Blogia
mQh

cine

murió fred haines


Guionista y director. A los 72. En 1968 fue nominado a un Oscar por su adaptación de ‘Ulysses’, la novela de James Joyce que estuvo largo tiempo prohibida en Irlanda.
[Mary Rourke] Murió Fred Haines, escritor y director que escribió, en colaboración, la adaptación al cine de la ‘Ulysses’, la novela fuertemente experimental de James Joyce, y escribió y dirigió la versión fílmica de ‘El lobo estepario’ [Steppenwolf], la atormentada novela de iniciación de Hermann Hesse. Tenía 72 años.
Haines murió en Venecia el cuatro de mayo por complicaciones de su cáncer al pulmón, informó John Crowther, un amigo de toda la vida.
Para la versión fílmica de ‘Ulysses’, Haine y el director Joseph Strick utilizaron casi exclusivamente la prosa del novelista y contrataron a actores irlandeses para los papeles protagonistas.
Las reseñas críticas fueron tibias, pero el guión fue nominado a un Oscar en 1968.
La película fue prohibida en Irlanda, lo mismo que lo había sido la novela en 1922, pero la censura irlandesa revertió su decisión en 2000 y aprobó la proyección de la película.
Su adaptación al cine de ‘El lobo estepario’, estrenada en 1974, se basó en la novela de 1927 que se convirtió en un clásico de culto en ciudades universitarias en los años sesenta.
El actor Max von Sydow representó a Harry Haller, que desafiaba a la sociedad burguesa con sexo, drogas y fantasías.
Los críticos admiraron el innovador uso del video y la animación, pero no mucho más que eso.

Haines nació en Los Angeles el 27 de febrero de 1936, y su familia se mudó más tarde a Tucson.
Se enlistó en la Armada en los años cincuenta y, después de su licenciamiento honroso, estudió en varias universidades. Estudió literatura en la Universidad de California en Berkeley.
A principios de los años sesenta estaba trabajando como director de la radio KPFK en Los Angeles cuando conoció a Strick, que le ayudó a conseguir un trabajo en el departamento de guiones de Columbia Pictures.
Haines también dirigió varios documentales.
Vivió durante un tiempo en Dublín, donde dirigió algunas piezas de teatro para Stage One, un teatro marginal allá.
Su primer matrimonio, con Dede Wright, terminó en divorcio en 1961.
Se casó luego con Frances McCormack. Se divorciaron en 2000.
Le sobreviven sus hijos Regan y Sean; y dos nietos.

mary.rourke@latimes.com

3 de junio de 2008
22 de mayo de 2008
©los angeles times
cc traducción mQh
rss

murió earle hagen


Muere Earle Hagen, compositor de famosas series de la televisión de Estados Unidos.
Earle Hagen, que compuso la música para algunas de las más exitosas series de televisión de EE.UU., murió en Los Ángeles a los 88 años de edad, informaron fuentes de su familia.
Hagen, ganador de un premio Emmy, compuso los temas de ‘The Andy Griffith Show’, ‘The Dick Van Dyke Show’ y ‘I Spy’, series clásicas de la televisión de Estados Unidos.
También estuvo involucrado en la orquestación de películas como ‘Los caballeros las prefieren rubias’ [Gentlemen Prefer Blondes] con Marilyn Monroe y ‘Tango & Cash’, además fue nominado una vez al Oscar.
Hagen murió en su residencia de Rancho Mirage el lunes después de estar postrado en su cama durante varios meses, informó su esposa Laura.
Antes de entrar a la televisión, Hagen fue trombonista en bandas musicales de gran éxito en los decenios de 1940 y 1950, como la de Tommy Dorsey, la de Benny Goodman y la de Ray Noble.
Entró a la televisión en 1953 después de trabajar durante siete años como arreglador y orquestador de la 20th Century Fox y durante más de tres décadas se dedicó exclusivamente a componer la música para alrededor de tres mil episodios de series de televisión así como de programas pilotos.
"No tengo dudas de que Earle Hagen fue uno de los compositores más importantes en la historia de la televisión, sino el más importante", señaló al diario Los Ángeles Times Jon Burlingame, autor del libro ‘Los más grandes éxitos de la televisión’, una crónica sobre la música en la televisión de Estados Unidos.
Elouise Sidwell, una cantante de las grandes bandas musicales de EE.UU., y su esposa durante 59 años, murió en 2002.
Además de su viuda Laura, con la que contrajo matrimonio en 2005, le sobreviven dos hijos, tres hijastros y cuatro nietos.

