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murió dick berg

mqh - 07 de septiembre de 2009 - 00:09 - cine

Guionista de cine y productor, Berg fue pionero del formato para televisión. Ayudó a lanzar las carreras de los directores Sidney Pollack y Mark Rydell. Tres de sus hijos trabajan en la industria del espectáculo; otro es biógrafo.

[Dawn C. Chmielewski] Murió el martes, tras una caída en su casa en Los Angeles, el productor y guionista de cine y televisión Dick Berg. Tenía 87 años.
Pionero del formato de películas para televisión que revolucionó la programación televisiva en los años setenta, Berg ayudó a formar toda una generación de jóvenes directores, incluyendo a Sydney Pollack, Mark Rydell, Robert Ellis Miller y Stuart Rosenberg. También fue patriarca de una prominente familia de Hollywood, con tres hijos que siguieron sus pasos en el mundo de la industria del espectáculo y un cuarto que se convirtió en un famoso escritor de biografías.

Richard J. Berg nació en Nueva York el 16 de febrero de 1922 y creció en Nueva Rochelle, Nueva York.
Tras estudiar en la Universidad Lehigh en 1942, viajó a Hollywood con la idea de trabajar como actor o productor y encontró trabajo como director de diálogos para Roy Rogers y otros dos vaqueros actores en Republic Pictures.
Después de varios años, Berg volvió a la Costa Este, donde dirigió la Poor Richard’s Art Gallery y trabajó en Paint Bucket, una tienda de artículos de arte en Westport, Connecticut. Por las noches y los fines de semana, empezó a escribir guiones para la televisión en vivo durante los últimos años de su edad dorada. Más de una docena de sus dramas originales aparecieron en series como ‘Kraft Television Theatre’, ‘Robert Montgomery Presents’, ‘Studio One’ y ‘Playhouse 90’ a fines de los cuarenta y cincuenta. Una de ellas, ‘The Drop of a Hat’, fue adaptada para el teatro y llamó la atención de los Hecht-Hill-Lancaster Studios, que llevaron a Berg a Hollywood en 1957, como guionista.
En los años siguientes, Berg trabajó en numerosos guiones para MGM y 20th Century Fox antes de que Universal Studios le ofreciera un contrato de largo plazo. Empezó creando la serie de detectives ‘Johnny Staccato’, con John Cassavetes como protagonista.
Aunque no dejaba de escribir guiones, en los años sesenta Berg pasó la mayor parte del tiempo en la producción de programas de televisión en Universal, empezando con la serie de detectives ‘Checkmate’, sobre una agencia de investigación en San Francisco que trataba de proteger a personas amenazadas por criminales.
Con la desaparición en Nueva York de la televisión en vivo, Berg trató de recrear la excitación de los primeros días del medio produciendo ‘Alcoa Premiere’ y ‘Bob Hope Presents the Chrysler Theatre’, una antología dramática para la que contrató a escritores como William Inge y J. P. Miller para los guiones originales. Esta mezcla de teatro, espectáculo de variedades y eventos especiales atrajo a actores como Robert Redford, Simone Signoret, Anne Bancroft, Rod Steiger, Cliff Robertson, Jason Robards Jr. y Lee. J. Cobb.
A fines de los años sesenta Berg produjo algunas películas, incluyendo ‘Castillo de naipes’ [House of Cards], con George Peppard y Orson Welles, y ‘Una tumba al amanecer’ [Counterpoint], con Charlton Heston y Maximilian Schell como protagonistas.
Pero su pasión era la televisión, debido a su ritmo más rápido y audiencias más numerosas.
Durante los siguientes treinta años, Stonehenge Productions, de Berg, produjo decenas de películas para la semana y miniseries para la televisión comercial y por cable.
La mayoría poseía algún valor histórico o relevancia social, y muchas eran adaptaciones de libros exitosos -‘Wallenberg’, con Richard Chamberlain; ‘Space’, de James Michener; ‘Crónicas marcianas’ [The Martian Chronicles], de Ray Bradbury; ‘La palabra’ [The Word], de Irving Wallace; ‘Un rumor de guerra’ [A Rumor of War], de Philip Caputo; y ‘Pronto’, de Elmore Leonard, entre otras.
Los primeros trabajos de Berg en la televisión le forjaron una larga amistad con otro colega escritor que trataba de introducirse en el oficio. Rod Serling, con el que jugaría pádel y rumí todos los sábados en la mañana.
"Se contaban chistes y bromeaban todo el tiempo", dijo la viuda de Serling, Carol. "Tenían una amistad muy profunda que duró muchos, muchos años".
El actor Cliff Robertson dijo que pasaba a menudo a visitar a Berg en su casa -era la excepción a la regla de que los actores no deben meterse con la familia.
Robertson describió a Berg como una persona positiva que nunca perdió su juvenil entusiasmo por su trabajo.
"Incluso cuando se hizo más viejo, nunca perdió ese optimismo", dijo.
Robertson dijo que tenía un profundo afecto por Berg, con el que compartía un cierto desdén por lo que describió como los aspectos "menos creativos" de la industria del espectáculo.
"Amaba mucho a su familia", dijo Robertson. "No participaba en el lado más alegre de Hollywood".
El hijo de Berg, A. Scott Berg, ganador de un premio Pulitzer, dijo que su padre alentaba a sus hijos por el ejemplo. Algunos de sus recuerdos más vívidos tienen que ver con su padre, encorvado sobre el escritorio, escribiendo en hojas amarillas tamaño oficio con un lápiz número 2.
"Crecí con esa imagen del escritor en su oficio. Eso era mi padre para mí. Para mis hermanos, era más un productor en acción", dijo Scott Berg. "Siempre nos decía: ‘Chicos, no se metan en el negocio del espectáculo’. Y nos guiñaba un ojo, porque sabíamos que él adoraba su oficio y sabíamos que lo hacía bien".
Berg fue dos veces presidente del capítulo Hollywood de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión. En 2000, el Instituto de Cine Americano lo galardonó con el Charles Fries Producer of the Year Award por sus contribuciones a la profesión.
Además de su hijo Scott, le sobreviven su esposa durante 63 años, Barbara; sus tres hijos -Jeff, que es presidente de la agencia de talentos International Creative Management; Tony, productor y ejecutivo discográfico; y Rick, gerente y productor; y siete nietos.

