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murió charles lane


[Claudia Luther] Era una cara familiar en cientos de papeles para el cine y la televisión. A los 102.
Murió Charles Lane, el anónimo y sin embargo familiar personaje que se especializaba en representar a divertidos excéntricos en cientos de papeles para la televisión y el cine que se remontan hasta principios de los años treinta. Tenía 102 años. De acuerdo a su hijo Tom, Lane murió el lunes noche en su casa en Brentwood.
Aunque su nombre lo conocían sólo unos pocos, su rostro de rasgos marcados y desgarbada presencia fueron reconocibles para generaciones de cinéfilos como el hombre que soportaba apenas a los zopencos que se cruzaban en su camino como en películas como ‘Caballero sin espada' [Mr. Smith Goes to Washington] (como periodista), ‘Qué bello es vivir' [It's a Wonderful Life] (el cobrador del alquiler), ‘Vive como quieras' [You Can't Take It With You] (un agente de Impuestos Internos), ‘No Time for Sergeants' (el chofer de la junta de reclutamiento) y cientos de otras películas en las que hizo de tendero, profesor, juez, oficinista, doctor, ‘el tipo en el bar', policía y vendedor. Solamente en los años treinta, apareció en 161 películas, trasladándose a veces de estudio en estudio para decir sólo unas frases en varias películas en un solo día.
"Y me pagaban 35 dólares al día", contó Lane al escritor de la Associated Press, Bob Thomas, en una entrevista poco antes de su cumpleaños número cien". Cuando el Gremio de Actores de Pantalla [Screen Actors Guild] se estaba fundando, fui el primero en firmar".
A principio de los años cincuenta, Lane también apareció en decenas de programas de televisión, entre ellos en ‘The George Burns and Gracie Allen Show'. Quizás más famosa fue su aparición en episodios clásicos de ‘I Love Lucy', representando a varios personajes que parecían todos tener en común una pasmada aunque cómica falta de paciencia para la torpe Lucy. Dijo que fue en este programa que perfeccionó su rácana hosquedad.
"Eran papeles muy buenos, pero eran todos imbéciles", dijo al Times en 1980 sobre sus personajes en ‘I Love Lucy'. "Pero si te conocen por un tipo fijo, y eres bueno, puede significarte un montón de trabajo".
Y trabajo sí que tuvo. En los años sesenta, setenta y ochenta, Lane pudo ser visto en ‘Perry Mason', ‘Daniel el travieso' [Dennis the Menace], ‘Dimensión desconocida' [The Twilight Zone], ‘Embrujada' [Bewitched], ‘Superagente 86' [Get Smart], ‘La novicia voladora' [The Flying Nun], ‘The Andy Griffith Show', ‘Lou Grant' y muchos otros programas. En los setenta, tuvo papeles consecutivos en ‘Los nuevos ricos' [The Beverly Hillbillies], como Foster Phinney, y en ‘Soap', como el juez Anthony Petrillo. En los sesenta, el público lo conoció como Homer Bedloe, el intrigante de ‘Petticoat Junction'.
Max Baer Jr., que hacía de Jethro en ‘Los nuevos ricos', dijo que aunque Lane representaba ahí y en decenas de otros papeles a un "tipo arrogante y gruñón", "él no era así en absoluto; era solamente su personaje".
"Cuando empezó a actuar, cuando querían a un tipo arisco, llamaban a Charlie", dijo.
Después de más de sesenta años de actuación, Lane apareció por última vez en una película de televisión en 1995. Pero todavía se lo vería entrar y salir de Hollywood durante una década.
En marzo de 2005, fue retratado con una amplia sonrisa en Variety cuando asistía a las TV Land Awards, donde sus amigos le recibieron con una tarta de cumpleaños después de cumplir cien años. En otra fiesta por los cien años dos meses antes, realizada por su familia y amigos, resumió su carrera modestamente diciendo que fueron papeles en general modestos: "Era un personaje que yo representaba que aparecía todo el tiempo y la gente se acostumbró a él, como a un viejo amigo".

Lane nació como Charles Levison el 16 de enero de 1905, en San Francisco, y empezó su vida laboral en el negocio de los seguros. En 1928, se unió a la compañía en la Pasadena Playhouse, que era conocida por preparar actores para el cine, y apareció en más de cien producciones en tres décadas. Hizo su debut cinematográfico como recepcionista de hotel en ‘Rubias y dinero' [Smart Money] (1931) con Edward G. Robinson y James Cagney.
Finalmente perfeccionó el papel de avaro y aunque ocasionalmente se sorprendía de los diálogos que le escribían, siguió siendo ameno a medida que acumulaba cientos de personajes. Sus papeles eran tan numerosos que, según contó a TV Guide en 1965, a veces se veía a sí mismo en películas o en la televisión y no recordaba haber hecho los papeles en los que aparecía.
"Podía hacer muchos papeles diferentes, era muy versátil", dijo A.C. Lyles, productor en Paramount. "La gente decía: ‘Trata de conseguirte a Charles Lane, y si no puedes, a alguien que se le parezca".
Lane dijo que su director favorito era Frank Capra, que lo dirigió en ocho películas, incluyendo ‘Vive como quieras' ‘Caballero sin espada' y ‘Qué bello es vivir'.
"Sabía más de la cámara que el camarógrafo jefe", dijo Lane. "Tenía una comprensión intuitiva con los guiones. Y además de todo eso, tenía un maravilloso talento como narrador".
Lane conservaba una carta enmarcada de Capra en su estudio en Brentwood: "Estoy seguro de que todos tenemos a alguien en quien descansar y usar como muleta cuando las historias y escenas amenazan con derrumbarse. Bueno, Charlie, tú has sido mi muleta número uno".
Dijo a sus amigos y familiares en su fiesta de cumpleaños número cien en enero de 2005: "¡Pensar que pude haber terminado en el negocio de las pólizas de seguros!"
Cuando se acercaba a los 101, Lane estaba trabajando con los directores Garret Boyajian y George Ridjaneck en un documental sobre su vida titulado ‘You Know the Face'. Contó al Wall Street Journal que aunque no tenía problemas con sus piernas, "aparentemente, mentalmente estoy bastante bien".
Lane sirvió en la Guardia Costera durante la Segunda Guerra Mundial. Su esposa de 71 años, la actriz Ruth Covell, murió en 2002. Le sobreviven su hijo Tom, de Santa Monica; una hija, Alice Deane, de Friday Harbor, Washington; y una nieta.

