como el punto más destacado de su larga carrera.
"Un montón de eso tenía que ver con el hecho de que sentí: ‘Ah, sí, aquí pertenezco hoy", dijo Arthur.
Siguieron más piezas de teatro y musicales, y también cantó en clubes nocturnos y tuvo pequeños papeles en comedias para la televisión.
Entonces, en 1964, Harold Prince la contrató como Yente the Matchmaker en la compañía original de ‘El violinista en el tejado’ [Fiddler on the Roof].
El éxito más importante de Arthur en Broadway ocurrió en 1966 como Vera Charles, la acerba amiga de Angela Lansbury en el musical ‘Mame’, dirigido por Saks. Richard Watts, del New York Post, calificó su actuación como "retrato en ácido de una mujer salvajemente inteligente, cínica y dueña de una lengua de víbora".
Ganó el Tony a la mejor actriz secundaria y repitió el papel en la poco exitosa versión cinematográfica, que fue también dirigida por Saks, con Lucille Ball como Mame. Arthur sería una variación de Vera Charles en ‘Maude’ y ‘Las chicas de oro’.
En 1983, Arthur inició otra serie: ‘Amanda’s’, una versión americanizada de la hilarante ‘Fawlty Towers’. En la serie fue la dueña de un pequeño hotel en la costa con un personal de excéntricos. Sólo duró nueve episodios.
Entre series, Arthur siguió trabajando en películas y teatro. Entre las películas: ‘Esa clase de mujer’ [That Kind of Woman] (1959), ‘Amantes y otros extraños’ [Lovers and Other Strangers’, [1970], ‘La loca historia del mundo’ [The History of the World: Part I] (1981), de Mel Brooks y ‘En la riqueza y en la pobreza’ [For Better or Worse] (1995).
Las piezas de teatro fueron, en otras, ‘La bombita flotante’ [The Floating Light Bulb], de Woody Allen, y ‘The Bermuda Avenue Triangle’, escrita por los protagonistas Renee Taylor y Joseph Bologna. Durante 2001 y 2002 recorrió el país en un espectáculo de canciones e historias, ‘... Y luego, está Bea’.
Arthur y Woody Allen se divorciaron en 1978 después de veintiocho años. Tuvieron dos hijos, Matthew y Daniel. En su larga carrera, Saks ganó varios Tonys por ‘Creo que quiero a mi mujer’ [I Love My Wife], ‘El fin de la pubertad’ [Brighton Beach Memoirs] y ‘Los apuros de un recluta’ [Biloxi Blues]. Una de sus nominaciones a un Tony fue por ‘Mame’.
En 1999, Arthur habló con un periodista sobre las tres influencias en su carrera. "Sid Caesar me enseñó el escándalo; (el gurú del método de la actuación) Lee Strasberg me enseñó lo que llamo realidad; y Lotte Lenya (de ‘La ópera de tres peniques’), a la adoraba, me enseñó economía".
En los últimos años, Arthur apareció en programas como ‘Curb Your Enthusiasm’ y ‘Malcolm in the Middle’. Fue presidente de la Art Attack Foundation, una organización becaria sin fines de lucro.
Le sobreviven sus hijos y dos hijas.

7 de mayo de 2009
25 de abril de 2009
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murió ken annakin