6 de septiembre de 2009
3 de septiembre de 2009
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murió john quade

mqh - 06 de septiembre de 2009 - 14:44 - cine

Actor de carácter, especializado en roles de matón. Quade actuó en varias películas de Clint Eastwood, incluyendo ‘Duro de pelar’ y ‘El fugitivo Josey Wales’, y fue el sheriff Biggs en la serie de televisión ‘Roots’.

[Dennis McLellan] Murió John Quade, un veterano actor de carácter que se especializaba en roles como matón, que apareció en varias películas de Clint Eastwood, incluyendo ‘Duro de pelar’ [Every Which Way But Loose] y su secuela ‘La gran pelea’ [Any Which Way You Can]. Tenía 71 años.
Quade murió el domingo, por causas naturales, durmiendo, en su casa en Rosamond, cerca de Lancaster, informó su esposa Gwen Saunders. En una carrera de más de dos décadas en cine y televisión que empezó a fines de los años sesenta, Quade tuvo roles de carácter en numerosas series de televisión y en películas como ‘Papillon’, ‘El golpe’ [The Sting], y en las películas de Clint Eastwood, ‘La venganza del muerto’ [Infierno de cobardes; High Plains Drifter] y ‘El fugitivo Josey Wales’ [The Outlaw Josey Wales]. También fue el sheriff Biggs en la miniserie de televisión de 1977, ‘Roots’.
"Todos lo recuerdan por ‘Duro de pelar’ y ‘La gran pelea’", dijo el miércoles la esposa de Quade. "Fue Chola, el jefe de una banda de moteros. Fue el momento cómico de la película, porque era una banda de moteros torpes".
Aunque el nombre de Quade puede no ser conocido para muchos cinéfilos, su rostro sí lo era. De hecho, su cara estaba destinada para papeles de matón.
"Era uno de los hombres más buenos que te puedes imaginar, pero se veía malo y vicioso", dijo su esposa. "Se veía como alguien que podía matar a cualquiera o causar estragos en cualquier momento, pero era un enorme oso de peluche: le encantaban los niños, aunque ellos le tenían miedo.
"Su cara realmente resaltaba, incluso en una multitud. Debía cuidarse de no empañar las escenas por su aspecto. En la primera película que hizo con Clint Eastwood, Clint lo contrató por su cara y después le dijo que pensaba que John venía con un bono extra, porque sabía actuar".

Nacido como John William Saunders III el 1 de abril de 1938, en Kansas City, Kansas, Quade llegó a California en 1964. "Durante un tiempo estuvo trabajando con misiles y en la industria aeroespacial", contó su esposa. "Construyó unos elementos que todavía están en la luna".
Un día, contó su esposa, "estaba en un restaurante con un grupo de amigos y un tipo lo vio y le dijo: ‘¿No has pensado en actuar?’"
"Tenía que ser su cara, porque no podía ser otra cosa".
Quade estaba trabajando en una obra de teatro en Hollywood en 1968 cuando un director de reparto lo vio y lo contrató para su primera serie de televisión, en un episodio de ‘Bonanza’.
Además de su esposa durante 38 años, le sobreviven seis hijos -John Saunders IV, Joseph Saunders, Steven Saunders, Heather Clark, Katherine Adame y Rebecca Saunders; su madre, Norma; dos hermanos, Merlin y Robert; dos hermanas -Joyce Copeland y Norma Jean Anderson; y diez nietos.

