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murió cyd charisse


Murió Cyd Charisse, la satinada bailarina del cine. A los 86.
[Robert Berkvist] Murió Cyd Charisse, la patilarga belleza cuya elegancia en el baile la convirtió en la memorable compañera de Fred Astaire y Gene Kelly en clásicos musicales de MGM, como ‘Cantando bajo la lluvia’ [Singin’ in the Rain], ‘Melodías de Broadway’ [The Band Wagon] y ‘Brigadoon’. En Los Ángeles, a los 86 años.
Su muerte, en el Centro Médico Cedars-Sinai, fue causada, aparentemente, por un ataque cardiaco, informó su agente Scott Stander.
Charisse surgió en la destellante época de los musicales de Hollywood, y aunque tuvo algunos roles dramáticos, fue en los musicales donde alcanzó un renombre duradero. Esa fama la ayudó a formar un exitoso dúo de baile y canto con su marido, Tony Martin, en clubes nocturnos y en televisión.
En su libro de memorias ‘Steps in Time’, de 1959, Fred Astaire llamó a Charisse una "bella dinamita". Tenía una impactante presencia en el cine: delgada y grácil, con sus cabellos negros como el azabache. Medía un metro setenta, pero con tacos altos y medias largas -un atuendo familiar en ella-, parecía todavía más alta.
Hizo su debut en el cine en 1943 con el nombre de Lily Norwood en ‘Ni con dinero’ [Something to Shout About], con Don Ameche y Janet Blair, y luego pasó casi una década haciendo roles pequeños y a veces anónimos antes de que tuviera su gran despegue. Este vino con ‘Cantando bajo la lluvia’, estrenada en 1952.
Escrita por Betty Comden y Adolph Green, y dirigida por Gene Kelly y Stanley Donen, la película la estableció como una de las actrices más elegantes y seductoras de Hollywood.
Ambientada en el alba de las películas habladas, ‘Cantando bajo la lluvia’ tuvo como protagonistas a Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds y Jean Hagen. Charisse apareció en sólo una de las indelebles secuencias de baile indelebles de la película, pero fue suficiente. Durante ‘Broadway Melody Ballet’, con Kelly, fue a la vez una sensual vampiresa y diáfana chica de ensueños.
Un año más tarde, en ‘Melodías de Broadway’ Charisse tuvo su primer rol como protagonista. Dirigida por Vincente Minnelli, con un guión de Comden y Green y canciones de Howard Dietz y Arthur Schwartz, la película contó con Astaire, Charisse, Oscar Levant y Nanette Fabray.
Astaire fue un bailarín y cantante de Hollywood en el ocaso de su carrera que esperaba volver a Broadway y se encontró en un espectáculo con una presumida bailarina (Charisse). La pareja no se ve personalmente hasta que hacen un paseo nocturno en un carruaje a través de un Central Park iluminado por la luna y terminan abrazados lánguidamente a los acordes de ‘Dancing in the Dark’. Una de las secuencias más famosas de la película, sino de la historia del baile en la película, es ‘The Girl Hunt Ballet’, en la que Charisse es la vampiresa de Astaire como detective privado.
En ‘Brigadoon’ (1954),dirigida también por Minelli y adaptada de un programa de Broadway de 1947 de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe, Kelly y Van Johnson son dos turistas norteamericanos que tropiezan con un misterioso pueblo escocés que sólo se materializa cada cien años. Kelly se enamora perdidamente de una guapa aldeana, Fiona (Charisse), con la que baila ‘The Heather on the Hill’.

Cyd Charisse nació como Tula Ellice Finklea en Amarillo, Tejas. Aunque algunas fuentes dicen que nació el 8 de marzo de 1921, su representante dijo que el año era 1922. Empezó a tomar lecciones de baile cuando era niña. Sus numerosos cambios de nombre, dice la historia, empezó cuando su hermano tuvo problemas con la pronunciación de ‘hermana’ [sister] y se quedó en ‘Sid’.
Cuando era adolescente, fue enviada a California para estudiar baile y se convirtió rápidamente en miembro del Ballet Ruso de Monte Carlo, una troupe itinerante, bajo el nombre de Felia Sidorova. Hacía una gira en Europa cuando conoció a Nico Charisse, un joven y guapo bailarín y profesor de baile. Se casaron en París cuando ella tenía dieciocho años. En 1942, tuvieron un hijo (Nicky).
A principio de los años cuarenta, Charisse ya había sido descubierta por los cazatalentos de estudios cinematográficos y pronto consiguió su primer papel en el cine, como Lily Norwood. (También apareció anónimamente en 1943, como bailarina, en ‘Mission to Moscow’). En 1946, MGM, entonces la más importante compañía de musicales de Hollywood, firmó un contrato con ella y le dio papeles de poca importancia en varias películas, incluyendo ‘Las chicas de Harvey’ [The Harvey Girls], ‘Hasta que las nubes pasen’ [Till the Clouds Roll By] y ‘Ziegfeld Follies’, en la que bailó con Astaire en la breve secuencia de apertura. Cuando fue escogida para aparecer en ‘Ziegfeld Follies’, el productor Arthur Freed prefirió el nombre de Charisse al de Norwood y lo cambió de Sid a Cyd.
Al año siguiente, Charisse hizo de bailarina una vez más en ‘The Unfinished Dance’, como la niña estrella Margaret O’Brien como estudiante de baile.
Charisse volvió a trabajar con Kelly en el musical de Comden y Green en 1955, ‘Siempre hace buen tiempo’, y formó equipo con Fred Astaire en ‘La bella de Moscú’ [Silk Stockings] (1957). En la última, una actualización de la película de Greta Garbo, ‘Ninotchka’, fue una fría funcionaria soviética que es enviada a París donde conoce y es cortejada por un productor de Hollywood (Astaire). Huelga decir que se derrite por Fred cuando cantan y bailan canciones de Cole Porter como ‘All of You’ y ‘Fated to Be Mated’. Era el crepúsculo del musical en Hollywood.
El matrimonio de Charisse con Nico Charisse terminó en divorcio en 1947. Se casó con Martin en 1948. Le sobreviven su hijo, además de su otro hijo Tony Jr., y su hijo de su primer matrimonio, Nicky.
En noviembre de 2006, Charisse recibió la Medalla Nacional de las Artes, entregada por el presidente Bush en una ceremonia en la Casa Blanca.
Rememorando su trabajo con Kelly y Astaire en una entrevista con el New York Times en 1922, Charisse dijo que su marido, Martin, siempre sabía con quién había estado bailando. "Si me veía amoratada,", dijo, "había sido Gene. Y si era Fred, yo no tenía ni un rasguño".
En una entrevista de 1992 con el Times, recordó haber bailado con Astaire en la exigente coreografía de ‘La bella de Moscú’, y dijo, con admiración: "Fred se movía como si fuera de cristal".
Resultó que ‘La bella de Moscú’ fue su último musical importante. Apareció en algunas películas más, principalmente en roles dramáticos en películas como ‘Party Girl’ (1958) y ‘Dos semanas en otra ciudad’ [Two Weeks in Another Town] (1962). Ella y Martin llevaron su espectáculo nocturno a Las Vegas y otras ciudades. Su última película fue un drama italiano, ‘Private Screenings’ (1989).
En 1992 Charisse tuvo su tardío debut en Broadway en ‘Grand Hotel’, cuando reemplazó a Liliane Montevecchi en el papel protagónico de una famosa pero avejentada bailarina en el Berlín de los años veinte. "Creo que mis bailes fueron mi papel", dijo al Times ese año. "Para mí, se eso se trata el baile. No son solamente los pasos".

