cine

construcción del enemigo

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Ernesto Ardito, Leopoldo Nacht y ‘Nazion’, que preestrenan hoy en el Gaumont. El dúo de realizadores y productores se propuso investigar el modo en que los discursos nacionalistas de décadas atrás siguen marcando conductas al día de hoy: "Son como llaves que permiten que, de alguna manera, la sociedad civil se vea influida"

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[Diego Braude] Argentina. La identidad y la memoria, como los prejuicios, los racismos, los odios, no son algo que nacen, por combustión espontánea, sino que se construyen y son dinámicas a lo largo del tiempo. Durante los ’90 en el colegio secundario –muestra de que el intento por borrar la memoria también es un proceso–, lo inusual era que la materia Historia no terminara en la década del ’40; al finalizar la Década Infame no había más nada. En 2011, frases como "algo habrán hecho", "no te metas", "mejor no hablar de política" son resabios de la última dictadura militar que todavía marcan las prácticas cotidianas de la gente. No recordar (o considerar que revisar el pasado es algo negativo) permite que se permanezca en un mismo estado de cosas, inmóviles, pensando que no hay nada más natural que ese presente.
El cronista presiona play y el film comienza. ‘Nazión’, la película que se preeestrena hoy a las 20 en el cine Gaumont Incaa 0 km, con entrada libre y gratuita, no sólo fue dirigida por Ernesto Ardito y Leopoldo Nacht. Ambos fueron también los productores de la película, con Ardito (‘Raymundo’, 2002; ‘Corazón de fábrica’, 2008) en la dirección y el guión y Nacht oficiando delante de cámara una suerte de detective de la historia. Tras la exhibición de esta noche, el film se verá en julio en el Centro Cultural de la Cooperación. Mientras corren los créditos, pasan imágenes escolares con el himno a Sarmiento de fondo: "Por ver grande a la Patria tú luchaste con la espada, con la pluma y la palabra...". En un aula, un alumno lee palabras escritas en 1844 por el padre de la educación pública acerca de "los salvajes": "Incapaces de progreso. Su exterminio es providencial y útil, sublime y grande. Se los debe exterminar sin ni siquiera perdonar al pequeño, que tiene ya el odio instintivo al hombre civilizado".
Leopoldo Nacht es químico y fue en su momento integrante de Cine de la Base, grupo realizador de cine político y militante con Raymundo Gleyzer a la cabeza. "Raymundo desapareció un viernes", recuerda Nacht. "El sábado, Juana, su mujer, me llama y me dice que Raymundo no llega. ‘Andate’, me dijo, y cortó; así partí al exilio. Nueve años en México. Cuando volví acá, quise producir ‘En la Semana Trágica’, el libro de David Viñas... pero el proyecto se cayó." En los ’90 Nacht empezó a evaluar nuevamente qué se podía hacer, y fue cuando Fernando Peña (investigador, crítico, docente, coleccionista preocupado por la preservación del patrimonio audiovisual, programador de ciclos, ex director del Bafici) le entregó un material filmado del golpe a Yrigoyen de 1930. A partir de ahí, la idea comenzó a rumbear en otras direcciones.
Después de varias idas y vueltas, Nacht terminó encontrándose con Ardito, que recuerda que "en principio, lo que andaba dando vueltas era un proyecto sobre el golpe del ’30. ‘Nazión’ es otra película. Leyendo los libros que me traía Leopoldo, como ‘Nacionalismo y Antisemitismo’, de Daniel Lvovich, empecé a ver que todo estaba atravesado por una corriente ideológica, que uno siempre asocia con la oligarquía y los sectores conservadores en general; había una base ideológica –apoyada en conceptos que se fueron desarrollando con el tiempo–, que es el nacionalismo católico". En la película se entrelazan imágenes de la inmigración, de anarquistas, de Miguel Cané (el mismo de ‘Juvenilia’) y su ‘Ley de Residencia’, de la Semana Trágica, de la Liga Patriótica (de sus hombres y sus mujeres)...
En la década del ’20, Lugones promovía "una enérgica adhesión a las instituciones militares. No hay decoro, ni esperanza, sino en las espadas argentinas", decía, mientras se refería al "repulsivo frío" que le generaban "la urna y el comité". "Se genera este dilema", dice Ardito y elabora: "Con personajes de este tipo, cuando se destacan muchísimo por su obra y, a la vez, su posición política fomenta incluso hasta crímenes de lesa humanidad, uno dice ‘bueno, ¿qué lugar ocupa esta persona en la sociedad?, ¿hasta dónde su posición política puede influir a partir de la percepción de su obra artística?’."
Si bien la película aparece como una afirmación basada en los materiales expuestos, en las voces escuchadas, en los discursos citados, lo que prima es la intención de estimular el debate; mostrar no para sentenciar, sino para discutir. Ardito sueña con poder hacer que el documental se convierta en un género popular, pero sabe que, por ahora, "el circuito tradicional no quiere la película, así que nuestra idea era hacer una función inaugural, en el cine Gaumont, para mil personas y hacer como un acto político de la misma función, invitar a las organizaciones sociales, a las organizaciones de derechos humanos, para que conozcan la película y se lleven copias para difundirla en otros lados. La apuesta nuestra es que no esté en una sola sala, sino que esté en muchos lugares y donde se pueda debatir. Para eso, se tiene que poder difundir y, para eso, las organizaciones cumplen un rol fundamental".
En 1973, previo a las elecciones de ese año, Nacht y Gleyzer se escabulleron para filmar el lanzamiento del partido de derecha Nueva Fuerza, que contó con la presencia de personalidades como Jorge Luis Borges o el almirante Isaac Rojas, uno de los protagonistas de la llamada Revolución Libertadora que volteó al gobierno de Juan Domingo Perón en 1955, previo bombardeo por aviones de la Aviación Naval a la Plaza de Mayo tres meses antes, donde murieron más de 300 personas. El material estaba en manos de la hermana de Gleyzer, pero no estaba rotulado y sólo cuando Nacht contó la anécdota y luego de chequear otros datos, Ardito pudo confirmar lo que registraban esas imágenes.
"Está bueno trabajar con todas las fuentes originales", comenta Ardito. "Primero, fue una revelación total cuando, revisando en la hemeroteca de la Biblioteca Nacional aparecieron estos diarios nazis, como ‘Bandera Argentina’ o ‘Crisol’. Después, me encontré con el audio de Leonardo Castellani, que era uno de los principales propagandistas, que en las homilías bajaba toda esta línea." Ironía cruel, el sacerdote Castellani, a quien en la película se lo escucha proclamar que hay que defender "el orden natural" por la fuerza, habría sido uno de los últimos en ver con vida al amigo de Nacht, a Raymundo, en el centro de detención, tortura y exterminio conocido como El Vesubio. "Estos conceptos generan la idea de un enemigo virtual en un Otro al que hay que combatir, y que va justificando que te vayan generando estos golpes: el golpe del ’76 contra el marxismo, en la época de la Segunda Guerra Mundial los judíos querían dominar el mundo. Son como llaves que permiten que, de alguna manera, la sociedad civil se vea influida, tome ese discurso, genere ese enemigo al que hay que combatir y se posicione junto al que está combatiendo al Otro, que es la amenaza que viene, y eso es lo más peligroso y por eso la película. Sabemos que, si bien puede ser que no venga un golpe militar, puede ser de otro modo."
19 de mayo de 2011
18 de mayo de 2011
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murió dolores fuller