6 de septiembre de 2009
13 de agosto de 2009
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murió john hughes

mqh - 01 de septiembre de 2009 - 19:49 - cine

Director y guionista de películas para adolescentes de los años ochenta. Sus películas mostraban respeto y comprensión de los adolescentes, y dirigió filmes como ‘Dieciséis velas’, ‘El club de los cinco’ y ‘Todo en un día’. Escribió el guión de ‘Solo en casa’.

[Dennis McLellan] Murió John Hughes, el influyente director y guionista que captó el humor y la angustia de la experiencia adolescente, al estilo de los años ochenta, en exitosas películas como ‘Dieciséis velas’ [Sixteen Candles], ‘El club de las cinco’ [The Breakfast Club] y ‘Todo en un día’ [Un experto en diversión; Ferris Bueller’s Day Off]. Tenía 59 años.
Hughes, que vivía en una granja en Illinois del Norte y se alejó de Hollywood hace más de diez años, murió de un ataque al corazón durante un paseo matinal en Manhattan, donde se encontraba visitando a su familia en Nueva York, informó la portavoz Michelle Bega.
Publicista y escritor para la revista National Lampoon, en los años ochenta Hughes se convirtió en rey de la comedia como guionista de películas para adolescentes que entendía lo que era ser adolescente con una inclinación por los parias y los geeks .
"Estoy realmente consternado y entristecido por la noticia sobre mi viejo amigo John Hughes", dijo el jueves el actor Matthew Broderick, que fue protagonista de la comedia ‘Todo en un día’, de 1986. "Era un hombre maravilloso, muy talentoso, y lo lamento mucho por su familia".
El actor Macaulay Culkin, que fue protagonista de la comedia escrita por Hughes en 1990, ‘Solo en casa’ [Home Alone], dijo: "Yo era un fan tanto de su trabajo como de él como persona. El mundo ha perdido no solamente a un director por excelencia cuya influencia se hará sentir durante generaciones, sino también a un hombre decente y fenomenal".
Hughes ya había escrito las exitosas comedias ‘Mr. Mom’ y ‘Vacation’, de National Lampoon, cuando tuvo su debut como guionista y director, con ‘Dieciséis días’, la película de 1984 con Molly Ringwald como chica de secundaria cuyos padres olvidan que cumple dieciséis años.
Ringwald fue una de las jóvenes estrellas -llamadas las Brat Pack- que se hicieron famosas con las películas de Hughes, como Anthony Michael Hall, Ally Sheedy, John Cusack, Emilio Estévez, Robert Downey Jr. y Judd Nelson.
Diciendo que estaba "anonadada e increíblemente triste" de enterarse de la muerte de Hughes, Ringwald dijo en una declaración que "fue y será siempre una parte muy importante de mi vida. Lo extrañaremos -yo lo extrañaré y todos los que le conocieron".

En una entrevista de 1985 con el crítico de cine del Chicago Tribune, Gene Siskel, Hughes dijo que muchos directores "retratan a los adolescentes como ignorantes e inmorales con objetivos que son bastante bellacos. Parecen pensar que los adolescentes no son demasiado inteligentes. Pero yo creo que no es así. Yo escucho a los chicos. Los respeto. No los paso por alto por el solo hecho de tener dieciséis años".
Aunque las películas de Hughes mostraban las tribulaciones adolescentes a la vez como drama y farsa, sus personajes eran emocionalmente honestos y eran reconocidos instantáneamente por el público.
En sus películas los jóvenes eran normalmente dolorosamente tímidos, y a menudo sonaban más como adultos cuando discutían sus circunstancias sociales y las jerarquías de la escuela secundaria, y su visión particular de la adolescencia influyó a toda una generación de guionistas y directores.
El escritor y director de comedias Judd Apatow dijo al Times en 2008: "John Hughes definió algunos de los personajes marginales más grandes de todos los tiempos. Es bastante ridículo oír hablar a gente sobre las películas que hemos estado haciendo, como si el humor y la ternura fueran una idea original. Quiero decir, todo eso lo hizo primero John Hughes".
Apatow dijo en una declaración el jueves que sentía "como si hubiera muerto una parte de mi infancia. Nadie me hizo reír tanto ni tan a menudo como John Hughes".
En 1999, el crítico de cine Elvis Mitchell escribió sobre Hughes que "nadie antes escribió sobre la crisis de la adolescencia como si fuera una tragedia que perturbaba al mundo mientras se acercaba el milenio.
"Su combinación de refinamiento y crueldad, junto con el más inteligente uso de música contemporánea que un director haya introducido consistentemente en sus películas, convenció de manera brillante a un público que sintió que nunca antes había visto sus propias experiencias en la pantalla".
Otras de sus películas dirigidas y escritas por él fueron ‘Ciencia loca’ [Weird Science], ‘Mejor solo que mal acompañado’ [Planes, Trains & Automobiles], ‘La loca aventura del matrimonio’ [She’s Having a Baby], ‘Solos con nuestro tío’ [Uncle Buck] y, en 1991, su última película como director, ‘La pequeña pícara’ [Curly Sue].
Algunos de los guiones escritos por Hughes fueron ‘La chica de rosa’ [Pretty in Pink], ‘S.O.S. Ya es Navidad’ [Christmas Vacation], ‘Daniel el Travieso’ [Dennis the Menace], ‘Una maravilla con clase’ [Some Kind of Wonderful] y ‘101 dálmatas’ [101 Dalmatians].
Steve Martin, que protagonizó ‘Mejor solo que mal acompañado’, describió a Hughes como un "gran director, aunque era más talentoso como guionista. Creaba personajes profundos y complejos, ricos en humanidad y con sentido del humor".