30 de junio de 2008
18 de junio de 2008
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murió bob anderson


Actor. Fue George Bailey en ‘¡Qué bello es vivir!’ A los 75.
Murió Bob Anderson, que representó al joven George Bailey en el clásico navideño ‘¡Qué bello es vivir!’ [It’s a Wonderful Life]. El 6 de junio, de cáncer, en Palm Springs, California. A los 75.
Anderson creció en una familia de Hollywood. Su padre, Gene, fue asistente de dirección y más tarde gerente de producción. Sus tíos fueron los directores William Beaudine y James Flood, y sus hermanos y primos fueron editores y gerentes de producción.
Anderson fue introducido al mundo del cine cuando sus familiares consiguieron que apareciera en una escena que exigía un bebé.
Tenía 7 cuando apareció en la película de Shirley Temple, ‘Young People’, de 1940, y tuvo posteriormente papeles en películas como ‘Lazos humanos’ [A Tree Grows in Brooklyn], de 1945. Su último papel lo tuvo en la serie de televisión de 1956, ‘The Further Adventures of Spin and Marty’.
Pero fue mejor conocido por su papel como el joven Bailey en ‘¡Qué bello es vivir!’, de Frank Capra, el mismo personaje retratado en su adultez por James Stewart. En una escena, la historia exigía que detectara un error fatal cometido por un boticario borracho (H.B. Warner).
Warner se tomó el papel muy en serio y el día del rodaje bebió y estaba "bastante colocado", contó Victoria Anderson. En la escena el personaje de Warner debía abofetear al niño.
Anderson contó a Los Angeles Tims en 1996, que esa escena y sus ensayos fueron dolorosos.
"En realidad me sacó sangre de la oreja", contó Anderson al diario. "Se me hinchó la oreja y me quedó la cara roja y me puse a llorar".
"Cuando terminó todo, fue muy cariñoso. Me abrazó y me achuchó, y era sincero", dijo Anderson.
Anderson se enroló en la Armada durante la Guerra de Corea.
Después de la guerra pasó cuatro décadas en la industria del cine. Desde los años cincuenta hasta los noventa trabajó constantemente, ascendiendo de segundo asistente de dirección a gerente de producción de películas y programas de televisión, contó su esposa Victoria.

20 de junio de 2008
9 de junio de 2008
©variety
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murió nelly lainez


Actriz argentina conocida por sus comedias. A los 88.
[Charles Newbery] Murió la actriz argentina Nelly Lainez, mejor conocida por sus papeles de comedia del absurdo en películas como ‘Los vampiros los prefieren gorditos’ [Vampires Prefer Fatties]. El 31 de mayo, en Buenos Aires, tras una larga enfermedad. Tenía 88 años.
Nacida en Buenos Aires como Nelida Rotstein, hizo su debut en la radio con un papel cómico a los doce años.
Ocho años más tarde irrumpió en el cine en la comedia de 1950 ‘Cinco grandes y una chica’ [Five Men and a Girl] y ese mismo año apareció en la secuela de ‘Cinco locos en la pista’ [Five Crazies on the Floor], tras la cual apareció en una veintena de películas, entre ellas la comedia musical tanguera ‘Amigos para la aventura’ [Love at First Sight].
En la televisión, participó en comedias clásicas como ‘La tuerca’ y ‘Operación Ja Ja’, en los años ochenta. En ‘El polibomber’ representó a una señora aproblemada que, tras una confusión de palabras, recibía siempre el mismo consejo de un agente de policía: que tomara el autobús 60.
En los noventa volvió a la televisión con ‘El mundo de Antonio Gasalla’ y ‘El palacio de la risa’ y ganó el premio de televisión Martín Fierro en 1993.