28 de mayo de 2008
©la tercera
rss

bollywood ya no es un sueño


Para las castas inferiores, Bollywood ya no es un sueño inalcanzable.
[Emily Wax] Bombay, India. Con un currículum con el listado de sus actuaciones de teatro popular en el campo y un puñado de retratos algo borrosos, Birendra Paswan llegó a esta atiborrada ciudad desde su pueblo rural en Bihar, uno de los estados más pobres de India, y preguntó: "¿Dónde está Bollywood?"
Paswan, 33, es un dalit, miembro de una de las castas más marginadas de India. Los dalit son a menudo zapateros, barrenderos y aseadores de servicios; rara vez se da con uno de ellos en la industria del cine más grande del mundo. Sin embargo, ese día debajo de las gigantescas vallas publicitarias que mostraban a estrellas del cine indio pregonando caros relojes y coches, Paswan decidió que Bollywood era lo mejor para él.
"Parte de mí pensó: ‘¿Cómo voy a sobrevivir en ese mundo? No tengo las maneras ni el apellido’", dijo Paswan, un hombre extrovertido con grandes ojos en forma de almendras. "Pero tenía tantas ganas de trabajar en películas indias".
Para los indios no es fácil desprenderse de las ataduras de las castas, un orden jerárquico de tres mil años de antigüedad en el que la condición social y las profesiones se heredan como el color de los ojos o la estatura. Pero Bollywood, como Bombay misma, es un lugar donde los jóvenes indios encuentran cada vez más oportunidades de reinventarse a sí mismos.
Hoy, un goteo de actores, bailarines y guionistas de castas inferiores y medias de India están tratando de abrirse camino en el antes impenetrable mundo de las estrellas, lleno de actores de la dinastía de Bollywood y otros miembros reclutados entre familias de casta superior. Las nuevas escuelas de teatro están educando a indios de todas las castas. Y Bollywood está empezando a abordar tramas más serias en las que, potencialmente, podrían trabajar actores de castas inferiores.
"¿Te prestarán más atención si tienes el apellido correcto y eres miembro de una familia establecida de estrellas de cine? Por supuesto", dijo Anupama Chopra, crítico de cine y autor de varios exitosos libros sobre Bollywood. "Pero hay cada vez mayor espacio para una próspera industria del cine de Bollywood, y el sentimiento de que si tienes suficiente talento, quizás se fijen en ti, sin que importen tus vínculos familiares".
En toda India los dalit y miembros de otras castas inferiores están luchando por obtener acceso a planes de educación de mejor calidad y trabajos mejor pagados. La economía es próspera y los indios de castas inferiores -a menudo reconocibles por sus apellidos, lugar de nacimiento o condición de los padres- quieren participar de esa riqueza, o al menos de la oportunidad.
Algunos aspirantes provenientes de castas inferiores dicen que ahora tienen más confianza. Hay más movilidad social que nunca, dice, y Bollywood está viviendo su cuota de cambio.
"Para la gente joven en algunas partes de India hay algo nuevo en el aire", dijo Trisha Karmakar, 24, miembro de una casta inferior que se mudó a Bombay desde el pobre y populoso estado de Uttar Pradesh. "Es una sensación de que las castas inferiores tienen al menos una pequeña posibilidad y que no es sólo para los hijos de estrellas que tienen padrinos y que son siempre llamados".
Karmakar, hablando hace poco en un barrio sobre el arte de actuar y las academias de baile, los salones de belleza y las casas de empeño, dijo que todavía no tenía ningún papel. Pero dijo que está a punto de conseguir uno en un culebrón.
"Aunque la posibilidad sea pequeña, aquí estamos, y estamos soñando los grandes sueños de Bollywood", dijo. "Ya no somos mendigos, cartoneros o tiradores de bicitaxis desesperados. Ahora somos bailarinas, cantantes y actrices dramáticas desesperadas".