Hughes volvió a Chicago en 1995 y desde entonces no se dejó ver demasiado. "Es el J.D. Salinger de nuestra generación", dijo al Times el director Kevin Smith este año. "Conmovió a una generación y luego el tío se marchó".
Bruce Berman, presidente y director ejecutivo de Village Roadshow, que fue el ejecutivo a cargo de la producción en Universal y Warner Bross cuando trabajó con Hughes, dijo que Hughes "se alejó porque no le gustaba el sistema de trabajo de los estudios. Todo bien considerado, creo que pudo haberse quedado todo el tiempo que hubiese querido".
Pero Berman, que habló por última vez con Hughes el año pasado, cree que lo que lo retenía en Chicago "es que ganaba suficiente dinero como para no tener que ver nunca más con Hollywood".

Hughes nació el 18 de febrero en 1950, en Lansing, Michigan. Cuando tenía trece, su familia se mudó a un suburbio de Chicago, donde ambientó muchas de sus películas.
Después de abandonar sus estudios en la Universidad de Arizona a los veinte, Hughes se convirtió en un corrector de pruebas en una agencia de publicidad en Chicago y empezó a escribir chistes para Rodney Dangerfield y otros cómicos.
Era director creativo en la agencia Leo Burnett cuando aceptó una posición en la revista National Lampoon, para la que había estado trabajando como independiente.
Su primer guión para la revista fue la comedia ‘Reunión de clase’ [Class Reunion], en 1982.
Le sobreviven su esposa durante los últimos 39 años, Nancy; sus hijos John y James; y cuatro nietos.

Susan King y Valerie J. Nelson contribuyeron a este artículo.

1 de septiembre de 2009
7 de agosto de 20097
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murió budd schulberg

mqh - 30 de agosto de 2009 - 21:35 - cine

Autor de ’¿Por qué corre Sammy?’ Su triunfo más importante fue ‘La ley del silencio’.

[Dennis McLellan] Murió Budd Schulberg, que denunció el lado oscuro de la ambición americana con su aclamada novela sobre Hollywood ‘¿Por qué corre Sammy?’ [What Makes Sammy Run?] y ganó un Oscar por su guión, que describe cómo la mafia controla el sindicato de estibadores en la clásica película ‘La ley del silencio’ [On the Waterfront]. Tenía 95 años.
Schulberg, que fue miembro del Partido Comunista y le hicieron el vacío en Hollywood después de sus delaciones ante al Comité de Actividades Antiamericanas del Congreso a principio de los años cincuenta, falleció de muerte natural el miércoles en su casa en Westhampton Beach, Nueva York, informó su esposa Betsy a la Associated Press.
En una carrera como guionista que se extendió durante más de seis décadas y reflejó un fuerte compromiso social, Schulberg escribió novelas, cuentos, guiones de películas, obras de teatro, telenovelas y libros de ensayos.
Entre sus trabajos más conocidos se encuentran la novela de 1947,’Más dura será la caída’ [The Harder They Fall], una descripción del boxeo profesional que fue llevada al cine en 1956, co-escrita por Schulberg, con Humphrey Bogart en su último papel; la novela ‘El desencantado’ [The Disenchanted], de 1950, basada libremente en la experiencia de Schulberg cuando colaboró en un guión de cine con F. Scott Fitzgerald; el guión de ‘Un rostro en la multitud’ [A Face in the Crowd], la película dirigida por Elia Kazan en 1957, sobre un lírico trotamundos de Arkansas (el primer papel cinematográfico de Andy Griffith) que se convierte en un tirano hambriento de poder después de convertirse de la noche a la mañana en una sensación de la televisión nacional.
También fue un columnista de diario sindicado, el primer redactor de boxeo en la revista Sports Illustrated y columnista de la revista Fight Game y otras publicaciones sobre boxeo.
Fue un aficionado al boxeo toda la vida, y sus libros incluyen ‘Loser and Still Champion: Muhammad Ali’ (1972), ‘Sparring With Hemingway: And Other Legends of the Fight Game’ (1995), una selección de sus ensayos; y ‘Ringside: A Treasury of Boxing Reportage’ (2006).