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Fue una de las actrices de Ed Wood.

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[Dennis McLellan] Murió la actriz Dolores Fuller, que fue novia del director Ed Wood y la actriz principal, con Wood, de su película de bajo presupuesto, y ahora un clásico del cine de culto de los años cincuenta, ‘Glen o Glenda’ [Glen or Glenda; Yo cambié mi sexo]. Tenía 88 años.
Fuller, cuya carrera en el mundo del espectáculo incluyeron las letras de una docena de canciones para películas de Elvis Presley, falleció el lunes en su casa en Las Vegas después de una larga enfermedad, informó su hijastra Susan Chamberlin.
Como ex novia y dos veces actriz estelar del legendario director que llegaría a ser conocido como el peor director de cine del mundo, Fuller se convirtió ella misma en una figura de culto en sus últimos años.
"Ed siempre dijo que me convertiría en una estrella", contó Fuller al diario The Kansas City Star en 1994. "Pero no sabía que me tomaría 42 años".
En la época, Fuller quedó atrapada en el chaparrón de publicidad en torno al estreno de la película del director Tim Burton, ‘Ed Wood’, con Johnny Depp en el rol estelar como el excéntrico director de cine y Sarah Jessica Parker como Fuller.
"Nunca pensé ni en mis pesadillas más terribles que vería llegar el día en que las películas de Eddie serían populares", dijo Fuller, que estaba en Kansas City para participar en el Festival de Cine Ed Wood.
Trabajaba como extra de cine, modelo del programa de televisión ‘Queen for a Day’ y doble de Dinah Shore en el programa musical de la estrella de televisión cuando asistió a una audición y conoció a Wood a fines de 1952.
"Cuando fui al casting y puse mis ojos en el joven Edward, simplemente pensé que era muy guapo y era amable y divertido", recordó Fuller en una entrevista con Tom Weaver para la revista Fangoria en 1994.
"Luego, cuando descubrí que también era director y escritor y también productor y actor, me impresionó mucho... Supe de inmediato que le agradaba".
La divorciada Fuller se mudó pronto a vivir con Wood, que la incorporó al reparto de ‘Glen o Glenda’, la película de 1953 en la que fue la novia de Wood, el que mantenía en secreto su travestismo y era un apasionado de los suéteres de angora.
Fuller dijo en la entrevista con Fangoria que ella "no sabía que Eddie era travesti cuando nos conocimos: tampoco me enteré en el primer año".
Su primer indicio, contó, fue "cuando una noche él estaba escribiendo y estábamos bebiendo un vaso de vino y me preguntó si podía ponerse mi suéter de angora blanco.
"Le pregunté que para qué quería hacer eso y me dijo: ‘Bueno, me ayuda a escribir. Me siento mucho más cómodo. Odio las duras ropas de los hombres. Me gustan las cosas suaves. Eso me ayuda a ser creativo’. Estábamos solos y no vi nada malo en ello... Fue mi primera señal de que quizás era fetichista, pero no me di cuenta de que iba más lejos que eso".
Cuando vio la versión final de ‘Glen o Glenda’, con Wood con ropa y peluca de mujer, dijo, "quería esconderme debajo de la butaca".
Fuller, que se describió a sí misma como "el sostén de la familia" cuando ella y Wood vivían juntos, fue luego la actriz estelar de su película policial ‘Jail Bait’ [Hidden Face], de 1954. También tuvo un rol secundario en su película de horror de 1955, ‘La novia del monstruo’ [Bride of the Monster].
Wood habría escrito esa película para que ella pudiera ser la actriz principal, pero le dio el papel a otra actriz. Eso, y su alcoholismo, provocaron que se separaran en 1955, de acuerdo al artículo en Fangoria.
Fuller se mudó a Nueva York, donde estudió con Stella Adler en el Actors Studio. "Después de ver las películas de Ed, decidí que necesitaba clases de actuación", dijo al Kansas City Star.
Su amistad con el productor Hal Wallis la llevó a escribir, con el compositor Ben Weisman, ‘Rock-a-Hula Baby’ para la película de Presley ‘Amor en Hawai’ [Blue Hawaii], de 1961.
Luego escribió, también en colaboración, otras canciones para películas de Presley, como ‘Piso de lona’ [Kid Galahad], ‘Puños y lágrimas’ [It Happened at the World’s Fair], ‘El ídolo de Acapulco’ [Fun in Acapulco] y ‘Patinazo’ [Spinout] -así como los temas ‘Someone to Tell it To’, que fue cantada por Nat King Cole, y ‘Losers Weepers’, por Peggy Lee.
Fuller también fundó una compañía discográfica, lanzó la carrera de Johnny Rivers y trabajó como cazadora de talentos.