20 de junio de 2008
11 de junio de 2008
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murió dino risi


Cineasta. Fue nominado a un Oscar por ‘Perfume de mujer’. A los 91.
[Nick Vivarelli] Murió Dino Risi, el indisputado maestro del género de la comedia a la italiana de la posguerra en Italia y nominado a un Oscar como guionista de ‘Perfume de mujer’ [Scent of a Woman], que también dirigió, y otros clásicos como ‘La escapada’ [Il sorpasso; The Easy Life], con Vittorio Gassman. Por una deficiencia cardiaca, en Roma, el 7 de junio. Tenía 91 años.
‘Perfume de mujer’, de 1975, fue nominado a dos estatuillas y ganó al protagonista Gassman el premio a la interpretación masculina del Festival de Cannes de 1975. El remake de 1992, de Martin-Brest, le reportó un Oscar a Al Pacino.
Durante la carrera de seis décadas Risi se hizo conocido por combinar su ácida veta satírica con un dejo de liviandad en su descripción de los vicios de carácter y contradicciones que caracterizan la sociedad italiana. Trabajó con muchos de los mejores actores de su época.
Hijo de un prominente médico de Milán, entre cuyos clientes se encontraba la familia Mussolini y la Ópera La Scala, Risi quedó huérfano a los doce y fue criado por familiares y amigos de la familia.
Siguiendo el ejemplo de su padre, estudió medicina y en los años cuarenta se especializó en psiquiatría antes de empezar a trabajar como asistente de dirección para los directores Alberto Lattuada, Mario Soldati y Mario Monicelli.
Entre los primeros éxitos de Risi se encuentra ‘Pan, amor y fantasía’ [Pan, amore e fantasia; Scandal in Sorrento], de 1955, con Sofía Loren como una sensual pescadera y Vittorio de Sica como un enamorado jefe de policía que se supone debe desalojarla, y ‘Pobres, pero guapos’ [Povere ma belli; Pretty but Poor], de 1957.
"Me duele mucho su muerte", dijo Loren. "Sus películas eran bellas y divertidas".
En 1962 Risi dirigió la tragicomedia ‘Vida difícil’ [Una vita difficile; The Easy Life], una road movie ambientada contra el telón de fondo del hedonismo italiano de los años sesenta, con Gassman y Jean Louis Trintignant, y considerada una de las mejores comedias de todos los tiempos.
‘Vida difícil’ inspiró a Dennis Hopper cuando dirigió ‘Buscando mi destino’ [Easy Rider], y fue también mencionada por Alexander Payne como inspiración de su ‘Entre copas’ [Sideways].
En 1971 Risi tuvo un gran éxito de taquilla con ‘En nombre del pueblo italiano’ [In nome del popolo Italiano; In the Name of the Italian People], en la que un juez aparentemente irreprochable (Ugo Tognazzi) investiga a un arrogante agente inmobiliario (Gassman), anticipando los escándalos de corrupción de las Manos Limpias de los años noventa.
Ese mismo año Risi tuvo también un enorme éxito con su película romántica ‘La mujer del cura’ [La moglie del prete; The Priest’s Wife], con Loren y Marcello Mastroianni.
En los años noventa, el prolífico Risi trabajó en la televisión. Su último trabajo fue ‘Las jovencitas de Miss Italia’ [Le ragazze di Miss Italia], una mirada cómica del concurso italiano.
En 2002, Risi recibió el León de Oro del Festival de Cine de Venecia por los logros de su carrera.
Le sobreviven sus dos hijos, Claudio y Marco. Este último es un popular director.

20 de junio de 2008
9 de junio de 2008
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murió mel ferrer


Actor, a los noventa. Conocido por sus papeles en ‘Lili’ y ‘Fiesta’.
El lunes, a los noventa años, murió Mel Ferrer, el espigado y guapo actor de películas clásicas como ‘Lili’, ‘Guerra y paz’ [War and Peace] y ‘Fiesta’ [The Sun Also Rises], así como productor y director de películas en las que actuaba su esposa, Audrey Hepburn.
Ferrer murió en su rancho cerca de Santa Barbara, de acuerdo al portavoz de la familia, Mike Mena.
El papel cinematográfico más impresionante de Ferrer lo tuvo en ‘Lili’, de 1953, como un titiritero lisiado de un circo, de quien se enamora una huérfana francesa (Leslie Caron).
También fue elogiado por la crítica por su papel como Luis Bello, en la descripción de la vida privada y pública de un matador en ‘Toros bravos’ [The Brave Bulls], de Robert Rossen, y por su papel, con Hepburn, en ‘Guerra y paz’, de 1956.
Más tarde se dedicó a producir y dirigir películas para el cine y la televisión.
Él y Hepburn se comprometieron en 1954 cuando aparecieron juntos en la pieza de Nueva York, ‘Ondine’. Se casaron más tarde ese mismo año, en Burgenstock, Suiza.
Se divorciaron en 1968 y Ferrer se casó con su cuarta esposa, Elizabeth Soukhotine en 1971, que le sobrevive.
Ferrer y Hepburn aparecieron juntos en la versión para la televisión de ‘Mayerling’ y Ferrer dirigió a Hepburn en la película de 1959, ‘Mansiones verdes’ [Green Mansions].
También produjo uno de los triunfos más grandes de Hepburn, ‘Antes que anochezca’ [Wait Until Dark], de 1967.