Director británico de ‘La familia Robinson’ y otras. A los 94.
[Dennis McLellan] Murió Ken Annakin, director británico entre cuyas películas se incluye la clásica aventura de familia, ‘La familia Robinson’ [Swiss Family Robinson], la loca comedia ‘Aquellos chalados en sus locos cacharros’ [Those Magnificent Men in Their Flying Machines] y la saga de la Segunda Guerra Mundial, ‘El día más largo’ [The Longest Day]. Tenía 94 años.
Annakin, que sufrió en febrero un ataque al corazón y un derrame con un día de diferencia, murió el miércoles en su casa en Beverly Hills, informó su hija Deborah Annakin Peters.
Su carrera de cinco décadas empezó en Inglaterra a principio de los años cuarenta haciendo documentales de tiempos de guerra. Hizo su debut como director de largometrajes en 1947 y se convirtió en lo que su colega británico, el director Mike Leigh describió como un "verdadero gran maestro del cine comercial".
Annakin dirigió cerca de cincuenta películas, incluyendo ‘Al otro lado del puente’ [Across the Bridge], ‘La Batalla de las Ardenas’ [Battle of the Bulge], ‘Raquel y sus bribones’ [The Biggest Bundle of Them All], ‘Emboscada en Extremo Oriente’ [Paper Tiger], una versión -en 1972- de ‘La selva blanca’ [The Call of the Wild], ‘El quinto mosquetero’ [The Fifth Musketeer] y ‘Pippi Calzaslargas: Pippi en los mares del sur’ [The New Adventures of Pippi Longstocking].
En 1966 Annakin y el guionista Jack Davies compartieron una nominación al Oscar por el guión original de ‘Aquellos chalados en sus locos cacharros’, una comedia que describe una carrera de aviones en Londres en 1910.
Annakin fue uno de los tres directores del épico drama del Día D, ‘El día más largo’, del productor Darryl F. Zanuck. Dirigió los episodios exteriores en Gran Bretaña, así como episodios de escenas interiores en Francia y Estados Unidos.
Annakin era también conocido por su asociación con Walt Disney. Empezando con ‘Los arqueros del rey’ [The Story of Robin Hood and His Merrie Men] en 1952, dirigió ‘La espada y la rosa’ [The Sword and the Rose] (1953), ‘El tercer hombre en la montaña’ [Third Man on the Mountain] (1959) y uno de los más grandes éxitos de los estudios Disney de la época, ‘La familia Robinson’ (1960).
"Era un director maravilloso, que dirigía todo tipo de fantásticas películas", dijo su amigo de toda la vida James McArthur, una de las estrellas de ‘La familia Robinson’, que también fue el protagonista de ‘El tercer hombre en la montaña’ y apareció en ‘La batalla de Ardenas’.
Como director, dijo MacArthur, Annakin "era un general, que es lo que tiene que ser un director, pero era un hombre de gran inteligencia y un alma muy generosa. Sabía lo que quería, y lo iba a conseguir".
Así trabajara con tigres, elefantes y serpientes en la isla de Tobago para ‘La familia Robinson’, en una grieta en las montañas de Suiza para ‘El tercer hombre en la montaña’ o con decenas de tanques en las nevadas sierras de España para ‘La Batalla de las Ardenas’, dijo MacArthur, "Annakin lo conseguía".
"Era un hombre de carácter".
Robert Wagner, una de las estrellas de la comedia policial de Annakin en 1968, ‘Raquel y sus bribones’, dijo que su amigo "adoraba las películas, y le ponía mucho entusiasmo".
"Simplemente le gustaba la aventura", dijo Wagner. "Poseía una tremenda curiosidad y hasta el fin de su vida, todavía participaba en la intriga y el romance de hacer cine".

Annakin nació en Beverley, Yorkshire, en Inglaterra, el 10 de agosto de 1914.
En la introducción a la autobiografía de Annakin de 2001, ‘So You Wanna Be a Director?’, Leigh cuenta que Annakin era un "aprendiz de inspector de impuestos" en la ciudad de Hall durante la Depresión.
"Entonces, como un héroe de una película de Ken Annakin, ganó cien libras en el Derby y se escapó hacia una vida llena de peligros y aventuras en Nueva Zelanda, Australia y finalmente Estados Unidos".
"Vagabundeó, trabajó en faenas pesadas, tuvo una bicicleta, trabajó como vendedor de coches, fue presentador de espectáculos, periodista e incluso buscador de oro.
"Entonces, tras el caos de la guerra, entró en la industria del cine".
Su entrada al cine se produjo después de que se enrolara en la Real Fuerza Aérea como mecánico de vuelo y fuera licenciado cuando quedó herido durante el bombardeo alemán de Liverpool.
Empezó como camarógrafo en películas de adiestramiento para la RAF y de  documentales para el ministerio de Información, el Consejo Británico y el ejército, pero se convirtió pronto en asistente de director y luego en director.
Annakin hizo su debut como director de largometrajes con la exitosa ‘Holiday Camp’, una comedia de 1947 sobre los Huggett -una familia de la clase obrera- que fue seguida por varias secuelas dirigidas por Annakin.
Su ‘Miranda’, una comedia de fantasía de 1948, con Glynis Johns, también fue un éxito. También dirigió varios segmentos de las películas ‘Quartet’ (1948) y ‘Trio’ (1950), basadas en cuentos de W. Somerset Maugham.
Pese a informes de que George Lucas bautizó a su personaje de ‘La guerra de las galaxias’ [Star Wars’], Anakin Skywalker (Darth Vader), por Annakin, Lucas dijo el jueves, a través de su agente, que ese no era el caso.
Annakin, que vivía en el área de Los Angeles desde 1979, recibió en 2002 la Orden del Imperio Británico por sus contribuciones a la industria cinematográfica británica.
La hija de Annakin de un matrimonio previo, la agente de talentos Jane Annakin, murió de cáncer en 1998.
Además de su hija Deborah, le sobreviven su esposa durante cincuenta años, Pauline; y dos biznietos.