11 de julio de 2007
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murió edward yang


Director que retrató al Taiwán moderno. A los 59.
Murió Edward Yang, que ganó el premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes de 2000 y era conocido por sus realistas retratos del moderno Taiwán, según declaró el domingo un consultor de la industria cinematográfica. Tenía 59 años.
Yang murió el viernes en su casa en Beverly Hills, por complicaciones de un cáncer al colon, dijo Norman Wang a la Associated Press. Wang dijo que la familia de Yang le había pedido que comunicara la noticia.
Le diagnosticaron el cáncer en julio de 2000, poco después de ser galardonado en Cannes. Se mudó a California del Sur en 2005 para someterse a un tratamiento médico adicional después de que el cáncer se expandiera a su hígado y pulmón. Durante los últimos meses se dedicó a dibujar diariamente para una nueva película animada, ‘Fifi'.
Nacido en Shanghai en 1947, Yang se trasladó con su familia desde China continental a Taiwán en medio de la guerra civil que libraban los comunistas tras la retirada de los nacionalistas, según su biografía en el libro ‘Speaking in Images: Interviews With Contemporary Chinese Filmmakers'.
El talentoso Yang siguió un tortuoso camino hacia el cine.
Dedicado a una carrera considerada prestigiosa en Taiwán, Yang estudió ingeniería en la isla y llegó a Estados Unidos en los años setenta. Obtuvo su maestría en ingeniería por la Universidad de Florida y se matriculó durante un breve período en la escuela de cine de la Universidad de Carolina del Sur antes de abandonarla y unirse a sus padres en Seattle, donde trabajó como ingeniero informático.
En una entrevista con Robert Sklar publicada en la revista Cineaste hace algunos años, Yang dijo que su interés en el cine revivió después de que entrara a una proyección de la película de Werner Herzog, ‘Aguirre, la cólera de Dios' [Aguirre: The Wrath of God]. Le dijo a Sklar que, dos horas después, era otra persona.
"Me devolvió la sensación de que yo podía ser director de cine. Eso era lo que yo pensaba que debía ser una película. La escuela de cine no te enseña a hacer ese tipo de tomas", dijo Yang.
Tres años después, Yang renunció a su trabajo en Seattle cuando le ofrecieron la oportunidad de escribir una película para un amigo en Taiwán.
Se convirtió en una importante figura de la nueva ola de directores de Taiwán. Yang favorecía las películas ambientadas en la capital taiwanesa, Taipei. Sus películas incluyen ‘Aquel día en la playa' [That Day, on the Beach] (1983), ‘Historia de Taipei' [Taipei Story] (1985), ‘El terrorista' [The Terrorizer] (1986), ‘Un día de verano' [A Brighter Summer Day] (1991), ‘Una confusión confuciana' [A Confucian Confusion] (1994), ‘Mahjong' (1996) y ‘Yi Yi' (2000).
‘Yi Yi' [A One and a Two], fue la película con más éxito de crítica de Yang. Además del premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes en 2000, le reportó premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y de la Asociación de Críticos de Cine de Los Angeles como la mejor película extranjera. La Sociedad Nacional de Críticos de Cine la calificó de la mejor película de 2000.
En su reseña de ‘Yi Yi', el crítico de cine de Los Angeles Times, Kenneth Turan, escribió que, sobre todo, la película "gira sobre los enigmas del amor, la maravilla y la perplejidad de la atracción mutua, de dónde surge y adónde va".
Fue la primera película de Yang que tuvo una amplia difusión en Estados Unidos, y Turan observó que la película "estaba agraciada con la capacidad de ver la vida como un todo, el dolor oculto en la felicidad así como el humor inherente en la tristeza".
Le sobreviven su mujer, la concertista de piano Kaili Peng; su hijo de seis años, Sean; su hermana Li; y su hermano Robert.