Aspiraciones y Retos
Ir a los teatros con aire acondicionado es ahora un popular pasatiempo nacional sin paralelos en la historia del país, especialmente entre jornaleros de casta inferior que trabajan bajo el agobiante sol de India -en la construcción, en la agricultura, como peones de campo y vendedores de fruta. Para los indios, la mayoría de los cuales vive con menos de dos dólares al día, la mezcla de drama y baile es el último escape.
Tan queridas son las estrellas de cine indias que hay templos hindúes nombrados en homenaje a sus ídolos de matiné. Las manifestaciones políticas incluyen siempre a estrellas de Bollywood. Algunos líderes políticos son ex actores. Y en teatros de ciudades pequeñas, el público se involucra tanto en los melodramas -a menudo de cuatro horas- que silban, aplauden, imitan movimientos de baile y cantan las canciones.
"India es realmente un lugar especial para el cine. Después de la religión, es lo que más ocupa la mente y la imaginación de la gente", dice Barry John, profesor de teatro de toda la vida que abrió hace poco una academia de actuación en Bombay. "Será muy difícil que gente de familias más pobres logren el estrellato, casi imposible. Pero el punto es que ahora tienen esperanzas".
Debido a que el cine es una parte tan importante de la vida india, tiene el poder de cambiar las ideas y, a menudo, proporciona un espacio para que el país digiera esos cambios, dicen activistas dalit.
"Los dalit no tienen especio en la industria del cine, excepto como espectadores", dijo Swathy Margaret, un dalit de Hyderabad que está trabajando para sacar su doctorado en estudios de cine indio. "En las películas, las castas inferiores no son las protagonistas. En la pantalla sólo presencian los altibajos en la vida de gente de las castas superiores".
Los estereotipos sobre las castas inferiores todavía inundan la industria, especialmente en el retrato de los dalit, que se conocía antes como los intocables. La gente de casta inferior son criados leales y sufridos. Son desagradables cocheros. Son los amantes prohibidos, que sólo merecen piedad, si es que son mencionados alguna vez.
En la Ciudad del Cine de Bollywood, un enorme recinto de galpones lleno de estudios de cine, algunos directores insisten en que la casta no importa. Dicen que es un vestigio de la antigua India y que a los actores nunca se les pregunta sobre el tema.
Una de las estrellas de cine más queridas de Bollywood, Shahrukh Khan, es un musulmán de clase media sin conexiones con la industria del cine. Es a menudo mencionado como un ejemplo de cómo el carisma y el sex appeal pueden vencer las conexiones y la religión en un país donde los musulmanes son una minoría.
Pero otros dicen que pretender que la casta ya no es un factor no reconocen los filtros sociales que impiden que miembros de las castas inferiores lleguen a las puertas de un estudio de cine o de una cara academia de actuación.
"Existe la opinión entre las castas superiores urbanas de que la mayoría de India -con lo que quieren decir la India de castas inferiores del campo- ya no es importante y que puede ser ignorada completamente", dice Shyam Benegal, padre del cine-arte indio, conocido por sus galardonadas películas sobre las castas. "Para mí decir que en India no hay pobreza denota un sentido exagerado de autoestima. Es una grave negación de un problema cuando esa realidad no se incluye en los guiones. El cine es muy poderoso y muy importante para enseñar empatía".
Después de los esfuerzos de Mohandas K. Gandhi para terminar con la discriminación de casta en los años treinta y más tarde durante los setenta, hubo una tendencia en la producción de películas basadas en las castas. Pero tan pronto como el país abrió sus mercados al mundo en los años noventa, esas películas se convirtieron en un viejo capítulo en el cine indio. Explotó el consumismo, y las tramas sobre indios que vivían en el extranjero se pusieron de moda.
"Es el sueño americano convertido en el sueño indio lo que vemos en nuestra cine", dijo Benegal. "La gente que vive en chozas quiere ver películas sobre gente que vive en mansiones. Las historias terminan en el país de nunca jamás, con alguna familia india rica viviendo en Escocia o quién sabe dónde. Pero eso sólo consolida el sistema de castas. No promueve el cambio social".