4 de mayo de 2009
24 de abril de 2009
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murió millard kaufman


Uno de los creadores de Mr. Magoo en la UPA.
El 14 de marzo murió en Los Angeles el guionista y novelista nominado a un Oscar, Millard Kaufman, por insuficiencia cardíaca. Tenía 92 años.
Con el animador John Hubley, Kaufman creó al miope Mr. Magoo, con voz de Jim Backus, para el corto ‘Ragtime Bear’, de 1949, en UPA Productions. Kaufman se basó para el personaje, en parte, en un tío cascarrabias. También escribió para UPA el corto de ‘Punchy de Leon’.
En 1954 su guión para el drama sobre un campo de entrenamiento en la Segunda Guerra Mundial, ‘Hombres de infantería’ [Take the High Ground], fue nominado al Oscar. Fue nuevamente nominado por la película de vaqueros, ‘Conspiración de silencio’ [Bad Day at Black Rock], con Spencer Tracy.
Durante la era de McCarthy, Kaufman arriesgó su carrera cuando prestó su nombre para firmar el guión de ‘El demonio de las armas’ [Gun Crazy], del guionista Dalton Trumbo, que estaba en lista negra. Inicialmente indeciso sobre si ayudarlo o no, lo consultó con su mujer. "Lo discutimos y pensamos que era terrible que un hombre no pudiera escribir con su propio nombre", dijo Kaufman al Daily Variety en 1992. Ese año pidió oficialmente que el Gremio de Guionistas de Estados Unidos capítulo Oeste retirara su nombre de los créditos y lo reemplazara por el nombre de Trumbo. "Llevo años contando a la gente que yo no escribí esa película, pero supongo que nunca se hará oficial si no aparece en el diario", dijo Kaufman.
Kaufman trabajó en Hollywood durante más de cincuenta años, escribiendo guiones para ‘Cuando hierve la sangre’ [Never So Few], ‘El señor de la guerra’ [The Warlord], ‘El hombre del Klan’ [The Klansman] y la película contra la pena capital, ‘La muerte camina a mi lado’ [Convicts Four] (1962), que también dirigió.
También escribió el docudrama ‘Enola Gay’ para la televisión y para algunas series, como ‘Police Story’ and ‘Starsky and Hutch’.
Se convirtió en novelista a los 66 años cuando McSweeney publicó su libro ‘Bowl of Cherries’. La novela "es mitad ‘El guardián entre el centeno’ [Catcher in the Rye] y ‘Duro de matar’ [Die Hard]", observó el New Yorker.

Nacido en Baltimore, Kaufman estudió en la Universidad Johns Hopkins U. y trabajó luego como reportero de diario. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió con los Marines y recibió una estrella de bronce. Se mudó con su esposa a Hollywood después de la guerra para recuperarse de la malaria y el dengue que había contraído en el Pacífico Sur.
Kaufman también escribió ‘Plots and Characters’, en 1999. Dictó charlas sobre guiones en algunas instituciones, como el Sundance Institute, la Universidad John Hopkins, la UCLA y la USC, y fue el mentor de muchos escritores. Su segunda novela, ‘Misadventure’, será publicada por McSweeney más tarde este año.
Le sobreviven su esposa durante 66 años, Lorraine; dos hijas; un hijo; y siete nietos.