Nació el 10 de marzo de 1923 en South Bend, Indiana, y su familia se mudó a California cuando tenía diez años. Su familia alojó en un motel en El Monte cuando tuvo su primer encuentro con Hollywood, como extra de fondo en ‘Puños y lágrimas’ [It Happened One Night], de Frank Capra, que estaba rodando en el motel.
Fuller, que empezó a trabajar como modelo a los dieciséis, contó su vida en su autobiografía ‘A Fuller Life: Hollywood, Ed Wood and Me’.
Le sobrevive su marido, el historiador del cine Philip Chamberlin; su hijo Don; tres nietos y numerosos hijastros y nietos.
14 de mayo de 2011
11 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

murió jackie cooper

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Fue niño estrella en los años treinta. Posteriormente destacó como ejecutivo de un canal de televisión y director.

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[Dennis McLellan] Murió Jackie Cooper, cuyos despeinados cabellos rubios y carnosos labios y la capacidad de llorar ante las cámaras lo convirtieron en un niño estrella en películas de los años treinta como ‘Las peripecias de Skippy’ [Skippy] y ‘El campeón’ [The Champ]. Tenía 88 años.
Cooper, que se convertiría en un exitoso actor de televisión en los años cincuenta, en un importante ejecutivo de un canal de televisión de los sesenta y en un director galardonado con un Emmy en los setenta, falleció el martes en una clínica de reposo en Santa Mónica después de una breve enfermedad, informó su hijo John.
Ex miembro del reparto de ‘La pandilla’ [Our Gang] que empezó su carrera en Hollywood como extra en películas mudas a los tres años, Cooper alcanzó al estrellato a los ocho cuando fue el personaje del título de ‘Las peripecias de Skippy’, la película de 1931 basada en una popular tira cómica sobre el hijo de un inspector sanitario y su amigo granuja, Sooky.
La película, en la que Cooper aparece llorando en tres escenas, le ganó una nominación a un Oscar al mejor actor principal. Lionel Barrymore ganó el Oscar ese año. Cooper sólo guardó vagos recuerdos de la ceremonia. Se quedó dormido en el regazo de la actriz Marie Dressler.
Incluido en el reparto cuatro veces con el malencarado Wallace Beery, Cooper es recordado por su papel como el fiel hijo de un boxeador, Beery, caído en desgracia en ‘El campeón’(1931) y como el joven Jim Hawkins, con Beery como Long John Silver, en ‘La isla del tesoro’ [Treasure Island], (1934).
"Era el favorito de todos, y tenía algo que te hacía querer ayudarle", contó al Times el miércoles Ann Rutherford, que trabajaba para MGM en los años treinta y cuarenta. Dijo que "era encantador, y fue un excelente productor de televisión".
Conocido como ‘America’s Boy’ durante sus días de apogeo en MGM, Cooper fue tratado siempre como una gran estrella.
Puso las improntas de sus pies y manos en el Teatro Chino de Grauman. Diarios y revistas lo seguían constantemente. Y tenía un club de fans, un diario con su nombre y una secretaria para responder su correo.
También conoció al presidente Franklin D. Roosevelt y al aviador Charles Lindbergh. Clara Bow era una visita frecuente en su casa en Beverly Hills, y George Gershwin pasó un día por su casa para tocar en el piano de la familia.
A los trece empezó a salir con la adolescente Judy Garland. A los diecisiete, según revelaría décadas después, tuvo una aventura secreta con una colega mayor: la actriz Joan Crawford.
Pero, según Cooper, había un distintivo lado negativo de la fama.
Como un bien valioso de los estudios, le prohibían andar en patines, en bicicleta o incluso cruzar la calle solo, por temor a que le pasara algo. Recibió una mala educación de sus tutores en el plató, y tuvo que soportar las mismas presiones y responsabilidades que sus colegas adultos.
Cooper llevó la crónica de los altibajos de su carrera en su cándida autobiografía de 1981, ‘Please Don’t Shoot My Dog’, escrita con Dick Kleiner.
El título del libro se refiere a un traumático incidente en el plató de ‘Las peripecias de Skippy’, que la dirigía un tío de Cooper, Norman Taurog.
Una vez que el joven Cooper no pudo llorar en una importante escena que exigía llantos, Taurog lo amenazó con sacar del set a su pequeño perro y llevarlo a la perrera. El incidente provocó que Cooper creyera que su perro había sido matado a balazos por un guardia de seguridad.
"Podía visualizar a mi perro, lleno de sangre después de un espantoso disparo", escribió Cooper. "Empecé a sollozar, tan histéricamente que era casi demasiado para la escena. [Taurog] trató de calmarme diciéndome que tal vez mi perro había quedado vivo, que si me apuraba y calmaba un poco y hacía la escena como él quería, podríamos ir a ver si mi perro seguía vivo o no".
Sólo después de hacer la escena tan bien como pudo, se enteró Cooper de que su perro estaba ileso. También vio a Taurog, al guardia y a su abuela riéndose por el engaño.
"Más tarde, la gente trató de consolarme diciéndome que era mejor que fuera un niño estrella", escribió Cooper. "Me hablaron sobre el dinero que había ganado. Mencionaron las cosas excitantes que ya había hecho, la gente que había conocido, la preparación que había tenido, todo eso y mucho más...
"Pero ninguna racionalización, ninguna excusa puede compensar lo que pierde un niño -lo que yo perdí- cuando te privan de una infancia normal para que hagas carrera en el cine".