Un Poco de Optimismo
En la academia de actuación de Barry John, estudiantes de castas inferiores y medias aspiran a convertirse en las nuevas estrellas de Bollywood. Pero tienen que hacer sacrificios.
Antes de llegar a Bombay, dijeron muchos, cambiaron sus nombres, porque en India los apellidos son como tarjetas de visita de las castas. Otros han usado cremas para blanquearse la piel, porque la piel más clara denota en algunas partes de India la pertenencia a una casta superior.
Durante los recreos en la academia, cuando los estudiantes de castas superiores se dirigen hacia el Cafe Coffee Day, la versión india de Starbucks, los estudiantes de castas inferiores van al puesto chai más barato, dijeron. Ahorran dinero para el autobús, mientras que sus compañeros de estudios llegan en bicitaxis o en taxis.
Pese a las dificultades, hay algo de optimismo entre las castas inferiores. Un día hace poco, un grupo de ellos se reunió en un brillante estudio de ensayo. Era una mezcla de castas y clases de todo el sudeste asiático, incluyendo los trópicos de Goa, los desiertos de Rayastán y las calles de Hyderabad. También había un estudiante de Pakistán.
El estudiante de Goa dijo que estaba tan inspirado por la diversidad y tan abatido por las restricciones de casta que había cambiado su nombre para incorporar las tres religiones de la región. Ahora se llama Vishal John Khan.
"Por primera vez en la historia de India, nuestra generación tiene muchas más esperanzas de derribar cosas como el sistema de castas", dijo, sentado debajo de carteles de cine indio. "Tenemos que seguir tratando. Y si algo puede unir a India, ese algo es nuestro cine".
Para Paswan, el dalit del estado de Bihar, no fue tan fácil. Después de llegar a Bombay, pasó meses soportando que lo rechazaran de las oficinas de Bollywood. "Yo esperaba y esperaba durante días", dijo. "Pero nadie tomaba ni mis ideas ni mis talentos".
Determinado a continuar insistiendo, empezó a trabajar como escritor y actor en películas en Bhojpuri, una industria de cine regional fuera de Bombay, pero popular en su estado. En los últimos años las películas Bhojpuri se han hecho tan populares que incluso actores de Bollywood han empezado a aparecer en la rentable y cara industria de Bihar.
Hace poco llamaron a Paswan por teléfono.
"Un director de cine indio me llamó para que trabajara y escribiera para Bollywood", contó hace poco, su voz resquebrajándose por la emoción. "Me sentí muy orgulloso".
Empezó a escribir guiones y diálogos para varias películas de Bollywood, incluyendo una comedia de próxima aparición. El mes pasado decidió empezar el primer grupo de apoyo para jóvenes actores dalit que llegan a Bombay. El grupo también seguirá sus carreras y servirá como una asociación de ayuda.
"Quiero que para los dalit el futuro sea mejor", dijo Paswan.
Ayudar a otros dalit a entrar a Bollywood sería como "realizar un sueño de toda la vida", dijo. "Sólo tienen que conocer a los directores correctos. Creo que si el cine de Bollywood y de India nos reconoce, India misma también aprenderá a respetarnos".

27 de mayo de 2008
27de abril de 2008
©washington post
cc traducción mQh
rss

murió joseph miko


Filmó la Revolución Húngara de 1956, y tuvo que huir del país. A los 87.
[Dennis McLellan] Murió Joseph S. Miko, un ex camarógrafo cuyas cintas sobre la Revolución Húngara de 1956 fueron sacadas clandestinamente de Budapest y son consideradas componentes importantes de los archivos documentales de la histórica insurrección nacional contra la opresión soviética. Tenía 87 años.
Miko murió el 28 de abril, de cáncer a la sangre, en el Centro Médico de la UCLA, informó su hijo Joe.
Propietario retirado de tiendas de cámaras y artículos electrónicos en Santa Monica y Manhattan Beach, Miko fue obligado a abandonar Hungría con su familia después de captar en película la breve revolución.
Parte del metraje que filmó Miko de las masivas manifestaciones y enfrentamientos en las calles de Budapest fue mostrado en ‘The 20th Century’, una serie documental de la CBS narrada por Walter Cronkite. Más de cuatro décadas después, Miko y sus cintas fueron incluidos en un episodio del especial de cuatro partes de History Channel, ‘Caught on Film’.
Las cintas de Miko, que guardó durante décadas en su garaje antes de donar 177 minutos al Archivo Húngaro Nacional del Cine en 1993, también fueron utilizadas en los recientes documentales ‘Freedom’s Fury’ y ‘Torn From the Flag’.
"Miko es una de las figuras más reconocidas e instrumentales en la historia de la Revolución Húngara", dijo Klaudia Kovacs, productora y co-directora de ‘Torn From the Flag’ (2007).
Como otros húngaros que captaron la revolución en película, dijo Kovacs, Miko "arriesgó su vida" y al hacer así "mostró algo que no se suponía que debía ser mostrado".