Grandes Éxitos
El mayor logro de Budd Schulberg fue ‘La ley del silencio’. Su Oscar al mejor guión fue uno de los ocho que ganó la película en 1954, incluyendo las nominaciones de Kazan como mejor director, Eva Marie Saint como mejor actriz secundaria y Marlon Brando como mejor actor.
Sin embargo, Schulberg dijo una vez que su orgullo más grande fue haber sido el fundador y director del Watts Writers Workshop. Iniciado en 1965 después de los disturbios en Los Angeles ese año, el taller se prolongó hasta 1971 y organizó talleres en otras ciudades.
"No quería simplemente cruzarme de brazos y quejarme de las cosas", dijo más tarde Schulberg a la revista People. "Pensé que todos debíamos hacer algo. Conocí a grandes poetas, grandes corazones en las cenizas de Watts".

Hijo de B.P. Schulberg, el poderoso jefe de producción de Paramount Pictures en los años veinte y principios de los treinta, Budd Schulberg irrumpió en la escena literaria en 1941, a sus veintisiete, con su primera novela ‘¿Por qué corre Sammy?’
Un vívido retrato de un descarado y amoral estafador del Lower East Side de Nueva York que se hace camino desde chico de los recados en un diario hasta productor de Hollywood, la novela es considerada una de las mejores sobre Hollywood, y el nombre del traicionero antihéroe de Schulberg, Sammy Glick, se hizo sinónimo de la ambición sin límites.

Libro Horrible
Considerada como una salvaje acusación contra la industria del cine, la novela suscitó de inmediato la ira de Hollywood. Como lo dijo Schulberg una vez: "De un día para otro fui famoso y odiado a la vez".
La columnista de cine Hedda Hopper, tras encontrarse con Schulberg en un restaurante de Hollywood, le dijo enfadada: "¿Cómo te atreves?"
Un furioso Samuel Goldwyn, para el que Schulberg estaba entonces trabajando como guionista, lo despidió debido a "ese horrible libro".
El jefe del estudio MGM, Louis B. Mayer, no solamente denunció el libro en una reunión de la Asociación de Productores de Cine, sino también sugirió que Schulberg debía ser deportado, ante lo cual B.P. Schulberg se echó a reír y dijo: "Louie, es solamente un novelista que llegó de Hollywood. ¿Adónde lo quieres deportar, a la Isla Catalina?"
John Wayne despreciaba tanto la imagen negativa que ofrecía Schulberg de la industria cinematográfica en el libro y, sin duda, las posiciones políticas de izquierdas de Schulberg, que se dice que nunca dejó de atacar al autor las veces que topó con él.
La venganza de Wayne se volvió finamente física cuando él y Schulberg se encontraron casualmente en Puerto Vallarta, México, y el actor retó al escritor a una pelea a puñetazos a medianoche. Wayne, de un metro 95, logró aplicar una llave de cabeza al mucho más pequeño Schulberg, que provocó que la entonces mujer de Schulberg, la actriz Geraldine Brooks, los separara.
El encontronazo con Wayne fue uno de los muchos memorables incidentes en la vida de Schulberg -que también estuvo a punto de agarrarse a puñetazos con Ernest Hemingway en Key West cuando Hemingway puso en duda que Schulberg supiera algo sobre boxeo; fue contrincante, en broma, de Muhammad Ali cuando este estaba en Zaire; y acompañó al senador Robert F. Kennedy en la cocina del Hotel Ambassador en Los Angeles la noche del asesinato de Kennedy.

Schulberg nació en Nueva York el 27 de marzo de 1914. Su padre, que era guionista y productor de cine, se mudó con su familia a Hollywood en 1922 cuando Schulberg, el mayor de tres hermanos, tenía ocho años. Adeline, la madre de Schulberg, se convirtió en una reputada dama de la sociedad hollywoodense y más tarde en agente literario.
B.P. Schulberg, que fue socio con Mayer del ahora olvidado Mayer-Schulberg Studio cerca del centro de Los Angeles, llegó a ser vicepresidente a cargo de producción en Paramount en 1925.
La familia vivía en una mansión en el exclusivo barrio de Windsor Square. Schulberg era un niño tímido, que tartamudeaba y criaba palomas mensajeras. Empezó a escribir de niño.
Pero era auténticamente un niño de la élite de Hollywood cuyo patio de juego eran los estudios y platós de Paramount y MGM.
En Paramount, Schulberg y su mejor amigo, Maurice Rapf, hijo del ejecutivo de MGM Harry Rapf, fueron soldados de la Legión Extranjera en el fuerte abandonado de ‘Beau Geste’. En MGM observaron el rodaje de las escenas con la carrera de carruajes para el original de ‘Ben Hur’ y, escondidos, arrojaron higos podridos al desfile de estrellas de MGM, dándole de lleno a Greta Garbo.
Cuando Schulberg era adolescente, no era inusual que Gary Cooper se hiciera tiempo en el estudio para charlar con él o que Cary Grant llegara en su descapotable Model A para regalarle un nuevo perro.
Y Schulberg debe haber sido el único niño en Estados Unidos que vendía revistas en una esquina en la calle después de ser dejado ahí en una limusina con chofer, diseñada siguiendo el modelo de un carruaje del siglo dieciocho.
Schulberg captó esos primeros días en ‘Moving Pictures: Memories of a Hollywood Prince’, en sus memorias de 1981 sobre la vida con su padre, uno de los pioneros del cine.