Nació como John Cooper Jr. en Los Angeles el 15 de septiembre de 1922. Su madre, Mabel, era una pianista acompañante que había trabajado en espectáculos de variedades. Su padre, también pianista y compositor, llevaba una pequeña tienda de música en Los Angeles cuando se conocieron; dejó a su esposa e hijo antes de que Jackie cumpliera dos años.
De niño a Cooper siempre le dijeron que su padre había muerto. Pero años más tarde descubrió que entre 1935 y 1948 su madre le había enviado a John Cooper cien dólares a la semana -del dinero ganado por Jackie.
Tras la muerte de su padre, su madre, en apuros económicos, inició una gira con un espectáculo de vaudeville y Jackie terminó viviendo con su abuela materna.
Para complementar el dinero que Mabel enviaba a casa, la abuela de Jackie se unió a un grupo de personas que se paraban a la puerta de los estudios de cine cercanos con la esperanza de conseguir trabajo como extras -un trabajo por el que pagaban dos dólares al día y un almuerzo.
Después de hacer una audición para Hal Roach, el productor de las comedias de ‘La pandilla’, Cooper firmó un contrato de cincuenta dólares a la semana. Entre 1929 y 1931, apareció en quince comedias de ‘La pandilla’.
Después de su brillante papel en ‘Las peripecias de Skippy’ en 1931, Cooper firmó un contrato con MGM, que lo mantuvo ocupado con más de una docena de películas en los siguientes cinco años.
Como la mayoría de los niños estrellas, Cooper vivió una tranquila carrera como adolescente. Considerado por Louis B. Mayer como un actor más bien soso, el contrato de Cooper con MGM terminó cuando cumplió catorce.
Sus días de gloria como niño estrella habían terminado. Pero trabajando para varios estudios durante los siguientes seis años, apareció en casi dos docenas de películas, incluyendo ‘Reina a los catorce años’ [That Certain Age], con Deanna Durbin; como Henry Aldrich en ‘What a Life’ y ‘Henry quería ir a Alaska’ [Life with Henry]; con Henry Fonda en ‘La venganza de Frank James’ [The Return of Frank James]; y como un adolescente que entra a la madurez en ‘La edad feliz’ [Seventeen].
Pero la carrera de Cooper iba cuesta abajo cuando se enroló en la Armada durante la Segunda Guerra Mundial. Habiendo sido un apto percusionista en su adolescencia, pasó parte de la guerra como percusionista de una banda formada por el ex director de banda civil, Claude Thornhill, que actuaba en bases remotas en el Pacífico Sur.
Al volver a casa después de la guerra, Cooper era, a los veintitrés, prácticamente un desconocido en Hollywood. Lo mejor que pudo conseguir fueron algunos roles estelares en varias películas B, incluyendo ‘Kilroy estuvo aquí’ [Kilroy Was Here], una comedia con ex niño estrella Jackie Coogan.
"Tenía miedo", contó sobre su frustrado retorno a Hollywood en una entrevista de 1956. "No sabía qué hacer. Era un hombre que llevaba pantalones largos que todavía era identificado como un niño estrella. La gente esperaba que yo actuara, y yo no podía".
En 1943 decidió mudarse a Nueva York y empezar de nuevo, en el teatro.
Al año siguiente, hizo su debut en Broadway en el drama ‘Magnolia Alley’. La obra fue cancelada después de algunas funciones, pero le reportó reseñas positivas y lo ayudó a darse a conocer como actor de teatro.
Ese mismo año firmó para ser Ensign Pulver en la exitosa obra de Broadway, ‘Mr. Roberts’, en una compañía de teatro itinerante.
Al volver a Broadway en 1951, Cooper apareció con Janis Paige en ‘Remains to Be Seen’. En los siguientes años, apareció frecuentemente en antologías dramáticas de televisión en vivo, como ‘Kraft Theatre’, ‘U.S. Steel Hour’ y ‘Philco Television Playhouse’.
Para 1954, Cooper se había convertido en un exitoso piloto de carrera a nivel amateur y se había casado y divorciado dos veces: a la actriz secundaria June Horne, con la que tuvo un hijo; y con la actriz neoyorquina Hildy Parks. Poco después de su divorcio de Parks en 1954, Cooper se casó con Barbara Kraus, con la que tuvo tres hijos: Russell, Julie y Cristina.
En 1955 volvió a Hollywood como el actor principal de ‘The People’s Choice’, una comedia de equivocaciones en la que fue Socrates ‘Sock’ Miller, un naturalista del gobierno y concejal enamorado de la hija del alcalde.
La serie, que co-produjo y dirigió, estuvo tres años en NBC. Es mejor recordada por su utilería: el personaje de Cooper tenía una mascota basset hound, Cleo, cuyas irónicas observaciones podían ser oídas por los televidentes.
Cooper trabajó en otra serie, ‘Hennesey’, una comedia dramática en la que fue el teniente Chick Hennesey, un joven oficial médico de la Armada. La serie, de la que fue productor y principal director, fue emitida por CBS de 1959 a 1962.
En 1961, Cooper, que había hecho en televisión algunos cortos de reclutamiento para la Armada durante la serie, fue destinado como capitán de la Reserva Naval de Estados Unidos, y sirvió durante muchos años.
En 1964 fue nombrado vicepresidente a cargo de las operaciones en la Costa Oeste de Screen Gems, una rama de Columbia Pictures’ TV.
Durante sus 51 años como director de Screen Gems, la compañía vendió series como ‘Mi bella genio’ [I Dream of Jeannie], ‘Gidget’, ‘La novicia voladora’ [The Flying Nun] y el culebrón diurno ‘Los días de nuestas vidas’ [Days of Our Lives].
Después de renunciar a Columbia, Cooper fundó una compañía de producción independiente con el productor Bon Finkel para desarrollar propiedades para el cine y televisión.
También siguió actuando, haciendo ocasiones apariciones en programas de entrevistas por televisión y como actor en ‘Mobile One’, una breve serie de 1975, de ABC, en la que era un periodista de televisión. Cooper también fue el editor del diario de Clark Kent, Perry White, en cuatro películas de ‘Superman’.
Pero en los años setenta y ochenta dedicó su vida profesional a la dirección. Ganó su primer Emmy en 1974 por dirigir un episodio de ‘MASH’ y su segundo en 1979 por dirigir el episodio piloto de ‘La sombra blanca’ [The White Shadow], con Ken Howard en el papel principal.
En 1981 dirigió a su colega el ex niño estrella Mickey Rooney en una película de televisión, ‘Leave ’em Laughing’, la historia de un hombre que dio refugio a 37 niños sin casa en Chicago.
Cooper contó al New York Times que para la película trabajó con "niños que nunca habían actuado antes, porque son más auténticos". Pero dijo que él era "un mal director de niños".
"En mis películas no puedo lograr con los niños lo que debería, porque no les miento ni los engaño ni los escurro para sacarles lo que tienen", dijo. "Sufro porque creo que deberían estar jugando fuera, así que encuentro modos de no hacerlos infelices".
Además de su hijo John Cooper, le sobrevive su hijo Russell.
12 de mayo de 2011
5 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