Nació en Elberon, Nueva Jersey, como hijo de un médico de Puerto Rico y una madre de sociedad, y estudió en la Universidad de Princeton.
Después de ganar un premio de teatro en su segundo año, Ferrer dejó Princeton y se dedicó a escribir una novela en México. Pero en lugar de eso escribió un libro para niños, ‘Tito’s Hats’, que fue publicado por Doubleday.
Pasó un año como editor en Nueva York, y empezó luego su carrera de actor como bailarín en musicales en Broadway. Actuó en piezas de teatro y para la radio y dirigió la película de Hollywood, ‘Girl of the Limberlost’.
De regreso en Nueva York, actuó en la pieza ‘Strange Fruit’, sobre un linchamiento en el Sur, y dirigió a José Ferrer (no relacionado con él) en ‘Cyrano de Bergerac’. Su primer papel importante en el cine fue en 1949, en ‘El color de la sangre’ [Lost Boundaries], donde es un médico afro-americano de piel clara que se hace pasar por blanco.
La imponente presencia de Ferrer y su bien modulada voz lo convertían en un actor ideal para personajes audaces y seguros de sí mismos. Entre sus películas se encuentran ‘Encubridora’ [Rancho Notorious], ‘Scaramouche’, ‘Los caballeros del Rey Arturo’ [Knights of the Round Table] (como el Rey Arturo), ‘Nacido para el mal’ [Born to Be Bad], ‘El día más largo’ [The Longest Day],’La caída del imperio romano’ [The Fall of the Roman Empire], ‘Fiesta’ y ‘El Greco’, que fue rodada en España con Ferrer como productor y actor principal.
Le sobreviven su esposa, cinco hijos y varios nietos.

20 de junio de 2008
3 de junio de 2008
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murió harvey korman


Versátil comediante que ganó un Emmy. A los 81.
[Valerie J. Nelson] Murió Harvey Korman, actor cómico galardonado con un Emmy y mejor conocido por hacer de "segunda banana luminosa" - según definió él mismo- durante una década en el programa de televisión ‘The Carol Burnett Show’ y por actuar en películas de Mel Brooks, como ‘Sillas de montar calientes’ [Blazing Saddles]. Tenía 81 años.
Korman, que fue operado varias veces, murió el jueves en el Centro Médico de la Universidad de California en Los Angeles por complicaciones de un aneurisma aórtico abdominal que se rompió hace cuatro meses, informó su hija Kate Korman al Times.
Con talento para el humor físico y acentos excéntricos, Korman era un maestro del sketch cómico. Hizo sus mejores presentaciones en el programa de variedades de Burnett a principios de 1967, en un equipo que incluía a Tim Conway.
"Es una amistad de 45 años", dijo Conway. "Fue un gran viaje; trabajamos juntos durante probablemente treinta años, además del programa de Burnett, que fue lo mejor que tuvo".
Brooks dijo sobre Korman que "eran un gran, gran talento, y podría fácilmente haber actuado en dramas isabelinos. Era muy dotado y talentoso... Me encantaba trabajar con él".
Conway dijo que Korman "entendía completamente la comedia y el sentido de oportunidad en la comedia".
En el programa de Burnett, que estuvo constantemente entre los primeros diez durante su emisión en televisión, Korman exhibía su versatilidad -en un episodio hizo de robusta matrona judía, para aparecer luego como el cómico Rhett Butler y hacer una parodia de ‘Lo que el viento se llevó’ [Gone With the Wind] con la estrella del programa.
Tuvo un gran éxito como la pechugona Mother Marcus y el desventurado Ed, que era miembro de una familia increíblemente disfuncional -‘Mama’s Family’-, uno de los episodios más populares de la serie en los años ochenta.
"Dadme algo estrafalario que hacer, o vestídme con algún disfraz, y lo haré perfecto", bromeó Korman en una entrevista con el Chicago Sun-Times en 2005.
Korman y Conway desarrollaron una extraordinaria relación que los convirtió probablemente en uno de los más letales equipos cómicos de televisión; las frecuentes improvisaciones frente a la cámara de Conway hacían que Korman se partiera de risa; los productores, sabiamente, los mantuvieron en el programa.
Durante ocho años, hasta fines de diciembre pasado, el dúo recorrió el país en un espectáculo teatral que, más que cualquier otra cosa, era un homenaje a sus años con Burnett. Hacían entonces unos 120 programas el año.
"No sé cuál de nosotros era la comparsa", dijo Conway. "En comedia, lo más importante cuando trabajas con otro, es que el otro sepa cuándo quedarse callado. Y los dos sabíamos cuándo cerrar la boca".
Una de sus rutinas favoritas del programa de Burnett fue el sketch del dentista, "en el que yo, por decirlo así, me anestesiaba el cuerpo con Novocaína" mientras trataba de tapar las muelas de Korman, contó Conway al Times el jueves.
"Lo representan en todos los departamentos de odontología como una especie de introducción sobre cómo no hacerlo", dijo Conway.
En una entrevista de hace varios años con el Palm Beach Post, Conway dijo sobre el versátil reparto que incluía a Vicki Lawrence y Lyle Waggoner: "Los cinco éramos los Yanquis de Nueva York de nuestra época".
Con más de mil sketches a su haber, Korman se despidió del programa de Burnett después de trabajar en él durante diez años. Entonces tenía cincuenta.
"Era ahora o nunca, y si alguna vez pensé en ampliar mi carrera más allá del sketch, mejor lo hago ahora", dijo en esa época, de acuerdo al reportaje en el Toronto Star de 1990.
La ABC le había prometido su propia serie cómica, pero "hice un piloto tras otro hasta que los demás dijeron: ‘Márchate, por amor de Dios. No funciona nada’", dijo Korman a la United Press International en 1993.
Entre 1983 y 1985 apareció en la comedia de la NBC, ‘Mama’s Family’, que incluyó a varios artistas de Burnett, incluyendo a Lawrence y Burnett, que tuvieron varias apariciones como invitados.