Buscando Favores
Pero el escritor desdeñaba a Hollywood, que el público tenía como la capital del glamour pero que para el "niñito de B.P.", como se le llamaba, veía como el pueblo de una empresa.
"Si te hubieses criado en Hollywood, no te sería difícil enfadarte con las cosas que verías a tu alrededor", dijo Schulberg a la revista People en 1989. "La gente se acercaba a mí cuando yo era niño -de once, doce o trece años: una actriz que quería un favor de mi padre, un escritor que quería que yo hablara sobre él. Todo eso era lo que yo vivía. Cuando me mimaban, yo sabía por qué".
La dorada vida de Schulberg se empaño en 1931 cuando su padre, un apostador y mujeriego, se marchó de la casa para vivir con su último descubrimiento, la actriz Sylvia Sidney.
Para entonces, Schulberg, de diecisiete, estaba trabajando en el departamento de publicidad de Paramount, escribiendo biografías ficticias sobre las estrellas de la compañía.
Después de obtener su diploma de bachiller en el Dartmouth College, de Hanover, Nueva Hampshire, en 1936, Schulberg volvió a Hollywood, donde pasó los siguientes tres años como aprendiz de guionista para los productores David O. Selznick, Walter Wanger y Sam Goldwyn. Entre sus encargos debió escribir diálogos adicionales para ‘Ha nacido una estrella’ [Nace una estrella; A Star Is Born] y colaborar con Fitzgerald en el guión de ‘Carnaval de invierno’ [Winter Carnival].
Schulberg ya había publicado cuentos en revistas cuando se mudó a Nueva Hampshire en 1939 para escribir ‘¿Por qué corre Sammy?’
En sus últimos años, Schulberg lamentó que su trabajo se hubiera convertido en "un manual para yuppies", que aparentemente había acogido el credo de Schulberg de éxito a todo precio. "Vivir la vida y tener conciencia es como conducir un coche con los frenos puestos", dice Sammy en un momento en la novela.
En la Armada durante la Segunda Guerra Mundial, Schulberg fue miembro de la unidad de documentales del director John Ford. Tras la capitulación de Alemania, Schulberg pasó seis meses estudiando las películas secretas alemanas buscando evidencias visuales de crímenes de guerra.
El escritor fue miembro del Partido Comunista de 1936 a 1939. Más tarde dijo que se había desilusionado con el partido en la época del pacto Hitler-Stalin y dejó el partido después de que miembros del partido en Hollywood trataran de dictarle cómo debía escribir ‘¿Por qué corre Sammy?’
En su comparecencia ante el Comité de Actividades Antiamericanas en 1951, Schulberg nombró a diecisiete personas que dijo que había conocido en el Partido Comunista.
"No fue algo agradable", dijo sobre su delación en una entrevista de 2000 con el Hollywood Reporter. "Pensaba que aunque no me gustaba que el comité fuera de extrema derecha, no creía que fuera sano que una organización secreta controlara al Gremio de Guionistas. Estaba mal y estaba socavando la democracia".
Muchos opinaron que con el guión de ‘La ley del silencio’, en la que un estibador (Brando) declara valientemente en una audiencia pública de una comisión contra la delincuencia en los muelles contra el violento mafioso que controla el sindicato de trabajadores portuarios, era una alegoría de los testimonios de Kazan y Schulberg durante la investigación del comité sobre la influencia comunista en Hollywood.
Kazan no rechazó el paralelo y escribió en su autobiografía que había puesto su "historia y mis sentimientos en la pantalla para explicar mi delación". Pero Schulberg negó enérgicamente que ‘La ley del silencio’, fuera una apología de su testimonio.
"Es un completo sin sentido", dijo al Chicago Tribune en 1994, diciendo que había acogido la oportunidad de denunciar al Partido Comunista ante el comité.
Al escribir ‘La ley del silencio’, dijo, "me interesaban las condiciones sociales en los muelles y en ofrecer una historia verosímil, no en justificar mi posición. ¿Te puedes imaginar a Kazan pidiéndome que escribiera algo para justificar nuestros testimonios? Es una vergüenza que una imprecisión como esa se haya convertido en un ‘hecho’, cuando no puede ser más erróneo".