murió arthur laurents

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Dramaturgo. Director en Broadway.

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[Dennis McLellan] Murió el jueves el dramaturgo Arthur Laurents, ganador de un Tony y director de teatro que escribió los libretos de los clásicos musicales de Broadway, ‘Amor sin barreras’ [West Side Story] y ‘Gypsy, la reina del vaudeville’ [Gypsy] y escribió más tarde las taquilleras películas ‘Tal como éramos’ [The Way We Were] y ‘Paso decisivo’ [The Turning Point]. Se cree que tenía 93 años.
Laurents murió durmiendo en su casa en Nueva York, convaleciente tras una corta enfermedad, informó su agente Jonathan Lomma.
Por su trabajo en Broadway durante más de seis décadas, Laurents recibió dos premios Tony: en 1968 como autor del libreto del mejor musical ‘Hallelujah, Baby!’ y en 1984 como mejor director del musical ‘La jaula de las locas’ [La Cage aux Folles].
Pero es mejor conocido por escribir los libretos de ‘Amor sin barreras’ y ‘Gypsy, la reina del vaudeville’, que fueron ambos nominados a un Tony como mejor musical y fueron más tarde llevados a la pantalla.
‘Amor sin barreras’, con música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim, era una historia de amor a lo Romeo y Julieta contemporáneo en el mundo de pandillas rivales de Nueva York. Estuvo en Broadway de 1957 a 1959.
Le siguió ‘Gypsy’, "una fábula musical sugerida" por las memorias de la gitana striptisera Rose Lee y centrada en su madre, Rose (Ethel Merman). ‘Gypsy’ estuvo en cartelera en Broadway de 1959 a 1961.
"El mejor musical en años", deliró el crítico de teatro de la New York Herald Tribune, Walter Kerr, que describió el libreto del musical como "un nocáut neto".
"Creo que el libreto de ‘Gypsy’ es probablemente el mejor libreto en la historia de los musicales de Broadway", dijo Miles Kreuger, presidente del Instituto del Musical Americano de Los Angeles, haciéndose eco de una opinión ampliamente compartida.
"Tiene el carácter, el aire de la época de los varios estilos dramáticos de entonces -es un libro sorprendente", dijo Kreuger al Times en 2009. "Te sientes realmente transportado al mundo del vaudeville y del burlesque de segunda categoría. Es asombroso que ese guión lo logre. Y fue un gran, gran vehículo para Ethel Merman".
‘Gypsy’, dijo más tarde Laurents sobre el espectáculo con música de Jule Styne y letras de Sondheim, giraba sobre "la necesidad de reconocer... una necesidad que todos tenemos".
Laurents, nativo de Brooklyn, inició su carrera en Broadway en 1945 con ‘Home of the Brave’ [Regreso al infierno], un drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial sobre el antisemitismo en las fuerzas armadas. La obra -de muy corta vida- fue llevada al cine en una producción de Stanley Kramer en 1949 en la película del mismo título sobre el racismo.
Entre las otras obras de Laurents se encuentran ‘The Time of the Cuckoo’, una comedia de 1952 que hizo ganar a Shirley Boothel el Tony a la mejor actriz. Una historia romántica de una solitaria solterona estadounidense que vive un romance en Italia, la obra fue llevada al cine en 1955 en una película titulada ‘Locuras de verano’ [Summertime], con Katharine Hepburn en el rol estelar; y más tarde Laurents la adaptó en el musical de Broadway ‘Do I Hear a Waltz?’, de 1965.
Como director de Broadway, Laurents también fue reconocido por ‘I Can Get It for You Wholesale’, una comedia musical de 1962 que marcó el debut en Broadway de la veinteañera Barbra Streisand.
Y fue nominado a un Tony por el revival en Broadway de ‘Gypsy’, en 1974, con Angela Lansbury en el rol principal y el revival de 2008 con Patt LuPone en el rol estelar.
El menudo escritor y director, que fue una vez descrito como un "hombre pequeño, compacto, que parece un cruce entre un senador romano y un instructor de gimnasia", tenía la reputación de ser "difícil".
"Dicen que soy malo", reconoció en una entrevista con el Times en 1984, cuando disfrutaba del aplastante éxito del musical ‘La jaula de las locas’.
"Lo dicen por dos razones", dijo. "Yo era malo... Pienso demasiado rápido, hablo tan rápido como pienso y soy a menudo corrosivo. Pero digo cosas malas para defenderme. La gente que se siente ofendida no se da cuenta de que yo tengo un conjunto muy desarrollado de defensas. Pero aguanto a los idiotas y a los aficionados. Lo que me cuesta es reputación, así que...".