Korman hizo más de treinta películas, incluyendo cuatro comedias dirigidas por Brooks, que lo descubrió cuando su esposa, Anne Bancroft, le llamó la atención sobre Korman en un episodio de ‘The Carol Burnett Show’.
"Mi esposa me dijo: ‘Tienes que ver a este tipo. Están haciendo a las Andrews Sisters [en un sketch] y este Harvey Korman es el mejor del grupo’. Harvey era tan divertido... Cuando estaba montando ‘Sillas de montar calientes’, supe de inmediato a quién le ofreceríamos el papel de Hedley Lamarr en la sátira de cowboys de 1974.
"Tuve serios problemas trabajando con Harvey", contó Brooks al Times el jueves. "Yo no le miraba a los ojos... Si nuestras miradas hubiesen llegado a encontrarse, habría sido el fin de la toma. Habríamos roto".
Brooks también contrató a Korman para ‘Máxima ansiedad’ (1077) [High Anxiety], ‘La loca historia del mundo. Primera parte’ (1981) [History of the World -Part 1] y ‘Drácula, un muerto muy contento’ (1985) [Dracula: Dead and Loving It].
Otras películas de Korman son ‘Gypsy’ (1962), ‘Herbie torero’ (1980) [Herbie Goes Bananas], ‘Tras la pinta de la Pantera Rosa’ (1982) [Trail of the Pink Panther] y ‘La maldición de la Pantera Rosa’ (1983) [Curse of the Pink Panther]. En la película de televisión de 1978, ‘Bud and Lou’, fue la comparsa Bud Abbott de Buddy Hackett, de Lou Costello.

Harvey Herschel Korman nació el 15 de febrero de 1927 en Chicago, hijo de Cyril y Ellen Korman. Empezó actuando en piezas infantiles en la guardería y se hizo profesional a los doce, cuando una radio local lo contrató.
Tras servir en la Armada durante la Segunda Guerra Mundial, se inscribió en la academia de teatro de Nueva York y trató de trabajar en Broadway, pero pasó la mayor parte de una década trabajando como camarero y dependiente de una gasolinera, contó más tarde.
A principios de los años sesenta, Korman se mudó a Hollywood y empezó a trabajar regularmente en ‘The Danny Kaye Show’ en 1964, y permaneció en el programa musical de variedades hasta el fin de sus tres años de emisión. Entonces vino el programa de Burnett.
Luego sería la estrella invitada en decenas de programas de televisión y trabajaría como actor de voz hasta 2001.
Fuera de las tablas, Korman decía ser una persona decididamente poco graciosa, "que no podría contar un chiste ni aunque mi vida dependiera de ello", pero su hija Kate rechaza esa descripción: "Era incluso más divertido en la vida real".
Además de Kate, le sobreviven su esposa Deborath; otros tres hijos -Laura, Maria y Chris- y tres nietos.

valerie.nelson@latimes.com

Dennis McLellan contribuyó a este artículo.

15 de junio de 2008
30 de mayo de 2008
©los angeles times
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murió sydney pollack