3 de julio de 2007
©los angeles times
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murió rudolf arnheim


[Adam Bernstein] El teórico visual muere a los 102 años.
El 9 de junio murió en la residencia Glacier Hills, en Ann Arbor, Michigan, el psicólogo y teórico visual de origen alemán Rudolf Arnheim, cuyos escritos influyeron en toda una generación de pensadores sobre la relación entre el arte y la percepción. Tenía 102 años y lo afectaba una neumonía.
En sus libros mejor recordados -‘Arte y percepción visual' [Art and Visual Perception] (1954), ‘El cine como arte' [Film as Art] (1957) y ‘El pensamiento visual' [Visual Thinking] (1969) -, aplicó la teoría de la gestalt, que estudia cómo la percepción del todo es más grande que la suma de sus partes integrantes. Entre las ‘partes' estudiadas estaban las estructuras de las formas y colores de los trabajos artísticos y la reacción emocional que causaban.
"Considero al arte como un medio de la percepción, un modo de conocimiento", dijo una vez. "La percepción hace posible estructurar la realidad y, de ese modo, obtener conocimiento. El arte nos revela la esencia de las cosas, la esencia de nuestra existencia. Esa es su función".
Publicó cientos de ensayos en publicaciones académicas y populares desde que empezara a trabajar como crítico de cine en la Alemania de Weimar, en los años veinte. En una época en que las películas eran consideradas en gran parte como diversiones populares dispensables, insistió en debían compararse más favorablemente con las bellas artes.
Arnheim admiraba la "pureza de expresión artística" del cine mudo -las palabras, dijo, "limitan considerablemente la expresión de la imagen". Sin embargo, uno de sus ensayos más perdurables, ‘The Film Critic of Tomorrow' (1935), se burló de sus colegas críticos que lamentaban el fin del período mudo.
Jim Hoberman, el importante crítico de cine del Village Voice en Nueva York dijo: "No se puede sentir nostalgia por algo que ya no existe. Ahora para nosotros esto es perfectamente obvio. Pero en el contexto de entonces, era un importante argumento sobre cómo el mercado y la tecnología cambiaban las cosas".
En un bien considerado ensayo de 1998, titulado ‘The Film Critic of Tomorrow, Today', Hoberman esgrimió muchos de los argumentos de Arnheim para reprochar a los críticos modernos que pensaban que el cine de calidad había muerto con las películas de aventuras que cosechaban grandes éxitos de taquilla. Dijo que el ensayo original de Arnheim conservaba su frescura porque siempre habría gente nostálgica de cosas que ya no existen.

Arnheim enseñó en la New School for Social Research de Nueva York y en el Sarah Lawrence College, en Bronxville, Nueva York, entre los años cuarenta y sesenta. Más tarde, se convirtió en profesor de psicología del arte en la Universidad de Harvard y en profesor invitado en la Universidad de Michigan antes de su jubilación en 1984.

Rudolf Julius Arnheim nació en Berlín el 15 de julio de 1904. Su padre era dueño de una fábrica de pianos.
Se doctoró filosofía en la Universidad de Berlín -en esa época se consideraba la psicología como rama de la filosofía- y estudió con teóricos de la gestalt como Max Wertheimer y Wolfgang Kohler.
Tras graduarse en 1928, se unió a la revista cultural de izquierdas Die Weltbuehne, para cubrir la música, arquitectura y cine.
Cuando los nazis asumieron el poder en 1933, Die Weltbuehne se convirtió en un importante blanco de los fascistas. Arnhiem dijo que él pasó especialmente miedo porque se había burlado de Hitler en un ensayo para un diario de Berlín.
Arnheim viajó a Roma, donde pasó cinco años como editor de una publicación cultural de la Liga de las Naciones. Ganó reputación escribiendo libros sobre el cine y la radio como formas artísticas.
Se vio obligado a abandonar Italia en 1938 cuando Benito Mussolini decretó las leyes raciales contra los judíos.
Arnheim emigró a Nueva York y obtuvo una beca de la Fundación Rockefeller para estudiar la influencia de los culebrones radiales en los oyentes. Se naturalizó en 1946.
Su primer libro importante en Estados Unidos fue ‘Arte y percepción visual', que fue más tarde traducido a catorce idiomas.
En estudios posteriores, exploró tópicos tan variados como la capacidad de percepción visual de los niños, el arte conceptual ("útiles ejercicios de la imaginación") y la pintura sobre la Guerra Civil Española de Pablo Picasso, ‘Guernica'.
Le sobreviven su hija adoptiva, Margaret Nettinga, de Heemstede, Países Bajos; dos nietos; y una biznieta.

22 de junio de 2007
19 de junio de 2007
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murió ousmane sembene