30 de abril de 2009
16 de marzo de 2009
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murió sydney chaplin


Hijo de Chaplin. Protagonizó ‘Bells’. A los 82.
Murió Sydney Chaplin, hijo de Charlie Chaplin y actor galardonado con un Tony que fue protagonista en Broadway, con Judy Holliday, de ‘Bells Are Ringing’, y en ‘Funny Girl’, con Barbra Streisand. Tenía 82 años.
Chaplin murió en su casa en Rancho Mirage, informó Jerry Bodie, un viejo amigo de la familia a la Associated Press. Dijo que Chaplin había sufrido un derrame.
"Era una de esas personas que simplemente marchaba por la historia", dijo Bodie sobre Chaplin, recordando a su amigo como un hombre sociable que trababa amistad con cualquiera, desde Albert Einstein hasta Frank Sinatra.
Chaplin apareció en dos de las últimas películas de su padre: ‘Candilejas’ [Limelight] (1952) y ‘La condesa de Hong Kong’ [The Countess from Hong Kong] (1967). Pero nunca alcanzó en Hollywood el éxito de que gozó en el teatro musical de Nueva York.
Ganó un Tony por ‘Bells Are Ringing’, el musical de 1956 de Betty Comden y Adolph Green sobre una operadora de una compañía de teléfonos (Holliday) que se enamora de un cliente (Chaplin). Walter Kerr, el crítico del New York Herald Tribune, escribió que el actor "duplica la calidez de la velada con el simple recurso de creer en su historia de amor".
Su espectáculo mejor recordado, sin embargo, fue la exitosa ‘Funny Girl’ como Nicky Arnstein, el jugador que corteja a Streisand en su estelar papel como Fanny Brice. El New York Times lo llamó "una figura alta y elegante como Nick, galante en el cortejo y haciendo lo mejor cuando debe mostrarse noble".
El espectáculo le significó otra nominación a un Tony, pero se retiró de la compañía en junio de 1965, mencionando diferencias no especificadas con el productor Ray Stark. Cuando se llevó el espectáculo al cine, Omar Sharif, un importante rompecorazones después de sus papeles en ‘Lawrence de Arabia’ [Lawrence of Arabia] y ‘Doctor Zhivago’, recibió el papel protagónico, junto con Streisand.
Chaplin -que también fue pasado a llevar en la versión cinematográfica de ‘Suena el teléfono’ [Bells Are Ringing] (por Dean Martin)- dijo que no se sentía decepcionado.
"Nunca tuve ese deseo ardiente de ser reconocido ni de ser respetado, que sí habían sido motivos de mi padre", explicó.
Fue el actor principal de otro musical de Comden-Green: ‘Subways Are for Sleeping’, de 1961.
Aunque su carrera nunca estuvo al mismo nivel que la de su padre, nunca pensó que el apellido de su padre fuera un inconveniente.
"Creo que los que piensan que sus vidas se han visto marcadas por la fama de sus padres, son unos aburridos", dijo a la AP en 1967.