Egresado de la estatal Academia de Teatro y Cine de Budapest, Miko trabajó a veces como camarógrafo de noticiarios de cine. El 23 de octubre de 1956 estaba volviendo de una locación cuando vio una marcha de estudiantes universitarios.
"Siempre llevaba consigo un cámara de 35 milímetros, y cuando entró a la ciudad y vio la marcha y demostración de los estudiantes, los empezó a filmar", contó su hijo al Times.
Desde la calle y tejados, Miko captó dramáticas imágenes, que mostraban cómo aumentaban los manifestantes y llenaban la enorme plaza.
Filmó a los manifestantes atacando con un martillo una estatua derribada del ex dictador soviético José Stalin y cortando con un cuchillo un emblema del Partido Comunista de la bandera húngara -y más tarde captó a un grupo de manifestantes corriendo por sus vidas mientras miembros de la policía secreta les disparaban.
Cuando las manifestaciones se convirtieron en enfrentamientos a toda escala, Miko recorrió la ciudad en el asiento trasero de la moto de un amigo y filmó a los manifestantes armándose a sí mismos y arrojando bombas incendiarias contra los tanques soviéticos que habían entrado a la ciudad para sofocar la revolución.
"Quiero que Occidente vea lo que está ocurriendo en Hungría... Quizás puedan ayudarnos de alguna manera", dijo Miko en el programa de History Channel.
En una impresionante toma captada después de que los manifestantes tomaran la sede del Partido Comunista, Miko mostró el cuerpo de un funcionario del partido que fue asesinado y luego colgado en la calle.
Continuó filmando después de la retirada de las tropas soviéticas, cuando los húngaros quemaban propaganda comunista y destruían símbolos rusos en los edificios. Y estuvo ahí con su cámara el cuatro de noviembre cuando los soviéticos volvieron con refuerzos y aplastaron rápidamente la revolución. Se estima que murieron unos dos mil quinientos manifestantes.
El hijo de Miko dijo que su padre entregó las cintas que había filmado a su suegro, "que las hizo llegar clandestinamente, poco a poco, a la embajada norteamericana".
Miko también escondió copias de las cintas en su armario en el estudio de cine. Varios días después en los alrededores del estudio, contó en el programa de History Channel, se encontró con colegas que le advirtieron no entrar porque los rusos lo estaban esperando, y no volver a casa porque sabían dónde vivía.
Pero volvió a casa, y le dijo a su mujer Eva que tenían que marcharse del país.
"Le dijo a mi madre que él tenía que marcharse o que sería capturado, arrestado, encarcelado y probablemente ejecutado", dijo el hijo de Miko, que entonces tenía ocho años. "Mi madre dijo: ‘No vamos a separarnos; nos iremos juntos’".
"Mis padres me despertaron, metieron algunas cosas en una mochila, y nos marchamos en mitad de la noche".
La estación de trenes, contó, "estaba llena de gente con las mismas intenciones. Pudimos meternos en el vagón del correo, lo que resultó ser una bendición".
Cuando el tren se encaminaba hacia la frontera austríaca, dijo, fue detenido repetidas veces por patrullas rusas, y muchos de los pasajeros fueron detenidos.
Pero cada vez que el tren paraba, dijo, la gente escondida en el vagón del correo reunía dinero para dárselo al encargado del vagón como "incentivo" para que convenciera a los soldados de que no había motivos para revisar el vagón.
Cuando llegaron a un pequeño pueblo cerca de Austria, la familia de Miko y unos treinta pasajeros más pagaron a un hombre de la localidad para que les guiara y cruzar la frontera.
Después de cruzar, parte del grupo fue capturado. Pero la familia de Miko siguió caminando durante horas y finalmente llegaron a Viena. "Sin tener dónde ir y sin dinero", dijo el hijo de Miko, fueron aceptados por un hombre que apenas hablaba húngaro.
Cuando llamó desde Viena a amigos en Budapest, Miko se horrorizó al enterarse de que los soviéticos habían encontrado y confiscado las cintas en su armario, y las estaban usando para identificar a los manifestantes.
"Me sentí muy mal porque no había pensado en ello", dijo en el programa de History Channel. "Montones de personas terminaron en la cárcel debido a mis cintas, así que pensé que había causado mucho daño".
El hijo de Miko dijo que la embajada norteamericana en Budapest sacó las cintas de Hungría por valija diplomática.
"El gobierno norteamericano hijo una copia de las cintas para su propio servicio de inteligencia, lo que ayudó a que nos transportaran en avión hacia Estados Unidos", dijo.
Miko se mudó a Los Angeles. No pudo encontrar trabajo en la industria del cine, así consiguió empleo en un taller de herramientas y troqueles.
Antes de comprar una tienda de cámaras en Santa Monica a principios de los años sesenta, trabajó en películas independientes de bajo presupuesto, incluyendo ‘The Sadist’. Fue el operador de cámara del thriller de 1963, cuyo camarógrafo era un amigo de Hungría que también había filmado la revolución: Vilmos Zsigmond, que llegaría a ganar un Oscar por su trabajo en ‘Encuentros cercanos del tercer tipo’ [Close Encounters of the Third Kind].
Décadas después, Miko recibió el premio Logros de Excelencia del gobierno húngaro por su trabajo sobre la revolución, además de la medalla Héroe de la Libertad y la Cruz de la Orden del Mérito.
En Hungría, donde nació en un suburbio de Budapest el seis de agosto de 1920, sus cintas son conocidas como ‘The Miko Collection: A Historial Document and a National Treasure’.
Además de su hijo, le sobreviven su segunda esposa, Victoria; y dos nietos.