[Dennis McLellan] El director senegalés era conocido como el padre del cine africano. Murió a los 84.
Murió Ousmane Sembene, el aclamado y progresista escritor y director senegalés conocido como ‘el padre del cine africano'. A los 84.
Sembene, que también alcanzó distinción como novelista, murió el sábado en su casa en Dakar, Senegal, después de una prolongada enfermedad, informó la Associated Press.
Describiendo a Sembene como la "fuerza más importante" de la historia del cine africano, el crítico de cine de Los Angeles Times, Kenneth Turan, escribió en 2004 que "en la comunidad cinematográfica francófona de África, es l'aine des anciens, el más respetado entre los venerados, alguien cuya pasión y compromiso con el cambio social ha inspirado a directores de cine y enfurecido a gobiernos, tanto en Europa como en casa".
En ese entonces, Sembene estaba presentando su noveno largometraje, ‘Moolaade', en el Festival de Cine de Cannes.
Considerada la ‘obra maestra otoñal' del director por un reseñador de cine del New York Times, el drama gira sobre una mujer de una aldea que acoge a cuatro niñas que buscan refugio para escapar del peligroso y doloroso ritual que incluye la mutilación genital femenina -una arcaica práctica que, de acuerdo a la Organización Mundial de la Salud, pone en peligro la vida de dos millones de niñas africanas al año.
"Nací en un medio donde la excisión se practicaba todos los días y era aceptada", dijo Sembene en 2005 al diario londinense The Guardian. "Pero también nací en una cultura en evolución, una que, como todas las culturas africanas, está adquiriendo nuevos conocimientos... Y llegué a entender que la excisión era una práctica anticuada y fuera de época".
Comentando sobre su papel como cineasta en una entrevista de 2005 con el diario londinense The Independent en 2005, Sembene dijo: "Yo hago cosas para hablar con mi pueblo, mi país. La prioridad es que me entienda mi gente. África necesita ver su propio reflejo. Una sociedad progresa haciéndose preguntas, de modo que quiero ser un artista que hace preguntas a su pueblo".
Hijo de un pescador, Sembene nació en Ziguinchor, Senegal, el 1 de enero de 1923. Dejó la escuela francesa a los catorce y trabajó como aprendiz de mecánico y albañil.
Tras servir en el ejército francés de la liberación durante la Segunda Guerra Mundial, participó en la histórica huelga de ferroviarios de Dakar-Níger de 1947-1948. Luego se subió de polizonte en un buque con destino a Francia, donde encontró trabajo en los muelles en Marsella y se convirtió en un activo sindicalista marxista. (De 1950 a 1960 fue miembro del Partido Comunista francés).
La primera novela de Sembene, ‘El estibador negro' [Le docker noir; The Black Docker], fue publicada en 1956.
Inspirándose en su experiencia en la huelga de los ferroviarios, escribió ‘Los trozos de madera de Dios' [Les bouts de bois de Dieu; God's Bits of Wood], su épica novela de 1960 que fue recibida con elogios en todo el mundo.
La novela, publicada el mismo año en que Senegal obtuvo su independencia de Francia, está todavía disponible y se la considera un clásico.
Preocupado por el retrato que hacían no-africanos de los africanos -"Ya soportamos demasiadas plumas y tambores", dijo una vez-, Sembene se dedicó a hacer cine a principios de los años sesenta, después de pasar un año estudiando cine en Moscú.
Después de hacer un corto documental encargado por el gobierno de Mali en 1963, fundó su propia compañía cinematográfica y empezó a hacer películas de bajo presupuesto.
‘El hombre de la carreta' [Borom Sarret], un corto sobre un mísero carretonero de Dakar, ganó el premio a la mejor película en el Festival de Cortometrajes de Tours, Francia, en 1963. En 1966, su drama ‘Muchacha negra' [La noire de...; Black Girl] fue su primer largometraje.
El drama, también escrito por Sembene, es la trágica historia de una joven mujer senegalesa que se siente deshumanizada trabajando como criada en una adinerada familia blanca en la Riviera francesa.
‘Muchacha negra' fue la primera película del África negra en ser exhibida en una première de Cannes y ganó el prestigioso Premio Jean Vigo.
El crítico francés George Sadoul escribió entonces: "Gracias a Sembene, el continente negro se hace al fin un lugar en la historia del cine del mundo".
Sembene no intentó comunicarse con los africanos cuando decidió convertirse en cineasta.
"Prefiero los libros", dijo al Philadelphia Inquirer en 2004. Pero con la enorme tasa de analfabetismo de África, dijo que se había preguntado a sí mismo: "¿Cómo puedo hablar con la gente? ¿Cómo les hago adquirir conciencia? Con el cine".
Veía el cine como "la escuela vespertina del pueblo", finalmente dejó el francés, la lengua oficial de Senegal, y empezó a hacer películas en las lenguas vernáculas del país.
Se dice que su película ‘Mandabi', de 1968, fue la primera película producida por un equipo completamente africano en una lengua nativa de África del Oeste llamada wolof.

dennis.mclellan@latimes.com

17 de junio de 2007
14 de junio de 2007
©los angeles times
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Filmografía
1963 Borom Saret (El hombre de la carreta) (Corto)
1964 Niaye (Corto)
1966 La noire de... (Muchacha negra) (Largo) Premio Jean Vigo 1966
1968 Mandabi (Largo) Premio Especial del Jurado, Venecia 1968
1969 Traumatisme de la femme face a la polygamie (Traumatismo de la mujer frente a la poligamia) (Documental)
Les derives du chomage (Las consecuencias del paro) (Documental)
1971 Tauw (Corto)
Emitai (Largo) Medalla de Plata, Moscú 1971
1972 Basket áfricain aux Jeux Olympiades (Baloncesto africano en los Juegos Olímpicos) (Documental)
1973 L'Áfroque aux Olympiades (África en las Olimpiadas) (Documental)
1974 Xala (Largo), Premio Especial del Jurado, Karlovy Vary 1976
1976 Ceddo (Largo), Selección Oficial, Cannes 1977
1988 Camp de Thiaroye (Campamento de Thiaroye) (Largo), Premio Especial del Jurado, Venecia 1988
1993 Guelwaar (Largo), Medalla de Oro del Senado de Venecia, 1992
1999 Héroïsme au quotidien (Heroísmo cotidiano) (Corto)
2000 Faat Kine (Largo)
2003 Moolaadé (Largo) Premio ‘Una Cierta Mirada', Cannes 2004