Hijo de un padre abogado y una madre maestra, Laurents nació como Arthur Levine -"lo cambié para encontrar trabajo", dijo a New York Magazine en 2009- en Brooklyn un 14 de julio. Los archivos históricos registran 1917 y 1918 como su fecha de nacimiento.
"Mi padre era humanista, un gran hombre; la rabia la heredé de mi madre", dijo al Times en 2000. "Ella era socialista y atea hasta que conoció a mi padre, y entonces se convirtió en una judía con venganza".
De niño, Laurents se sentía fascinado con el teatro y para cuando tenía diez, ya sabía que quería ser escritor.
Después de estudiar inglés en la Universidad de Cornell en 1937, escribió guiones para programas radiales como el ‘Lux Radio Theater’.
Reclutado por el ejército en 1941 antes de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor, pasó sus cinco años en el ejército escribiendo películas de adiestramiento y radioteatros para el programa ‘Armed Service Force Presents’.
Como guionista en Hollywood durante unos años después de su debut en Broadway en 1945, Laurents rescribió la problemática adaptación al cine de ‘Nido de víboras’ [The Snake Pit], un drama de 1948 sobre el colapso mental de una mujer con Olivia de Havilland en el rol estelar, pero no apareció en los créditos.
También escribió el guión de la película de suspenso de Alfred Hitchcock, ‘Festín diabólico’ [Rope; La soga], de 1948. También escribió los guiones de ‘Anastasia’ (1956), ‘Buenos días, tristeza’ [Bonjour Tristesse] (1958), ‘Tal como éramos’ (1973) y ‘Paso decisivo’ (1977).
Cuando vivía en Hollywood a fines de los años cuarenta, Laurents empezó una aventura con Farley Granger, una de las estrellas de ‘Festín diabólico’. (Granger murió en marzo, a los 85 años.)
En su libro de memorias ‘Original Story By: A Memoir of Broadway and Hollywood’, de 2000, Laurents habló francamente sobre su homosexualidad, su tiempo en la lista negra de Hollywood y sus relaciones personales con numerosas leyendas de Hollywood y Broadway.
Como escritor, Laurents ambientó en la era de McCarthy su ‘Tal como éramos’, la exitosa película de 1937 con Streisand y Robert Redford en los roles estelares u su obra ‘Jolson Sings Again’, de 1995.
En 2009 volvió a Broadway como director de un revival de ‘Amor sin barreras’ (dirigida y coreografiada originalmente por Jerome Robbins, que también dirigió la primera ‘Gypsy’) y publicó su libro ‘Mainly on Directing’.
Laurents no perdió nunca su pasión por el teatro.
"Todavía creo que el sentimiento más maravilloso es caminar por el pasillo de un teatro cuando empieza la obertura de un musical y aún no suben las cortinas y estás loco por ver la magia que se esconde detrás", dijo al diario Asbury Park Press de Nueva Jersey en 1999.
En 1955, Laurents conoció al joven actor Tom Hatcher cuando este era manager de una tienda masculina de Beverly Hills. Estuvieron juntos hasta la muerte de Hatcher, a causa de un cáncer al pulmón, en 2006.
"Tuve la vida más maravillosa que se puede vivir con otra persona", dijo Laurents en el programa ‘Sunday Morning’ de la estación CBS en 2009. "Estoy orgulloso de eso. Es un logro. Porque la mayoría de la gente se separa. Y nosotros nunca lo hicimos".
11 de mayo de 2011
6 de mayo de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

murió yvette vickers

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Actriz y chica Playboy. Recién ahora se descubrió su cuerpo momificado. Se cree que murió hace más de un año. Su cadáver fue descubierto ahora, pero llevaba más de un año de muerta.