dennis.mclellan@latimes.com

27 de mayo de 2008
11 de mayo de 2008
©los angeles times
cc traducción mQh
rss

murió joy page


En ‘Casablanca’, Bogart le dijo: "Vuélvete a Bulgaria". A los 83.
[Dennis McLellan] Murió Joy Page, hija adoptiva del jefe de los estudios Warner Bros., Jack L. Warner, que se ganó un lugar en la historia del cine como la joven búlgara recién casada de ‘Casablanca’. Tenía 83 años.
Page murió el viernes por complicaciones con un derrame y neumonía en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Angeles, informó su hijo Gregory Orr.
La actriz era una alumna de diecisiete de la Escuela Secundaria Beverly Hills cuando consiguió el papel de Annina Brandel en ‘Casablanca’, el clásico de 1942 en el que actúa Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Paul Henreid.
Cuando la refugiada recién casada que necesita visas de modo que ella y su marido puedan marcharse de Casablanca hacia Estados Unidos, el personaje se enfrenta al dilema moral de tener que entregarse al capitán Renault (Claude Rains) a cambio de los documentos. Pero Bogart, como el mundano propietario de Rick’s Cafe Americain, interviene haciendo que su marido gane en la ruleta de manera que pueda comprar los visados.
Fue la primera película de Page.
Aunque su padre adoptivo, el magnate del cine, no estaba entusiasmado con que un miembro de la familia se convirtiera en actriz, Page había estado asistiendo a clases de actuación en el estudio, que impartía Sophie Rosenstein, que sugirió que leyera el guión.
Page había leído un primer borrador del guión de ‘Casablanca’ que Warner había llevado a casa y no estaba muy impresionada.
"Me dijo que pensaba que era cursi y anticuada", dijo Orr.
Pero después de enterarse de que Bergman era parte del reparto de la película, dijo que había cambiado de opinión.
"Pensó que eso lo cambiaba todo, que sería valiosa y auténtica por la participación de Bergman en ella", dijo Orr, agregando que su madre "estaba muy entusiasmada con la experiencia" de hacer ‘Casablanca’.
"Dijo que Bogart había sido muy amable con ella, que era muy paciente y que ensayaba con ella. Y ella admiraba mucho a Ingrid Bergman", dijo.
Aunque Warner se mostró contento con la actuación de Page en la película, no le ofreció un contrato con el estudio ni la contrató para otras películas de Warner Bros.

Representó a la hija de Ronald Colman en ‘El príncipe mendigo’ [Kismet], del director William Dieterle, una fastuosa aventura de fantasía de la MGM de 1944, con Marlene Dietrich.
Entre las otras películas de Page se encuentran ‘Man-Eater of Kumaon’, con el actor indio Sabu (1948), ‘Tarde de toros’ [Bullfighter and the Lady], con Robert Stack (1951) y ‘Tortura’ [The Shrike], con José Ferrer y June Allyson, (1955).
Page también trabajó en televisión, incluyendo ‘Schlitz Playhouse of Stars’, ‘Studio 57’, ‘Cheyenne’, ‘Wagon Train’ y ‘The Swamp Fox’, antes de retirarse de la actuación en 1962.

Nació el 9 de noviembre de 1924, en Los Angeles, como hija del actor de cine mudo Don Alvarado (que también era conocido como Don Page) y Ann Boyar, que se casó con Warner después de que ella y Alvarado se divorciaran.
En 1945 Page se casó con el actor William T. Orr, que más tarde fue vicepresidente y productor de Warner Bros. Se divorciaron en 1970.
Además de su hijo, la sobreviven su hija Diane Corr y su hermanastra Barbara Warner Howard.