Bibliografía
1956 Le docker noir
1957 O pays, mon beau peuple.
1960 Les bouts de bois de Dieu, Banty Mamy All. Publicada en castellano con el título ‘Los trozos de madera de Dios'
1962 Voltaïque. Publicada en castellano con el título ‘Voltaicas'.
1964 L'harmattan
1966 Véhi-ciosane ou blanche-genése
1973 Xala
1981 Le dernièr de l'empire: roman sénégalais
1987 Niiwam
1990 Guelwaar

[golem]


murió mala powers


A los 75. Trabajó en ‘Cyrano' y otras películas de los años cincuenta.
Murió la actriz Mala Powers, que hizo de Roxane en ‘Cyrano de Bergerac', de José Ferrer, y actuó en otras películas de los años cincuenta. Tenía 75 años.
Powers murió el lunes por complicaciones de su leucemia en el Centro Médico San José, en Burbank, según informó su protegida, la actriz Kim Barret.
Nació en 1931 como Mary Ellen Powers en San Francisco, en una familia de padres periodistas que se mudaron luego a Hollywood. Empezó su formación como actriz muy temprano en su vida, en el Seminario Dramático de Max Reinhardt; de niña tuvo un pequeño papel en una película de 1942 de los Bowery Boys, ‘Though As They Come'.
En 1950, Powers apareció junto con Ferrer en ‘Cyranod de Bergerac', que le significó un Oscar al mejor actor.
También en 1950 apareció como víctima de violación en ‘Ultraje' [Outrage], dirigida por Ida Lupino. La película causó un pequeño escándalo porque la violación no había sido tratada nunca tan francamente en la pantalla debido a la auto-censura de la industria cinematográfica.
Howard Hughes quedó gratamente impresionado por las actuaciones de Powers y la contrató para la RKO. Entre sus películas se encuentran ‘Edge of Doom', ‘Rose of Cimarron', ‘City Beneath the Sea', ‘City That Never Sleeps', ‘Bengazi' y ‘The Storm Rider'.
La carrera cinematográfica de Powers menguó a fines de los cincuenta, pero continuó activa en la radio, el teatro y la televisión.
En los últimos años Powers se interesó en cuentos para niños, y en 1980 escribió un libro sobre la Navidad, ‘Follow the Star', y cinco años más tarde ‘Follow the Year', que explicaba las vacaciones a los niños.
También escribió y narró cuentos para el programa Dial-a-Children's-Story de la Compañía de Teléfonos de Nueva York, a partir de 1979. Los cuentos de un minuto que podían ser escuchados marcando un número especial, que más tarde estuvo también disponible en otros mercados.
Powers también enseñó actuación, que había estudiado en la Universidad de California en Los Angeles. En 2003 apareció por última vez en ‘Mr. Shaw Goes to Hollywood' en la Laguna Playhouse en Laguna Beach.
La sobrevive Toren Vanton, su hijo de su primer matrimonio. Su segundo marido, el editor M. Hughes Miller, murió en 1989.

16 de junio de 2007
13 de junio de 2007
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murió maurice marsac


[Valerie J. Nelson] A los 92. Actor francés que a menudo personificaba a estirados camareros.
Murió Maurice Marsac, un actor de carácter francés que hacía a menudo de estirado camarero, particularmente en ‘Un loco anda suelto' [The Jerk], y que también era un importante jugador de croquet a nivel nacional. Tenía 92 años.
Marsac murió el 6 de mayo, de paro cardíaco, en un centro hospitalario en Santa Rosa, California, informó Mark Jaqua, un pariente lejano.
Su muerte se produce menos de tres semanas después de la que fue su esposa durante 55 años, Melanie, que murió en su casa de Oakmont, California, el 16 de abril, a los noventa.
Tras debutar como soldado francés en ‘Paris After Dark' (1943), Marsac trabajó en más de ciento cincuenta películas y programas de televisión, entre ellas ‘Tener y no tener' [To Have and Have Not] (1944) y ‘Cómo casarse con un millonario' [How to Marry a Millionaire] (1953).
En ‘Un loco anda suelto' (1979), Marsac es un camarero que debe desviar las quejas de Steve Martin de que su plato de escargots está cubierto de caracoles.
En televisión, Marsac "disfrutó realmente" haciendo de maestro francés en ‘Our Miss Brooks', una serie de los años cincuenta con Eve Arden, dijo Jaqua.
Marsac apareció en decenas de programas de televisión, incluyendo un episodio de ‘I Love Lucy', en 1956, en el que tenía que lidiar con la angustia de Lucille Ball cuando le sirven caracoles.
Su último papel como mayordomo lo tendría en ‘Dos sabuesos despistados' [Dragnet] (1987).
Hace alrededor de una década, Marsac y su mujer se mudaron de Studio City a Oakmont para disfrutar de la cultura del croquet, que está más enraizada en el norte de California.
Como miembro del Club de Croquet de Beverly Hills, Marsac se destacó por sus habilidades como instructor.
En 1989 fue nombrado residente profesional en dos canchas de croquet de Newport Beach.
Los Marsac formaban parte de un exclusivo grupo que era invitado a torneos de croquet en Estados Unidos, dijo Bob Alman, editor fundador de la revista Croquet World Online Magazine.
"En el mundo del croquet, tienes que ser bastante bueno para ser invitado, pero también tienes que ser invitable", dijo Alman.
"Maurice y Melanie eran dos personas entretenidas, apasionantes y maravillosas, que no sabían cómo aburrirse en una conversación", dijo.
Con una posición más alta que la de su mujer, Marsac estuvo alguna vez entre los mejores jugadores de criquet, dijo Alman.
Marsac nació el 23 de marzo de 1915, en La Croix, Francia.
Participó en la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial.
Los Marsac viajaban a menudo para jugar croquet y visitar Francia o el país natal de su mujer, México.
"Era el último de una generación, con un código de honor y un porte noble", dijo Jaqua, que es un primo lejano de la esposa de Marsac.
"Él y su mujer estaban tan dedicados uno al otro que sabíamos que ninguno de ellos sobreviviría sin el otro".