Negación Corroborada
Un profesor de la Universidad de Fordham apoyó la negación de Schulberg diciendo al New York Times en 2003 que había encontrado una temprana versión del guión de ‘La ley del silencio’ entre los papeles de Schulberg que tenía un tema similar, pero había sido escrito antes de su testimonio en el Congreso.
Sobre aquellos que ven vínculos entre ‘La ley del silencio’ y su testimonio, Schulberg dijo a Chicago Tribune: "Déjales que digan lo que quieran, pero se están perdiendo el punto de la película, que no giraba sobre la delación sino sobre hombres que se enfrentaban a la mafia por sus derechos en los muelles. Estoy orgulloso de la película por un montón de razones: Prevalecimos sobre la enorme resistencia de los estudios y logré hacerla, y también probamos que podíamos entretener al público y decir algo que creíamos".
Le sobrevive Betsy, su cuarta esposa.

30 de agosto de 2009
6 de agosto de 2009
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murió harry alan towers

mqh - 25 de agosto de 2009 - 21:21 - cine

Prolífico productor de cine de culto.

Falleció el 2 de agosto, en Toronto, por una insuficiencia cardiaca, el prolífico productor y guionista de cine B, Harry Alan Towers, que hizo más de cien películas con titanes como Christopher Lee y el director Jess Franco. Tenía 88 años.
Conocido por sus prácticas a veces cuestionables, Towers fue uno de los primeros en usar técnicas que más tarde devendrían corrientes en la industria cinematográfica internacional: rodar en locaciones remotas y de bajo presupuesto; contratar a actores europeos para abarcar varios mercados nacionales; la preventa de derechos para paquetes de películas en el mercado de películas de Cannes; y el uso de materiales de dominio público para abaratar costes.
Durante los años sesenta y setenta, Towers escribió y produjo decenas de películas, presentadas a veces bajo el nombre de Peter Welbeck. Entre los actores que trabajaron con él se encuentran Orson Welles, Michael York, Michael Caine, Richard Harris, James Earl Jones y Tony Curtis.
Towers rodó a menudo en locaciones como África del Sur, Irlanda y Bulgaria para películas como ‘El regreso de Fu Manchú’ [The Face of Fu Manchu], ‘Eran diez indiecitos’ [Ten Little Indians], ‘Llanto por la tierra amada’ [Cry the Beloved Country] -la clásica adaptación sudafricana- y ‘Las aventuras de Jack London’ [Klondike Fever].
Las películas de bajo presupuesto eran frecuentemente adaptaciones literarias de escritores como Arthur Conan Doyle, Edgar Allan Poe, Agatha Christie y Edgar Wallace.
Su asociación con el productor y guionista italiano Franco redundó en películas que se han convertido en clásicos del cine de culto, como ‘Paroxismus’ [Venus in Furs], ‘Eugenie’, ‘Marqués de Sade: Justine’ [Marquis de Sade: Justine] y ‘El juez sangriento’ [Night of the Blood Monster].
Capitalizando en la necesidad de videos de la industria durante los años ochenta y principio de los noventa, Towers proporcionó un constante flujo de películas como ‘El fantasma de la ópera’ [The Phantom of the Opera] y ‘Danza macabra’ [Dance Macabre], con Robert Englund, y ‘Warrior Queeen’ y ‘Delta Force 3’.

Towers empezó como niño actor en Gran Bretaña. Durante la Segunda Guerra Mundial escribió para la radio mientras servía en la Real Fuerza Aérea. Después de la guerra, él y su madre empezaron una compañía llamada Towers of London para vender programas radiales sindicados en todo el mundo, y más tarde produjeron numerosos programas para la televisión británica, incluyendo ‘La pimpinela escarlata’ [The Scarlet Pimpernel] y ‘Cuentos de Charles Dickens’ [Tales From Dickens].
Su agente literario Albert T. Longden, dijo que estaba escribiendo su autobiografía. Hasta hace poco, había trabajado en una adaptación de ‘Moll Flanders’.
Le sobrevive su esposa, la actriz Maria Rohm.

25 de agosto de 2009
2 de agosto de 2009
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murió armando del moral

mqh - 25 de agosto de 2009 - 15:24 - cine

Periodista cinematográfico español. Contribuyó a instituir los premios Globo de Oro.