Director, actor y productor de cine. A fines de mayo, a los 73.
[Dennis McLellan] Murió Sydney Pollack, el galardonado director de ‘Memorias de África’ [Out of Africa], que dirigió exitosas películas con renombradas estrellas del cine, como ‘Tal como éramos’ [The Way We Were] y ‘Tootsie’. Tenía 73 años.
Pollack, que también era productor y actor, murió de cáncer en su casa en Pacific Palisades, según informó Leslee Dart, su publicista y amigo.
Como director, Pollack gozaba de la reputación de ser un concienzudo artesano -"implacable y meticuloso", dijo una vez su amigo y guionista Robert Towne.
"Sus películas tienen esa calidad lírica que tiene la música culta, y el sentido de oportunidad era impecable", dijo Owen Roizman, camarógrafo, que fotografió cinco películas dirigidas por Pollack, incluyendo ‘Tootsie’ y ‘La Habana’ [Havana], cuando se anunció en 2006 que Pollack recibiría el Premio de la Junta Directiva de la Sociedad Americana de Camarógrafos por sus contribuciones al cine.
"Nunca le satisface nada... Su pasión es contagiosa. Inspira a todo el mundo a su alrededor a excavar un poco más", dijo Roizman.
George Clooney, que trabajó con Pollack en ‘Michael Clayton’, dijo: "Sydney hizo que el mundo fuera un poco mejor, que las películas fueran un poco mejor e incluso que las comidas fueran un poco mejor. Chapeau. Lo extrañaremos mucho".
Empezando con ‘La vida vale más’ [The Slender Thread], un drama de 1965 con Sidney Poitier y Anne Bancroft como protagonistas, Pollack dirigió veinte películas, incluyendo ‘Baile de ilusiones’ [They Shoot Horses, Don’t They?; Danzad, danzad, malditos], un drama de 1969 sobre los participantes en una maratón de baile durante la Depresión, con Jane Fonda, que le significó a Pollack una nominación a un Oscar como mejor director.
Conocido por lo que la crítico de cine del New York Times, Janet Maslin, describió una vez como "sus amplios instintos comerciales y su inclinación a formar elencos con estrellas", Pollack dirigió siete películas con Robert Redford como protagonista, empezando con ‘Propiedad condenada’ [This Property Is Condemned] (con Natalie Wood) en 1966.
La colaboración entre Pollack y Redford también produjo ‘Tal como éramos’ (con Barbra Streisand), ‘Las aventuras de Jeremiah Johnson’ [Jeremiah Johnson], ‘Los tres días del cóndor’ [Three Days of the Condor] (con Faye Dunaway), ‘El jinete eléctrico’ [The Electric Horseman] (con Fonda), ‘Memorias de África’ (con Meryl Streep) y ‘La Habana’ (con Lena Olin).
"Sydney Pollack hizo algunas de las películas más influyentes y recordadas de las últimas tres décadas", dijo al Times la experta en cine, Jeanine Basinger.
Mirando las películas de Pollack, dijo que "lo que ves es cómo mantenerse a tono con los tiempos. No se encierra en una década para quedarse ahí. Tenía una aguda sensibilidad política y una marcada comprensión de los temas de su mundo, y él avanzaba y cambiaba a medida que los tiempos avanzaban y cambiaban".
El crítico e historiador de cine Leonard Maltin dijo que "la característica" de la carrera de Pollak fue su inteligencia, tanto en su enfoque como en la elección de sus temas".
"Buenas, malas o regulares, sus películas eran al menos respetadas por el público", dijo Maltin al Times. "Y, por supuesto, trabajaba con actores de categoría A a los dos lados de la cámara: los mejores guionistas, los mejores actores, y eso se nota".
‘Memorias de África’, el drama de 1985 basado en las experiencias de la escritora danesa Isak Dinesen en Kenia a principios del siglo veinte y su aventura con el aventurero y cazador inglés Denys Finch Hatton, le ganó a Pollack dos Oscars: como director y como productor de la película, que ganaron el Oscar a la mejor película.
Pollack también recibió una nominación al Oscar como mejor director -así como el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York- por ‘Tootsie’. En la comedia de 1982, Dustin Hoffman es Michael Dorsey, un actor neoyorquino desempleado que revive su carrera transformándose en una ‘mujer’ -la actriz Dorothy Michaels- que consigue un papel en un culebrón para la televisión y luego se enamora de una actriz de la serie, Jessica Lange. En el proceso de travestirse en una mujer, Dorsey se convierte en un mejor hombre.
El rodaje de la película estuvo marcado por la tensión creativa entre Pollack y Hoffman -e inesperadas dificultades.
"Es como trabajar con el tiburón mecánico de ‘Tiburón’ [Jaws], dijo Pollack al New York Times en 1982. "Los pechos de Dustin se caen. Le duelen los pies con los tacos altos. El maquillaje le causa espinillas, y el calor hace que le crezca la barba a las pocas horas. El maquillaje toma tres horas y media, y sólo resiste las siguientes cuatro o cinco horas. No anticipamos esos problemas".
Pollack mencionó su preferencia a trabajar con grandes estrellas en una entrevista con el New York Times en 1982.
"Las estrellas son como purasangre", dijo. "Sí, con ellos es algo más peligroso. Son más temperamentales. Tienes que ser cuidadoso, porque te pueden despedir. Pero cuando hacen lo que saben hacer -lo que quiera que sea que los convirtió en estrellas-, es realmente impresionante".
A veces, agregó, "si tienes una carrera como la mía, que está tan identificada con Hollywood, con los grandes estudios y las estrellas, te preguntas si no deberías descolgarte y hacer lo que el mundo piensa como películas más personales con actores menos conocidos. Pero creo que he engañado a todo el mundo. Siempre he hecho películas personales. Sólo que las hice de otro modo".
Presionado por Hoffman para ser el exasperado agente del personaje del actor en ‘Tootsie’, Pollack finalmente consintió en su primer papel para la gran pantalla desde su película inicial en 1962, ‘Soldado o cazador’ [War Hunt], en la que conoció a Redford, que también hacía su debut en el cine.
"Dustin insistió en que hiciera ese papel", contó Pollack al New York Times en otra entrevista en 1982. "Llegado un momento me envió incluso flores y una nota firmada con ‘Cariños, Dorothy’. La actuación misma era divertida. Si no la hubiera dirigido yo mismo, habrían sido unas grandes vacaciones. Pero hacerlo al mismo tiempo que la diriges, interfiere tu concentración".
Más tarde Pollack actuó en varias películas, incluyendo ‘Maridos y mujeres’ [Husbands and Wives], de Woody Allen, ‘El juego de Hollywood’ [The Player], de Robert Altman, ‘Ojos bien cerrados’ [Eyes Wide Shut], de Stanley Kubrick y la reciente película -nominada al Oscar- de Tony Gilroy, ‘Michael Clayton’. Pollack también actuó como actor invitado en series de televisión, como ‘Frasier’, ‘Will & Grace’ y ‘Los Soprano’ [The Sopranos].
"Actuar no me interesa mucho", dijo a la South Bend Tribune en 2002. "Es como mirar trabajar a otros directores".
Basinger, directora del departamento de estudios de cine en la Universidad Wesleyan en Middletown, Connecticut, y autora de numerosos libros sobre cine, dijo que Pollack "era un actor fabuloso, y entendía a los actores y como director extraía lo mejor de ellos".
"Es un hombre que podría haber sido él mismo una estrella de cine, si lo hubiera decidido, porque realmente es un buen actor", dijo, agregando que Pollack, que habló a los estudiantes de cine en Wesleyan varias veces, también "se preocupaba de la educación" y era un "profesor nato".
Las experiencias de Pollack como actor y como docente lo ayudaron a ganarse la reputación de ser un "director de actores".
"Habla un idioma que los actores pueden entender", dijo al USA Today de entonces Ed Harris, que hizo de agente del FBI en el thriller dramático de Pollack de 1993, ‘La tapadera’. "No te dice simplemente ‘apúrate’, o ‘cálmate’; hablará contigo sobre la situación".
Fonda, que ganó una nominación a un Oscar por su papel en ‘Baile de ilusiones’, dijo que la película fue "un punto decisivo para mí, tanto profesional como personalmente".
Bajo la guía de Pollack, dijo, "incursioné más profundamente en el personaje y en mí misma que nunca antes, y gané más confianza como actriz", escribió en su autobiografía, ‘My Life So Far’.
En una entrevista con Los Angeles Times de 1993, Pollack dijo que le gustaba hablar distendidamente con sus actores.
"Cuando empiezo una escena, yo digo: ‘No hagamos de esto una película’. Es mi modo de decirles que quiero que sea realista. No lo estás haciendo para que te miren. Lo estás haciendo solo. Les digo a los actores: ‘Miren ‘La cámara indiscreta’ [Candid Camera], sintonicen alguna otra cosa y vuelvan al programa. Verán lo falso que parece la actuación porque la verdadera acción a menudo significa no hacer nada’. Es así de simple. Los actores tienden a creer que si haces más, haces más".