dennis.mclellan@latimes.com

2 de mayo de 2008
24 de abril de 2008
©los angeles times
cc traducción mQh
rss

murió kate phillips


Actriz que fue una de las guionistas de ‘La masa devoradora’ [The Blob]. A los 94.
[Dennis Hevesi] Murió el 18 de abril en Keene, New Hampshire, Kate Phillips, que se distinguió sobre todo en roles secundarios en Broadway y en más de cincuenta películas en los años treinta y cuarenta, y que más tarde fue una de las guionistas de la película de horror de 1958, ‘La masa devoradora’ [The Blob]. Tenía 94 años.
Su muerte fue confirmada por Lawrence Benaquist, presidente de estudios de cinematografía en la Universidad de Keene. Phillips, conocida durante su carrera como actriz como Kay Linaker, enseñó en la universidad desde 1980 hasta hace dos años.
En 1956, cuando trabajaba con Thedore Simonson en el guión de una película que se supone se titularía ‘The Molten Meteor’, Phillips se refirió como ‘el pegote’ a la gigantesca y gelatinosa criatura de otro planeta que había caído en un terreno en las afueras de un pequeño pueblo. Al oírla, los productores decidieron cambiar el título de una película que se convertiría en un clásico del cine de culto.
‘La masa devoradora’‘ fue el primer papel protagonista del joven Steve McQueen como uno de los adolescentes cuyas advertencias sobre el voraz apetito del monstruo que no dejaba de crecer son ignoradas hasta que mucha gente desaparece engullida por este.
"Steve McQueen y yo recibiríamos ciento cincuenta dólares más el diez por ciento de los beneficios", dijo Phillips en una entrevista para la Encyclopedia of Arkansas History & Culture (Phillips era de Pine Bluff, Arkansas). "Ninguno de los dos recibió ese porcentaje -aunque la película y su remake hicieron millones-, pero aparecí en los créditos como guionista y Steve se convirtió en una estrella".
Aunque Phillips normalmente tuvo sólo pequeños roles en su carrera como actriz de teatro y cine, en 1936 trabajó con Conrad Nagel en ‘The Girl From Mandalay’, sobre un hombre que se casa con una animadora de balneario después de que su novia en Inglaterra se aburre de esperarlo.
Otro de sus papeles más memorables fue como una dama de sociedad que se casa con el ex marido de Ginger Rogers en la película ‘Espejismo de amor’ [Kitty Foyle]. En la película visita unos elegantes grandes almacenes donde la espera su contraparte de clase trabajadora, inconsciente de lo que tienen en común. Tuvo también roles pequeños en ‘Corazones indomables’ [Drums Along the Mohawk] (1939); ‘Sangre y arena’ [Blood and Sand] (1941); y cinco entregas de películas de ‘Charlie Chan’.

Mary Katherine Linaker nació el 19 de julio de 1913. Estudió en la Academia Americana de Artes Dramáticas en Nueva York durante el día mientras seguía cursos vespertinos en la Universidad de Nueva York. Tras egresar, firmó un contracto con la Warner Bros. Había llamado la atención de cazatalentos por su trabajo en Broadway.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Phillips se unió a la Cruz Roja, donde trabajó como anfitriona de clubes U.S.O. También empezó a escribir para Voice of America. En esa época conoció y se casó poco después con Howard Phillips, un cantante y escritor que se convirtió más tarde en ejecutivo de la NBC.
Su marido murió antes que ella. La sobreviven un hijo, Bill, de El Cerrito, California; una hija, Regina Paquette, de Keene; y cuatro nietos.
En julio de 2003, Phillips viajó a Phoenixville, Pensilvania, para celebrar el festival anual de la película ‘La masa devoradora’. Como siempre, cientos de fans de películas B repiten el pánico y escapada del Colonial Theater de la película, provocado por la criatura gelatinosa en una escena filmada hace más de cinco décadas.