El 21 de julio falleció, de muerte natural, el periodista cinematográfico español Armando del Moral, que contribuyó a instituir los premios Globo de Oro y fue funcionario de la Asociación de Corresponsales Extranjeros en Hollywood del Norte. Tenía 93 años.
Refugiado de la guerra civil española, del Moral abandonó España para radicarse en México en 1939, donde cubrió los primeros años de la industria cinematográfica mexicana. Tras mudarse a Estados Unidos en 1943, empezó a escribir sobre Hollywood, entrevistando a estrellas como Elizabeth Taylor, Kirk Douglas, Marlon Brando y John Wayne, así como a celebridades mexicanas como Cantinflas.
Como vicepresidente de la Asociación de Corresponsales Extranjeros de Hollywood, la predecesora de la organización de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, fue anfitrión y presentador de varias ceremonias de entrega de los premios Globo de Oro. Del Moral también fue representante en Hollywood del Asociación Nacional de Actores (ANDA), y supervisaba los contratos internacionales de los actores mexicanos que trabajaban en Hollywood.
Además del periodismo, dirigió la campaña publicitaria en español de la película ‘Pepe’ (1960) de George Sidney, escribió artículos publicitarios para Walt Disney y fue consultor para ‘Los siete magníficos’ [The Magnificent Seven]. Según contaría después, mientras trabajaba en la sinopsis en español de ‘Psicosis’ [Psycho] de Alfred Hitchcock, recordó que le fue muy difícil lograr que el director pronunciara correctamente los diálogos en español.
Escribió y editó la revista Cine-Gráfica, que cubría la escena social y el mundo del espectáculo en español en Los Angeles, durante más de treinta años. Del Moral trabajó también en la televisión y radio en español locales, escribiendo y produciendo el culebrón de los años cincuenta ‘María Elena’ y presentando programas de KMEX y KXLA.
Le sobreviven una hija y dos hijos.

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murió leela naidu

mqh - 20 de agosto de 2009 - 05:36 - cine

Actriz de Bollywood, protagonista de ‘La joven pareja’ y ‘Trikaal’.

[Shalini Dore] El 28 de julio falleció en Bombay después de una larga enfermedad la ex reina de belleza y actriz Leela Naidu.
Aunque sólo actuó en diez películas, incluyendo ‘La joven pareja’ [The Householder] (1963), de Merchant Ivory, dejó su huella en Bollywood.

Hija de madre irlandesa y padre indio, Naidu ganó el concurso de belleza Miss India en 1954 y fue considerada por Vogue como una de las diez mujeres más bellas del mundo.
Su primera película fue ‘Anuradha’, de Hrishkesh Mukherjee, que compitió en el festival de Berlín en 1961, con música de Ravi Shankar. Pero su papel más famoso fue el de esposa adúltera en ‘Yeh raaste hain pyaar ke’, de 1963, basada en un caso real.
Después de algunas desilusiones dejó el mundo del cine, al que volvió en la película del director Shyam Benegal, ‘Trikaal’, en 1985. Su última película fue ‘Luna eléctrica’ [Electric Moon], de 1992.
Se casó con el heredero hotelero Bikki Oberoi, del que se divorció. Se casó posteriormente con Dom Moraes, que murió en 2004.

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mqh - 20 de agosto de 2009 - 03:09 - cine

La actriz de Tarzán también apareció en ‘Vinieron las lluvias’.

[Pat Saperstein] Falleció el 4 de julio, en Santa Monica, la actriz Brenda Joyce, que fue Jane en cinco películas de ‘Tarzán’ y la única actriz que trabajó con dos tarzanes diferentes: Johnny Weissmuller y Lex Barker. Tenía 92 años. Sufría de demencia.
Descubierta en la secundaria en 1939, Joyce hizo de Fern frente a Tyrone Power, Myrna Loy y George Brent en la lujosa adaptación de ‘Vinieron las lluvias’ [The Rains Came], de Louis Bromfield.
Variety elogió su actuación, diciendo que "la novata Joyce... destaca con una actuación consistente como una sincera y romántica adolescente, obsesionada con Brent".
Joyce, que fue conocida primero como Betty Laftina Leabo, trabajó en varias películas de la 20th Century Fox durante los años cuarenta, ganándose la reputación de ser la "Cenicienta" de Fox. Apareció en ‘Un extraño en la casa’ [Here I Am a Stranger], ‘El despertar de una ciudad’ [Little Old New York] y ‘Maryland’, con Walter Brennan y Fay Bainter.
A fines de los cuarenta, Joyce protagonizó con Weissmuller varias películas de ‘Tarzán’, incluyendo ‘Tarzán y las amazonas’ [Tarzan and the Amazons] y ‘La Tarzán y la mujer leopardo’ [Tarzan and the Leopard Woman]. En 1949 apareció con Barker en su última película, ‘Tarzán y la fuente mágica’ [Tarzan’s Magic Fountain].
Tras su carrera cinematográfica, Joyce, que cambió su nombre a Betty Ward, se mudó a Washington, D.C., donde trabajó en el Servicio de Inmigración de Estados Unidos, posición sobre la que dijo que fue "el trabajo más satisfactorio de mi vida".
Le sobreviven dos hijas y un hijo.

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