valerie.nelson@latimes.com

13 de junio de 2007
6 de junio de 2007
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murió jean-claude brialy


[Adam Bernstein] A los 74. Fue un actor clave de la Nueva Ola francesa.
Jean-Claude Brialy, un actor que trabajó en más de cien películas francesas, especialmente como protagonista de ‘El bello Sergio' [Le Beau Serge], de Claude Chabrol, ‘Una mujer es una mujer [Une femme est une femme], de Jean-Luc Godard, y ‘La rodilla de Clara' [Le genou de Claire], de Éric Rohmer, murió este 30 de mayo en su casa en las cercanías de París. Tenía 74 años y sufría de cáncer.
Prodigiosamente versátil, Brialy se convirtió en un actor favorito de los directores de la Nueva Ola francesa, como Chabrol, Rohmer, Godard y Rivette. Su capacidad para expresar un amplio rango de emociones a veces contradictorias -ingenuidad, inteligencia, obsesión, astucia- le ganaron la simpatía de los directores de la Nueva Ola, que preferían técnicas narrativas imprevisibles.
Brialy, hijo de un oficial de alto rango del ejército francés, nació el 30 de marzo de 1933, en Aumale, Argelia. Detestaba su educación estricta, y la actuación se convirtió en una temprana forma de rebelión. Tuvo violentas disputas con su padre, que una vez lo encerró en un cuarto para impedir que asistiera a un ensayo para una pieza de teatro en la escuela.
Irónicamente, el servicio militar le ofreció su mejor oportunidad para salir de casa, y logró conseguir trabajo en una unidad de cine en el ejército. Después de la desmovilización, hizo una breve práctica de formación en un conservatorio de Estrasburgo y se asentó en París en 1954.
Fue adoptado por un grupo de periodistas de cine asociados a la revista Cahiers du Cinéma, que formaban el núcleo del movimiento de la Nueva Ola. Se dice que se convirtió en un favorito del crítico de Cahiers, André Bazin, improvisando disparatados sketches frente a un teatro en los Campos Elíseos. Su recompensa fue una entrada gratis al cine.
Pronto empezó a aparecer en cortometrajes de Godard, Rohmer, Rivette y otros. En 1956, hizo de amante en la película corta de Rohmer, ‘La sonata a Kreitzer' [La Sonate a Kreutzer; The Kreutzer Sonata], una curiosidad en la que Rohmer hizo de marido y mujer.
Brialy siguió aceptando pequeños papeles en los largometrajes de sus cada vez más importantes amigos, entre ellos en ‘Los amantes' [Les Amants; The Lovers] de Louis Malle y ‘Ascensor para el cadalso' [Ascenseur pour l'Échafaud; Elevator to the Gallows]; en ‘Los cuatrocientos golpes' [Les Quatre Cents Coups; The 400 Blows]; y en ‘Cleo de 5 a 7' [Cleo From 5 t0 7].
Dijo que Chabrol fue su primer protector. "Estuvo convencido siempre de que yo era un buen actor", dijo Brialy.
Se convirtió en una estrella en ‘El bello Sergio' [Handsome Serge, 1958], de Chabrol, donde hizo de un joven que vuelve a su ciudad provincial y se obsesiona con ayudar a un amigo autodestructivo. Al año siguiente, Chabrol lo dirigió en ‘Los primos' [Les Cousins], como un cínico hedonista. Su coprotagonista fue Gérard Blain, un melancólico actor llamado a menudo el James Dean de Francia.
Durante los años sesenta, Brialy mantuvo una carrera sorprendentemente activa. Apareció en siete películas solamente en 1961, incluyendo el divertido musical de Godard ‘Una mujer es una mujer', como parte de un triángulo amoroso con Anna Karina y Jean-Paul Belmondo. Karina, la mujer de Godard, fue la striptisera que quiere casarse y ser madre.
Luego consiguió papeles de protagonista en dramas más sencillos, incluyendo el thriller policial ‘La espada y la balanza' [Le glaive et la balance; The Sword and the Balance], de André Cayatte, con Anthony Perkins, y la comedia de Jacques Deray, ‘El gigolo' [Gigolo] con Alida Valli.
También tuvo un papel secundario en la película contra la guerra ‘Rey de corazones' [Le Roi de Coeur; King of Hearts], de Philippe Broca, con Alan Bates. La película, escenificada en un manicomio francés durante la Primera Guerra Mundial, fue inmensamente popular con las audiencias estadounidenses y fue proyectada durante una década en algunas salas.
En ‘La rodilla de Clara', 1970, de Rohmer, Brialy fue un diplomático ensimismado que siente el inexplicable impulso de tocarle la rodilla a la hija adolescente de un amigo. La película, para algunos desconcertante, lírica y misteriosa para otros, tuvo muchos defensores en el curso de los años, incluyendo al crítico de cine del New York Times, Vincent Canby.
La capacidad de Brialy de permanecer serio en las más absurdas situaciones, lo transformó en el hombre ideal para el absurdo drama de Luis Buñuel, ‘El fantasma de la libertad' [Le Fantôme de la Liberté; The Phantom of Liberty], de 1974. En una escena, él y Mónica Vitti, que hace de su mujer, yacen en una cama mientas ven pasar unas avestruces.
Empezó a dirigir a principios de los años setenta, y demostró su habilidad en muchos géneros. Su debut como director, ‘Eglantine', 1971, fue una encantadora historia ambientada en el siglo diecinueve sobre la visita de un niño a su abuela.