Fue el segundo hijo de la segunda esposa de Charlie Chaplin, Lita Grey. El otro hijo, Charles Chaplin Jr., murió en 1968.
Sydney fue bautizado con su nombre en homenaje al medio hermano mayor de su padre, que ayudó a Charlie a lanzar su carrera teatral en Inglaterra. Después de que Charlie se convirtiera en una superestrella de la gran pantalla, devolvió el favor introduciendo a Syd Chaplin en el oficio.
Lita Grey tenía dieciséis cuando se casó con Chaplin, entonces de 35 años, en 1924. Sydney nació dos años después y sus padres se divorciaron al año siguiente con una guerra judicial que llegó incluso a la primera plana de los diarios.
Pasó gran parte de su infancia en internados -"Para cuando tenía dieciséis me habían expulsado de tres escuelas", recordó-, pasando los fines de semana ocasionalmente en la casa de su padre. Recuerda haber jugado al tenis con Greta Garbo y pasado las hojas de la partitura mientras Einstein tocaba el violín.
"Pensaba que todos los padres eran como el mío", comentó en 2003. "Quizás fui un poco protegido".
El ejército lo envió a Europa durante la Segunda Guerra Mundial y más tarde hizo una gira con una troupe para entretener a los soldados.
De regreso en Hollywood, con una redescubierta ética del trabajo debido a su servicio en la guerra, se unió a la troupe del Circle Theater que se especializaba en piezas clásicas y de vanguardia. Su padre también se interesó y dirigió varias de ellas.
Charlie Chaplin era paciente con los otros actores, pero no con su hijo, recordó Sydney en 2003.
Su primer papel en el cine lo tuvo en ‘Candilejas’, la última gran película de Charlie Chaplin. Había escrito el papel especialmente para su hijo, que representaba a un compositor que se enamoraba de una bailarina de ballet (Claire Bloom), que se hacía amigo de un desteñido artista de teatro (el viejo Chaplin).
En cuando a ‘La condesa de Hong Kong’, que no fue bien recibida y fue la última película de su padre, Chaplin dijo a Los Angeles Times en 1971 que a él le encantaba.
"Es una película muy buena", dijo.
El joven Chaplin también tuvo un rol en ‘Tierra de faraones’ [Land of the Pharaohs] (1955) con Joan Collins, con la que tuvo un romance muy comentado. (También estuvo relacionado románticamente con Holliday durante su colaboración en las tablas).
Durante los años en que su hijo triunfaba en Broadway, Charlie Chaplin no fue capaz de verlo. Vivía en el extranjero con su cuarta esposa, Oona, porque las autoridades estadounidenses habían rechazado la entrada del inglés Chaplin a Estados Unidos en 1952 por considerarlo asociado a los comunistas. El gran comediante fue finalmente admitido en Estados Unidos en 1972 para recibir un Oscar especial.
Sydney Chaplin también apareció ocasionalmente en la televisión, aunque esos papeles como artista invitado y sus otros roles en el cine no fueron destacados.
"Hacía de indio", dijo una vez con desdén sobre sus papeles en películas de vaqueros destinadas al olvido. "Me sentaba en la comisaría luciendo unos chapes y decía ‘Ugh’ frente a la cámara".
Chaplin se casó con Margaret Beebe en 1998 después de un compromiso de catorce años. Estuvo casado previamente con la actriz Noelle Adam y con Susan Magnes.
El padre de Chaplin murió en 1977 a los 88 años; su madre murió en 1995, a los 87.
Varios otros hijos de Charlie Chaplin hicieron carrera en la actuación, destacando sobre todo Geraldine Chaplin, uno de los ocho hijos que tuvo con Oona. Ha aparecido en películas como ‘Nashville’, ‘Doctor Zhivago’ y la película biográfica ‘Chaplin’, de 1992, en la que representó a su abuela paterna.
A Sydney Chaplin le sobreviven su esposa Margaret y un hijo, Stephan Chaplin.

29 de abril de 2009
5 de marzo de 2009
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murió ron silver