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[Valerie J. Nelson] El miércoles se encontró muerta en su casa en Benedict Canyon a la actriz Yvette Vickers, mejor conocida como la mujer fatal de dos películas de horror de culto de fines de los años cincuenta, ‘El ataque de la mujer de 50 pies’ [Attack of the 50 Foot Woman] y ‘Ataque de las sanguijuelas gigantes’ [Attack of the Giant Leeches]. Tenía 82 años.
El estado momificado del cuerpo sugiere que puede haber muerto hace un año, declaró la policía.
Sus vecinos dijeron que no veían a Vickers desde el verano pasado, dijo la actriz Susan Savage, la vecina que descubrió el cuerpo.
Se realizará una autopsia para determinar la causa de su muerte, pero la policía dijo que no sospechaba de la intervención de terceros.
Cuando Savage se dio cuenta de que el buzón de Vickers estaba lleno de cartas viejas, tuvo que empujar una puerta bloqueada para llegar a la casa y encontrar el cuerpo en una habitación con un calentador todavía encendido.
"Vivía sola, tenía amigos y parecía una mujer muy independiente", dijo Savage. "Hasta su muerte siguió recibiendo postales y cartas de todas partes del mundo, pidiéndole fotos".
La "brillante e inteligente" Vickers mostró síntomas de paranoia en los últimos años y pensaba que estaba siendo acechada, contó Boyd Mager, editor y director de Western Clippings, una revista sobre cine. A menudo la acompañaba a festivales de sonido.
Una voluptuosa rubia, Vickers fue la chica del mes de Playboy en 1959 y "demostró tener la apariencia perfecta para las películas de autocine de los años cincuenta, además de las series de televisión", dijo en un email al Times el historiador del cine, Alan K. Rode.
‘El ataque de la mujer de 50 pies’ (1958), una película de bajo presupuesto, le ofreció a Vickers su primera actuación estelar. En la película es una ramera del pueblo que tiene una aventura con un hombre casado. Pero ninguno de los amantes sobrevive, gracias a la furia de una esposa ofendida que se convierte en un demonio después de un encuentro con un alienígena.
Según el Times en una edición de 1993, "es una de las peores películas en la historia del cine", espantosamente mala con efectos especiales rascas y una dirección inepta.
Vickers volvió a actuar en ‘El ataque de las sanguijuelas gigantes’ (1959), en la que fue una esposa promiscua que es devorada por las criaturas del título de la película.
"Era perfecta para ese rol. Era tan guapa, era una persona encantadora", dijo Jan Shepard, que apareció en la película y veía a menudo a Vickers en festivales de cine.
Mientras trabajaba en ‘The Gang’s All Here’ [Toda la banda está aquí] en Broadway, Vickers fue a ver ‘El ataque de las sanguijuelas gigantes’ con los actores del teatro, incluyendo a Melvyn Douglas y E.G. Marshall, que pensaron que "era muy divertida", escribió Vickers en su libro de 2006, ‘Science Fiction Stars and Horror Heroes’.
"Me habría gustado tener otros papeles y en películas más importantes", dice en el libro, "pero esas cosas simplemente me eludieron".
Apareció regularmente en películas para la televisión, pero durante un tiempo fue mejor conocida por su relación de quince años con el actor Jim Hutton y su aventura con Cary Grant, de acuerdo a su biografía All Movie.

Nació como Yvette Vedder el 26 de agosto de 1928 en Kansas City, Montana, hija de los músicos de jazz, Charles e Iola Vedder.
En la UCLA, Vickers descubrió la actuación y dejó la escuela para dedicarse a aprender.
Su primer gran papel en el cine fue como una chica tonta en ‘El crepúsculo de los dioses’ [Sunset Boulevard] en los años cincuenta.
En 1957 apareció en la película ‘Atajo al infierno’ [Shortcut to Hell], de James Cagney, y se volcó en películas B después de su fracaso en la taquilla.
"Su actuación habría sido perfecta en películas más interesantes", dijo Tom Weaver, un aficionado al cine de ciencia ficción que se convirtió en su amigo. "Dio todo en las películas B más básicas".
Casada y divorciada al menos dos veces, Vickers no deja sobrevivientes.
[Andrew Blankstein contribuyó a este artículo.]
6 de mayo de 2011
3 de mayo de 2011
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murió marie-france pisier

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Actiz francesa.

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[Keith Thursby] Murió Marie-France Pisier, actriz francesa que fue descubierta de adolescente por el director de la Nueva Ola, François Truffaut, y llegó a ser la actriz principal en películas como ‘Primo, prima’ [Cousin, Cousine] y ‘Amor entre espías’ [Love on the Run], de Truffaut. Tenía 66 años.
El cuerpo de Pisier fue descubierto el 24 de abril por su marido, Thierry Funck-Brentano, en la piscina de su casa en Saint-Cyr-sur-Mer, France, de acuerdo a la agencia de prensa francesa, Agence France-Presse. No se conoce la causa de su muerte, pero no se sospecha de la intervención de terceros, dijeron las autoridades.
Truffaut dirigió a Pisier en su primera película, ‘Antoine and Colette’, con Jean-Pierre Leaud, una película corta que es parte de ‘El amor a los veinte años’ [Love at Twenty], de 1962. Pisier y Laud representaron a los mismos personajes en la película ‘Amor entre espías’, de 1979.
"Un amigo le envió mi fotografía y al término del año escolar se acercó y me dijo: ‘¿Quieres trabajar conmigo en una película?’", le contó al New York Times en 1982 sobre su encuentro con Truffaut. "Se ponía nervioso ante una colegiala. Era muy divertido".
Su carrera también incluyó papeles con famosos cineastas, como en ‘El fantasma de la libertad’ [The Phantom of Liberty], de Luis Buñuel, de 1974, y en ‘Barocco’, de André Techine, de 1976. Pisier también escribía y dirigía.