11 de junio de 2007
4 de junio de 2007
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estado del cine porno argentino


[Julián Gorodischer] Los directores del porno argentino debaten sobre un genero que resiste a traves de los años. "En esto, el amor es sólo una variable".
Los principales cineastas del sexo explícito local discuten sobre el repentino auge del incesto, el estado de la industria, las técnicas para optimizar un rodaje y la vigencia de una concepción machista en el género de las condicionadas, una industria que en Argentina trabaja a destajo para abastecer el mercado interno y vender al exterior.
Hay una mitología sobre sus diferencias irreconciliables, que –en presencia– cuestionan con el trato amable y el debate a voz pausada. El patriarca Víctor Maytland ocupa la cabecera, hacedor de un sinfín de películas populares, muchas veces versiones de programas de TV como ‘Expedición Sex' o el más reciente ‘Gozando por un sueño'. Al platense César Jones (‘Los desviados', ‘Temporada alta') le importa romper un statu quo de mujeres objeto y sementales sin lugar para la ternura. "Con la cosificación que reina en el género, el beso directamente desaparece; estoy hablando de los intentos más mainstream", ejemplifica. Junto a otros dos popes del porno criollo, Martín Lukas (‘Despedida de soltera') y el autodenominado "cineasta gonzo" Marco Torino (de una vertiente hardcore), aquí discuten el estado actual del sexo explícito, que consagra curiosamente la temática del incesto entre las más buscadas por el público: mujeres que dejan de ser objetos para el semental, técnicas para iniciar novatos, secretos para que un rodaje no naufrague y una industria que se consolida a ritmo lento pero constante son algunos de los temas que los involucran. Pocas cosas no cambian con el tiempo; directores y actores (el debutante Benjamín, la más experimentada Martina) coinciden en que la demanda del público y las productoras es ir directo al grano.

Martín Lukas: –El amor es sólo una variable a considerar cuando uno guiona una película porno, pero también se puede dejarlo afuera.

César Jones: –De hecho, el tratamiento del sentimiento está presente desde que el porno se inicia a nivel industrial a fines de los sesenta, a veces para destacarlo, a veces para destruirlo. En muchos casos el amor potencia lo erótico.

M. L.: –Depende de lo que cada uno tenga que hacer. En el canal Venus te piden argumento. Cada nicho tiene su público. Yo creo que hay público para todo y el sexo es muy amplio. Hay gente a la que le gusta ver las películas de un sexo soft, y otra gente quiere historias más extremas. No hay que juzgar: el sexo es algo que no se juzga.

Marco Torino: –Lo ‘extremo' es muy subjetivo. En mis películas pasa todo lo que una chica esté interesada en que pase, si los actores lo pueden hacer. En Argentina, ‘extremo' puede ser una doble penetración. Pero en Europa extremo es ver a una chica con cuarenta tipos que la orinan, se la refriegan. Y por ahí hay tipos que son mas extremos todavía. Tiene que ver con el grado de sofisticación del cine porno.

¿Cómo encaran un rodaje? ¿Qué técnicas utilizan para garantizar el rendimiento sexual?
Nissim Mbaz Mbaz (actor): –En todas las películas trato de hacer una previa con la chica como si fuera mi novia; entonces ahí puedo actuar y me caliento mucho. Hago esto porque me gusta mucho el sexo. La mayoría va, la pone y bombea. A mí me gusta actuar.

¿Cómo se manejan cuando el actor se inhibe? ¿Hay recursos para ayudarlo a concretar?
Martina (actriz): –Hay soluciones para todo; a mí, en ‘Fútbol XXX', me tocó un debutante, estábamos con mi amiga ayudando. Pero llega un punto en que me cansaba. Siempre tendría que haber una asistente de erecciones.

Víctor Maytland: –En mis películas no es muy común que exista la asistente. Pero en la ocasión de ayer (rodaje de ‘Casting Sex Latino II'), el debutante estaba apabullado por otro actor, veterano, que la tenía clara.

¿El viagra modificó el sistema de producción?
N. M. M.: –Yo, antes, no lo necesitaba pero ahora llevo uno por las dudas; ayuda cuando a veces tenés que cambiar de escenas o hacer la doble penetración. Lo que noto, usándolo, es que se mantiene dura un montón de tiempo pero parece que no fuera tuya, que fuera de otro. Aun cuando esté pensando en otra cosa, en mis problemas o lo que sea.