Actor galardonado con un Tony por su papel en ‘Speed-the-Plow’. A los 62.
Murió el domingo, a los 62 años, el actor Ron Silver, que recibió el premio Tony como el productor de Hollywood en ‘Speed-the-Plow’, de David Mamet y que después de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York cambió radicalmente de lealtades políticas, pasándose al bando de los republicanos.
"Ron Silver murió el domingo por la mañana, plácidamente, durmiendo, rodeado por su familia" en Nueva York, informó Robin Bronk, director ejecutivo de Creative Coalition, que Silver contribuyó a fundar. "Durante dos años luchó contra un cáncer al esófago".
Silver, nominado a un Emmy por su recurrente papel como el hábil estratega del presidente liberal Jed Bartlet en ‘El Ala Oeste’ [The West Wing], tuvo una larga historia conciliando la actuación con causas políticas y sociales de izquierda.
Pero después de los atentados terroristas de 2001, Silver el demócrata sorprendió a todo el mundo en Hollywood por su declarado apoyo a las guerras del presidente George W. Bush contra Iraq y Afganistán.
Silver habló a favor de Bush en la Convención Nacional Republicana, empezó a referirse a sí mismo como "republicano del 11 de septiembre" y se re-inscribió como independiente.
"Con el férreo liderazgo del presidente Bush, la causa de la libertad y la democracia está siendo defendida por los hombres y mujeres valientes que sirven en nuestras fuerzas armadas", dijo Silver en la convención republicana. "El presidente está haciendo exactamente lo mismo. Es por eso que en estos tiempos necesitamos a un presidente como él".
En una entrevista con la Associated Press al mes siguiente, Silver dijo que su apoyo a la guerra contra el terrorismo estaba perjudicando su carrera en el liberal Hollywood.
"Ha tenido consecuencias muy feas para mí. No puedo señalar a nadie ni decir qué trabajos he perdido, pero esta comunidad no es demasiado pluralista", dijo Silver a la AP. "Hace diez meses que no tengo trabajo".
Su giro hacia una imagen más conservadora amenazó con eclipsar su carrera en el teatro, cine y televisión, junto con su larga carrera como activista, que incluyó la fundación de la independiente Creative Coalition, una organización de defensa de los artistas.
"Era un actor talentoso, un estudioso y un gran partidario de la democracia participativa", dijo Bronk el domingo. "Era un activista que se convirtió en un gran artista. Nunca olvidaremos sus aportes".
Sus grandes éxitos en el cine incluyen ‘Ali’, ‘El misterio Von Bulow’ [Reversal of Fortune], ‘Enemigos’ [Enemies: A Love Story], ‘Silkwood’ y ‘Dos más uno... igual de dos’ [Semi-Tough].
Además de ‘El Ala Oeste’, Silver era un invitado habitual o tuvo papeles recurrente en series de televisión como ‘El secreto de Verónica’ [Veronica’s Closet], ’Chicago Hope’ y ‘Wiseguy’. Dirigió y actuó en la película para la televisión ‘Náufragos del espacio’ [Lifepod], de 1993, una actualización de la película de ciencia ficción de Alfred Hitchcock, ‘Náufragos’ [Lifeboat].
El Tony por ‘Speed-the-Plow’ lo obtuvo en 1988, un año después de haber obtenido su primera nominación a un Emmy, por la película de suspenso ‘El club de los jóvenes billonarios’ [Billionaire Boys Club].
Silver siguió consiguiendo contratos, pese a su orientación conservadora, apareciendo en episodios de ‘La ley y el orden’ [Law & Order] y ‘Jordan, médico forense’ [Crossing Jordan], y en películas como ‘Declaradme culpable’ [Find Me Guilty] y la comedia sobre los diez mandamientos, ‘Los diez locos mandamientos’ [The Ten].
Siguió con su recurrente papel en ‘El Ala Oeste’, bromeando que esperaba que sus colegas en la serie le reprocharan el cambio de lealtades políticas que vivía en un gobierno ferozmente liberal en la Casa Blanca.
"A menudo cuando entraba al plató de ‘El Ala Oeste’, algunos de mis colegas me saludaban cantando ‘Ron, Ron, the neo-con’. Lo hacían con humor, pero querían decir algo más", escribió Silver en su actualización del 15 de noviembre de 2007 en su blog en el sitio web Pajamas Media. "Desde que expresara mi apoyo a George Bush en la convención republicana de 2004, los miembros de mi profesión y muchos otros han dejado de considerarme".
Algunos trabajos de Silver en la pantalla molestaron a los liberales. En 2004 narró ‘Fahrenhype 9/11’, una crítica del exitoso documental anti Bush de Michael Moore, ‘Fahrenheit 9/11’.
"Michael Moore y esa facción del partido fue uno de los factores que no me dejó apoyar al candidato demócrata de este año", dijo Silver a la AP en 2004. "Es un charlatán vestido de payaso".
En su blog, Silver describió su punto de vista político "un poco como a la derecha de la izquierda del centro" y dijo que sus opiniones sobre la política exterior de Estados Unidos "no han cambiado mucho de lo que siempre ha sido -que yo llamaría un liberalismo revolucionario".
"He rechazado siempre a los reaccionarios, sean estos de derechas o izquierdas, demócratas o republicanos. De momento, las fuerzas reaccionarias de la izquierda... son para mí más temibles que las fuerzas reaccionarias tradicionales de la extrema derecha. Y el Partido Demócrata para estar escuchándolos".
En la pantalla, los papeles de Silver recorrieron todo el espectro político, desde el ultraconservador Henry Kissinger en la película para la televisión, ‘Kissinger and Nixon’, de 1995, hasta el ultraliberal Alan Dershowitz en ‘El misterio Von Bulow’, de 1990.
Silver vivió una memorable transformación para la película de televisión ‘Cuando Billie Venció a Bobby’ [When Billie Beat Bobby], de 2001, ocultándose detrás de gajas de marcos negros y tupidas patillas para representar a Bobby Riggs en su comentado match de tenis contra Billie Jean King (Holly Hunter) en los años setenta.