2 de mayo de 2008
©new york times
cc traducción mQh
rss

murió sofiko chiaureli


Actriz. Tuvo seis roles en ‘El color de las granadas’.
[Tom Birchenough] Actriz. Tuvo seis roles en ‘El color de las granadas’. El 1 de marzo murió en su ciudad natal de Tbilisi, por causas naturales, la conocida actriz de teatro y cine de Georgia, Sofiko (Sofía) Chaiureli. Tenía setenta años.
Su padre Mikheil fue un director de cine que hizo películas propagandísticas como ‘La caída de Berlín’ [The Fall of Berlin], en 1949, y era partidario de Stalin; su madre fue una famosa actriz de teatro.
Durante décadas Chiaureli fue la cara de Georgia en el cine de la Unión Soviética, mientras que en el mundo del cine debutó en 1957 en la película ‘Our Courtyard’, de Rezo Chkeidze, que fue presentada en Cannes.
Esa película fue una de las que marcaron la aparición de una nueva ola georgiana, claramente influida por el neo-realismo. También dio a conocer a una nueva generación de talentosos directores, con los que la actriz también trabajaría, y entre ellos su primer marido Georgy Shengelaya. Actuó en la película de 1977, ‘El árbol del deseo’ [The Wishing Tree], de Tengiz Abuladze, y en la película de su primo Georgy Daneliya, ‘Don’t Grieve’, de 1969.
Chiaureli estudió en la principal academia de cine de Moscú, la VGIK, en 1960, y rechazó ofertas de trabajo de teatros de Moscú para volver a Tbilisi, donde entró a la compañía de Mardzhanishvili Drama Theater, quedándose allá hasta casi el fin de su vida, excepto por los cuatro años que trabajó en la compañía de teatro rival, Rustaveli Drama Theater, entre 1964 y 1968.
Sus papeles en el teatro cubrieron todo el repertorio, desde las clásicas hasta piezas contemporáneas, nativas e internacionales; se recuerdan especialmente sus interpretaciones de Sófocles. En 2000 montó un teatro para monólogos llamado Veriko en su residencia de familia en Tbilisi, con su segundo marido Kote Makharadze, un respetado actor de teatro que en la Unión Soviética era mejor conocido como comentarista de fútbol. Murió hace seis años.
Su posterior fama internacional la obtuvo como musa del director armenio-georgiano Sergei Paradzhanov. En su ‘El color de las granadas’‘ [The Color of Pomegranates], de 1970, tuvo nada menos que seis roles, y más tarde colaboró en ‘La leyenda de la fortaleza de Suram’ [The Legend of the Suram Fortress], de Paradzhanov, en 1984, y en la última película del director, ‘Ashik Kerib’, en 1988.

1 de mayo de 2008
4 de abril de 2008
©variety
cc traducción mQh
rss

murió larry pizer


Murió camarógrafo Larry Pizer. Filmó ‘Morgan’ y ‘The Europeans’.
El 27 de febrero murió en Nueva York, de cáncer, el camarógrafo británico Larry Pizer, conocido por películas como ‘Morgan, un caso clínico’ [A Suitable Case for Treatment] y ‘The Europeans’.
Pizer fue director de fotografía de más de treinta largometrajes y películas para la televisión, así como del video musical de Bruce Springsteen, ‘Bailando en la oscuridad’ [Dancing in the Dark], dirigida por Brian De Palma. También fotografió ‘El fantasma del paraíso’ [The Phantom of the Paradise], de De Palma, con Paul Williams.

Nacido en Londres, Pizer empezó su carrera en el cine en el Alexander Korda Studios en Denham, trabajando primero como ordenanza en ‘Paralelo 49’ [49th Parallel], de Michael Powel, y en ‘Mayor Barbara’ [Major Barbara], e incorporándose luego al departamento de cámara en ‘El gran Mitchell’ [First of the Few] y ‘The Gentle Sex’, de Leslie Howard. Luego ascendió a primer asistente de cámara, hasta que entró a la armada británica a los dieciocho. Después de la Segunda Guerra Mundial continuó su carrera haciendo documentales británicos.
Su primer largometraje importante como camarógrafo fue ‘The Party’s Over’, de Guy Hamilton, 1960, con Eddie Albert. Pizer fue un pionero por su trabajo con locaciones más realistas y por sus experimentos con nuevas herramientas que caracterizaron su estilo.
Trabajó en ‘Four in the Morning’ y ‘The Optimists’, con Peter Sellers, con el director Anthony Simmons, que dijo que "Pizer hizo muchas innovaciones en las técnicas de iluminación y en el estilo del trabajo de cámara. La gente ha observado que rara vez se vio Londres tan bien en el celuloide. En ambas películas es difícil distinguir entre locaciones y escenas de estudio, gracias a la sutileza de la iluminación".
El crítico de cine David Robinson, del Times de Londres, dijo que "películas como ‘Todas las noches a las nueve’ [Our Mother’s House], ‘Four in the Morning’, ‘Isadora’ y ‘The Optimists’ han ganado mucho con su capacidad para captar el carácter de paisajes particulares, para convertir sus atributos físicos en un estilo y ambiente".
Entre sus otras películas se encuentran ‘La propietaria’ [The Proprietor] e ‘In Custody’, de Ismail Merchants, ‘Esto no es amor’ [This Can’t Be Love] y ‘La última solución de Grace Quigley’ [Grace Quigley], de Anthony Harvey, y los proyectos de televisión ‘I’ll Take Manhattan’ y ‘¿Dónde están los niños?’ [Where Are the Children?]
Le sobreviven dos hijas, dos nietos y su compañera de toda la vida, Jackye Roberts.

26 de abril de 2008
8 de abril de 2008
©variety
cc traducción mQh
rss