Hijo de un farmacéutico, Pollack nació el 1 de julio de 1934, en Lafayette, Indiana, y se mudó con su familia a South Bend.
"Recuerdo todo eso con mucha tristeza", dijo sobre sus experiencias en South Bend en una entrevista con el New York Times en 1993. "Era realmente un desierto en términos de cultura. No había muchos judíos como nosotros, y eran antisemitas".
Sus padres se divorciaron cuando era todavía un niño, y su madre, que según dijo "tenía problemas emocionales y se convirtió en alcohólica", murió cuando Pollack tenía dieciséis. Aunque su padre quería que fuera dentista, Pollack dejó su casa después de terminar la secundaria y se trasladó a Nueva York para convertirse en actor. Después de estudiar con Sanford Meisner en la Neighborhood Playhouse School of the Theatre, Pollack se convirtió en ayudante de Meisner.
Pollack, cuya carrera fue interrumpida con su servicio en el ejército de 1957 a 1959, tuvo un pequeño rol en la comedia de Broadway de 1955, ‘The Dark Is Light Enough’, y apareció más tarde en ‘Playhouse 90’ y ‘United States Steel Hour’, así como en series como ‘Dimensión desconocida’ [The Twilight Zone] y ‘Revólver a la orden’ [Have Gun Will Travel].
Sin embargo, como actor, veía la enseñanza como su modo de ganarse el pan.
"Yo sabía que no iba a ser gran cosa como actor. Tal como veía las cosas, siempre sería el gilipollas de la fuente de soda o el amigo de un amigo", dijo al New York Times en 1993. "Yo enseñaba. Así me ganaba la vida".
El trabajo de Pollack como actor para el director John Frankenheimer en la adaptación de dos partes de ‘Por quién doblan las campanas’ [For Whom he Bell Tolls], de Ernest Hemingway en ‘Playhouse 90’, llevó a Frankenheimer a pedirle que trabajara como instructor de diálogos para dos niños en su producción de ‘Playhouse 90’ de ‘Otra vuelta de tuerca’ [Turn of the Screw].
A su vez, eso llevó a Pollack hacer un trabajo similar en Hollywood en la película ‘Los jóvenes salvajes’ [The Young Savages], de Frankenheimer, 1961, con Burt Lancaster.
"Lancaster me llamó a su oficina un día y me dijo: ‘Deberías ser director’. Le dije que yo no sabía nada sobre eso, así que me presentó a Lew Wasserman", entonces presidente de MCA, propietario de Universal Pictures, dijo Pollack al New York Times.
Poitier dijo a Los Angeles Times el lunes que trabajar con Pollack en ‘La vida vale más’ en 1965 fue "una gran experiencia". Pollack, dijo Poitier, "era joven y dotado y tenía mucho talento. Dejaría una marca increíble en la industria del cine americano".
En los siguientes años, Pollack dirigió episodios de series de televisión, como ‘El fugitivo’ [The Fugitive], ‘Los defensores’ [The Defenders], ‘Kraft Suspense Theatre’ y ‘El círculo de la noche’ [The Alfred Hitchcock Hour].
En 1966 ganó un Emmy por su dirección de ‘The Game’, un episodio de ‘Bob Hope Presents the Chrysler Theatre’. También fue nominado a un Emmy por su dirección de otro episodio de ‘Bob Hope Presents the Chrysler Theatre’‘ y de uno de ‘Ben Casey’.
Otras películas de Pollack como director son ‘Camino de la venganza’ [The Scalphunters] (con Lancaster), ‘La fortaleza’ [Castle Keep], ‘The Yakuza’, ‘Un instante, una vida’ [Bobby Deerfield], ‘Ausencia de malicia’ [Absence of Malice], ‘La tapadera’ [The Firm], ‘Sabrina’, ‘Caprichos del destino’ [Random Hearts] y ‘La intérprete’ [The Interpreter].
Su película más reciente, estrenada en Estados Unidos en 2006, fue un novedad: ‘Apuntes de Frank Gehry’ [Sketches of Frank Gehry], un documental sobre su amigo, el famoso arquitecto cuyo trabajo incluye el Museo Guggenheim de Bilbao, España, y el Walt Disney Concert Hall en Los Angeles.
El crítico de Variety, Todd McCarthy, describió el retrato del gigante de la arquitectura, filmada en parte con la propia cámara de mano de Pollack, "un rico recorrido por el mundo artístico de Gehry y el viaje que lo llevó hasta donde está hoy".
Pollack también hizo, como productor o productor ejecutivo, más de cuarenta películas, como ‘Presunto inocente’ [Presumed Innocent], ‘Los fabulosos Baker Boys’ [The Fabulous Baker Boys], ‘El talentoso Mr. Ripley’ [The Talented Mr. Ripley], ‘Regreso a Cold Mountain’ [Cold Mountain] y ‘Michael Clayton’.
La producción de la HBO, ‘Recuento’ [Recount] estrenada el domingo, fue producida por Pollack y Jay Roach. Debía dirigirla, pero se retiró del proyecto de dirección en agosto por problemas de salud.
Pollack, que co-fundó Mirage Productions en 1985, fue miembro fundador del Sundance Institute, presidente emérito de la Cinemateca Americana, miembro fundador de la Film Foundation, y miembro de la comisión de directores del Fondo de Cine y Televisión [Motion Picture and Television Fund].
Conoció a su esposa Claire en Neighborhood Playhouse, donde él enseñaba y ella estudiaba. Se casaron en 1958 y tuvieron tres hijos: Rebecca, Rachel y Steven. Steven murió en un accidente aéreo en 1993.
Le sobreviven seis nietos y un hermano, Bernie, un sastre de teatro de Hollywood.