V. M.: –De todas formas, la sociedad incorporó el viagra, no sólo el porno. Hoy un chico se va a bailar y se toma uno.

Los dos agregados que podrían haber modificado el porno, desde los años '90, son el viagra y el preservativo, ¿ustedes coinciden?

V. M.: –Creo que más que el preservativo, lo que cambió el panorama es el HIV. Si uno pudiese prescindir del preservativo, lo haría con gusto. Porque a la mujer le molesta más, al tipo le cuesta alcanzar la erección. No podés pasar de penetración a sexo oral. Le resta fluidez a la continuidad de las escenas. Sobre todo, ahora que está muy de moda filmar escenas de pasaje del pene del culo a la boca.

¿Cómo se manejan en esas escenas de un contenido sexual tan explícito?
C. J.: –Si el actor lo quiere hacer que lo haga. A mí lo que me molesta es que en el porno haya códigos. Creo que quebrar con los códigos es importante.

¿Arman coreografías o los dejan improvisar?
M. L.: –Si yo no cumplo con determinado tiempo del acabado o la acción no me pagan la película, o no llega a difundirse. Yo laburo para diferentes clientes; si te piden beso cariñoso, hay que hacerlo. Y lo tenés que hacer en tiempo y forma.

¿Todavía sienten una condena social/ cultural sobre lo que hacen?
M. T.: –La pornografía, de alguna manera, remite a algo obsceno, diabólico. Y lo que hacemos no es para nada así. Son chicos y chicas haciendo lo que les gusta; son buenos para eso y cobran su plata por eso. Además... no obligamos a nadie a que lo vea.

V. M.: –Lo que pasa es que hay mitos con respecto a nosotros. Creen que es una orgía en la que estamos cogiendo todos con todos. En todos estos años me conseguís un técnico con una erección, y te doy un premio. O piensan que los actores y directores porno están de última y por eso lo hacen como el peor grado de la prostitución.

¿Por qué el espectador promedio sigue siendo un hombre?
V. M.: -Es un hombre porque es el que compra. Pero una mujer liberal en serio no cree que el porno sea sólo para hombres. ¿Por qué tendría que ser una ofensa que el hombre le eyacule en la cara? Si le gusta....

M. L.:–De diez personas que compran ocho son hombres, y las otras dos son parejas.

C. J.: –Me parece que hay una mirada machista que domina en el género. No hay que asociar la misoginia con la mirada masculina, que es tan legítima como la mirada femenina. Me molesta la reducción de los personajes que aparecen en la pantalla. La cosificación a veces no atañe sólo a las mujeres, sino también a los hombres, recortados de todo vestigio de humanidad que pueda tener ese personaje.

¿Cómo se manejan con un debutante?
V. M.: –Es difícil descubrir un debutante que sea bueno. El problema es que no todos los hombres sirven a los patrones de conductas que te marcan los productores. Si tiene pancita no sirve, si es pelado tampoco. A mí hoy me dicen que incluyo sólo a los gorditos, pero no siempre es así. Es lo que podés conseguir. En Estados Unidos, por ejemplo, hay un patrón que se tiene que cumplir, te lo marcan y yo trato de respetarlo. No es fácil encontrar chicos para hacerlo. Después está el gusto de las actrices, que no quieren ni al que se le para mucho ni al que no se le para.

Martina: –Yo conozco a uno (Andrés) con el que no filmaría por razones personales.

V. M.: –Andrés tiene una particularidad: el orgasmo lo quiere tener teniendo sexo. Entonces se masturba con la vagina, y eso a las minas las mata. A algunas les gusta, a otras no.

N. M. M.: –Yo tengo que amoldarme al deseo de las chicas. Por ahí no lo sufro tanto porque en el caso nuestro somos actores que somos amigos, entonces no pasan ese tipo de situaciones.

Benjamín (debutante): –A veces pasa que un debutante es aire fresco que no tiene los vicios del género.

Martina: –Mirá, tenés de todo, yo he visto debutantes que me funcionaron mucho como actriz, y me he sentido muy incómoda con los expertos. Todo depende.

B.: –Hay mujeres que colaboran más con el debutante y hay otras que no.

V. M.: –El (señala a Benjamín) hizo cosas que otro debutante no las hace, como tener sexo oral al lado del compañero que está practicándole sexo anal a la mujer. Muchos lo hacen recién a la quinta película porque tenés tu pene cerca de la boca del tipo y, si se zafa, termina en la boca del otro.

¿Por qué tantas tramas recientes se ocupan de narrar relaciones incestuosas?
V. M.: –Porque paga muy bien. Las películas que lideraron las ventas del año fueron sobre el incesto. Yo mismo hice una película de incesto que se estrena este año, y que se llama 'La puta de mi hermana'. Hay gente que lo consume y me parece bárbaro. Pero no hay que hacer eso solamente.

¿Y se formulan preguntas acerca de por qué vende?
V. M.: –Eso se lo preguntarán los sexólogos.

M. L.: –Igual está fundamentado por investigaciones de mercado. No es que uno va probando.

¿Por qué piensan ustedes que ocurre?
C. J.: –La concepción de tabú es un gancho imbatible en toda película.

1 de junio de 2007
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