Nacido el 2 de julio de 1946 en Nueva York, era hijo de Irving y May Silver. Su padre trabajaba en la industria textil en Nueva York y su madre era maestra.
Estudió en la Universidad de Nueva York en Buffalo y obtuvo su licenciatura en historia china en la St. John’s University. También estudió teatro en el Herbert Berghof Studio y en el Actors Studio.
En los setenta pasó gradualmente del teatro al cine y la televisión, trabajando en ‘The Mac Davis Show,’, ‘’Rhoda’ y ‘The Stockard Channing Show’.
Silver y su ex esposa Lynne Miller tuvieron un hijo (Adam) y una hija (Alexandra).
Reclutado como aprendiz de la CIA, Silver mantuvo su interés en política, asuntos internacionales y causas sociales durante toda su vida.
Además de participar en la fundación de Creative Coalition, Silver fue presidente de la Actor’s Equity Association, nombrado a fines de los noventa para presidir el Comité del Milenio de Nueva York por el alcalde de entonces Rudolph Giuliani y nombrado por Bush a la junta de directores del Instituto Americano para la Paz.
Sin importarle cómo sería clasificado su activismo en el espectro político, Silver pensaba que esas acciones eran un deber para los artistas.
"Creo que es casi una obligación", dijo Silver en una entrevista con la AP en 1991. "Muchos de nosotros nos sentimos compensados por trabajos que ya quisieran tener muchos. Y también tenemos un montón de diversión entre los trabajos...
"Dicen que Hollywood es sexo sin contenido, y Washington es contenido sin sexo, así que quizás el matrimonio entre los dos intriga a ambos".

29 de abril de 2009
17 de marzo de 2009
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murió coy watson jr.


Actor y fotógrafo. Trabajó en películas mudas antes de cambiar de carrera.
Murió Coy Watson Jr., que apareció con Mary Pickford y Jackie Coogan en películas mudas antes de abandonar la actuación por una larga carrera como reportero gráfico de diario y televisión. Su deceso ocurrió cerca de San Diego, debido a complicaciones de un cáncer al estómago. Tenía 96 años.
Watson debutó en el cine como bebé. Fue uno de nueve hermanos actores activos en el cine, como su padre, Coy Sr. En 1999, la familia fue homenajeada con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
"En nuestra familia, actuar no era un negocio. Era nuestra vida. Nunca supimos hacer otra cosa", dijo Watson al San Diego Union-Tribune en 2002.
Su padre era un vaquero que vivía cerca del centro de Los Angeles cuando esa zona era todavía rural, y alquilaba caballos a los directores de algunas de las primeras películas de vaqueros de Hollywood.
Eso llevó al viejo Watson a una larga carrera detrás de las cámaras como experto en efectos especiales y como asistente del director.
Coy Jr. contó en sus memorias, ‘The Keystone Kid’, que una vez Sennett quemó el porche de la casa de la familia para una escena de la película ‘Keystone Kops’, que reconstruyó luego, agregándole una nueva cocina y un dormitorio.
Además de las películas Keystone Kops, el joven Coy apareció en películas con estrellas con Pickford, Coogan, Roscoe ‘Fatty’ Arbuckle y Douglas Fairbanks Jr. En 1925, fue el hermano menor de la heroína de la versión cinematográfica original de ‘Stella Dallas’.
Su última película fue ‘Puttin’ on the Ritz’, de 1930. Su hija Patti Watson Price dijo que nunca logró adaptarse al cine sonoro.
"Decía que la transición [hacia el cine sonoro] no le gustaba a nadie de los que trabajaban entonces en el cine", dijo Price. "Cuando se hacían películas mudas, todo el mundo se podía reír y hacer bromas y pasar un buen rato. Cuando llegó el cine hablado, nos teníamos que quedar callados".
Watson empezó a trabajar como camarógrafo en la Acme News Pictures, que había sido fundada por su tío, George Watson, el primero fotógrafo a tiempo completo de Los Angeles Times. Una de las primeras misiones de Watson fue cubrir las Olimpíadas de Los Angeles en 1932.
También tomaba fotografías para diarios locales y fue más tarde reportero de telediarios, trabajando para estaciones de Los Angeles y para el temprano programa de noticias sobre celebridades, ‘Hollywood Reel’.

29 de abril de 2009
17 de marzo de 2009
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