dennis.mclellan@latimes.com
7 de junio de 2008
27 de mayo de 2008
©los angeles times
cc traducción mQh
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murió lawrence roman


Guionista de cine y televisión creó ‘Adán también tenía su manzana’. A los 86.
[Valerie J. Nelson] Murió Lawrence Roman, mejor conocido por la exitosa pieza de Broadway ‘Adán también tenía su manzana’ [Under the Yum-Yum Tree] y por adaptar la comedia al cine en 1963. Tenía 86 años.
Roman murió el domingo a causa de un derrame complicado por una insuficiencia renal en el Motion Picture & Television Country House and Hospital en Woodland Hills, informó su familia.
En su carrera de cincuenta años como guionista, Roman escribió más de veinte películas y teleteatros, incluyendo la adaptación al cine de ‘León de papel’ [Paper Lion], de George Plimpton, en 1968, y el guión original de ‘McQ’, una película con John Wayne de 1974.
También escribió el teleteatro ‘Semilla de libertad’ [The Ernest Green Story], que documentó un hito histórico en los derechos civiles y ganó un premio Peabody. La película de Disney Channel de 1993 cuenta la verdadera historia de uno de los nueve estudiantes afro-americanos que ingresaron a la escuela secundaria en Little Rock, Arkansas, en 1957, en el marco de la integración.
Después del debut de ‘Adán también tenía su manzana’ en Broadway en 1960, la reseña en el New York Times decía que Roman tenía "talento para mantener animados los diálogos" y elogiaba el retrato de Gig Young del propietario casanova.
Cuando la pieza iba en su tercer año en el Ivar Theater de Hollywood, Los Angeles Times observó en 1963 que la producción de cinco actores había tenido cinco repartos completos y lanzado más de una docena de carreras en el cine y la televisión.
En la versión fílmica, Jack Lemmon es el casero que trata de seducir a su inquilina, Carol Lynley, que vive con su novio.
"La pieza era bastante progresista para la época, porque mostraba viviendo juntos a un hombre y una mujer que no estaba casados", dijo Catherine, la hija de Roman. "Para él era muy importante estar al tanto de los asuntos sociales y políticos del momento. Eso fue lo que dio longevidad a su carrera".
Después de que ‘Adán también tenía su manzana’ en Broadway, Roman pudo mudarse desde una pequeña casa en Van Nuys a una casa construida según sus ideas en Encino, dijo su hija. Su esposa durante 62 años, Evelyn, todavía vive allí.

Nació el 30 de mayo de 1921 en Jersey City, Nueva Jersey, de padres inmigrantes rusos -Isadore Irving y Bessie Dora Roman- y se mudó con su familia a Los Angeles a principio de los años treinta. Su familia poseía la cadena de tiendas de abarrote Roman Markets.
Cuando estudiaba en la Universidad de California en Los Angeles, Roman siguió clases extracurriculares para escribir comedias con Edgar Bergen, que lo contrató brevemente para que escribiera chistes para su programa radial, informó Los Angeles Daily News en 1993.
Tras obtener su licenciatura en 1942, Roman sirvió en el ejército en la Segunda Guerra Mundial.
Empezó como escritor en la CBS Radio antes de dedicarse al teatro y al cine. Su primer guión para el cine fue ‘Vice Squad’ con Edward G. Robinson en 1953. Otros guiones de cine fueron ‘Un beso antes de morir’ [A Kiss Before Dying], con Robert Wagner, de 1956, y la película ‘Un cálido diciembre’ [A Warm December], 1973, con Sidney Poitier.
Entre las piezas para televisión de Roman se encuentra la adaptación de la autobiografía de Norman Cousin, ‘Anatomía de una enfermedad’ [Anatomy of an Illness], una película de la CBS de 1984 con Ed Asner.
Otras dos piezas de Roman se representaron en Broadway. La comedia ‘P.S. I Love You’, abrió brevemente en 1964 y veinte años más tarde ‘Alone Together’ se representó durante casi tres meses.
Fuera de Nueva York, ‘Alone Together’ encontró otro público. Se ha representado en todo Estados Unidos y ha gozado de popularidad en Europa. La pieza, sobre una pareja horrorizada por la llegada a casa de su hijo adulto, fue una versión literaria de su propia vida como padre, dijo Roman una vez.
Aparte de su esposa e hija, le sobreviven su hijo Steve y una nieta.

valerie.nelson@latimes.com
3 de junio de 2008
24 de mayo de 2008
©los angeles times
cc traducción mQh
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