Pisier nació el 10 de mayo de 1944 en Dalat en lo que era entonces la Indochina francesa, donde su padre era un gobernador colonial. Tenía doce años cuando su familia se mudó a París.
El éxito de la película ‘Primo, prima’ del director Jean-Charles Tacchella, de 1975, le abrió las puertas de Hollywood, pero la mayor parte de sus papeles no estuvieron a la altura de la calidad de su trabajo en Francia.
"Sé que hubo malos comentarios, pero me divertí mucho en esos roles", le dijo al New York Times en 1981 sobre ‘El otro lado de la medianoche’ [The Other Side of Midnight], la mal recibida película de 1977, basada en la novela de Sidney Sheldon. "Yo había trabajado en Francia en la familia de la vanguardia. Después de un tiempos quieres apartarte de tu familia. De cualquier modo, aprendí que puedes ser una buena actriz incluso en una mala película".
6 de mayo de 2011
2 de mayo de 2011
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murió marvin eisenman

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Propietario de una gigantesca colección de videos y DVDés. Conocido como ‘Marvin of the Movies’, reunió más de 42 mil títulos en los últimos veinticinco años.

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[Valerie J. Nelson] En sus tarjetas de visita, Marvin Eisenman se presentaba a sí mismo como "detective de películas", pero para la informal red de Hollywood que se beneficiaba de su inusualmente extensa colección personal de videos y DVDés, era simplemente Marvin of the Movies.
En los últimos veinticinco años, el retirado administrador de una tienda de abarrotes acumuló cerca de 42 mil títulos mientras se consentía un pasatiempo que había superado de lejos la condición de adicción, decía a menudo.
Lo visitaban estrellas de cine, productores y académicos a la búsqueda de alguna rara u oscura película. Las paredes del estudio en su casa en Encino estaban cubiertas de pruebas fotográficas: agradecimientos firmados por nombres famosos, como Frank Sinatra y Cher.
"Decía a menudo: ‘Los títulos difíciles toman algún tiempo, y los imposibles un poco más", dijo Howard Green, portavoz de los Estudios Walt Disney que buscaba películas difíciles cuando conoció a Eisenman a fines de los años ochenta.
Eisenman falleció el domingo en el Kaiser Permanente Medical Center en Woodland Hills tras complicaciones relacionadas con una afección cardiaca, informó su familia. Tenía 83 años.
"Le encantaba ayudar a los que querían ver una película", dijo Leonard Maltin, crítico de cine e historiador que no podía recordar cuántas veces había leído libros de la biblioteca de Eisenman.
"Y nunca le cobró un centavo a nadie", dijo Maltin. "Lo hacía por el mero placer de poder prestar una película".
Eisenman describió con claridad su filosofía en el Times en 1995: "Al verdadero coleccionista le gusta compartir; de otro modo, es un cerdo".
El productor Howard Koch andaba buscando una copia de la película ‘Elk mensajero del miedo’ [The Manchurian Candidate; El embajador del mal], de 1962, antes de que fuera distribuida como video, y llamó a Eisenman.
"Sí, Frank, la tiene", oyó Eisenman decir a Koch. "Así es como conseguí una foto autografiada de Sinatra", dijo Eisenman en el breve documental ‘Marvin of the Movies’, estrenado a principios de año.
Cuando el actor William Conrad le dijo a Maltin que estaba ansioso por ver ‘Lo conocí en París’ [I Met Him in Paris] (1937), porque había influido en él cuando era joven, Maltin se puso en contacto con Eisenman.
Él mismo respondió el teléfono: "Hola, soy Marvin from the Movies", y la podía conseguir.
El apodo se lo dio Ira Fistell, un presentador de la radio KABC-AM (790) que presentó a Eisenman en su programa los viernes noche durante una década, a partir de los años ochenta.
"Marvin era una de esas personas excéntricas y útiles que aparecen en tu vida", dijo Richard Schickel, crítico de cine e historiador. "La calidad de sus cintas no era exactamente maravillosa, pero cuando las cintas y discos no abundaban como entonces, era un aliado muy necesario".

Nativo de Los Angeles, Eisenman decía que había nacido el día en que se estrenó ‘El cantante de jazz’ [The Jazz Singer], el 6 de octubre de 1927.
A los cinco, estaba barriendo el vestíbulo de un teatro en Boyle Heights, y finalmente se convirtió en acomodador de una cadena de teatros del Eastside.
A fines de los años cuarenta, trabajó como cocinero en un buque de la marina mercante japonesa.
Durante casi cuatro décadas, Eisenman trabajó en tiendas de abarrotes, administrando algunas, como el Hollywood Ranch Market y el Toluca Mart.
Con licencia por incapacidad en 1979 después de una serie de lesiones a la rodilla, Eisenman dijo más tarde que se sentía como si estuviera desapareciendo en la jubilación con su primera esposa Lucille, que estaba enferma. Murió en 1987 después de 41 años de matrimonio.
Las películas en cintas eran la solución. Después de comprar su primera grabadora en 1985, arrendó ‘La aparición siniestra’ [The Whispering Shadow], un serial que había visto de niño.
"Verla no era suficiente", dijo al Times en 1996. "Tenía que tenerla".
A fines de los años noventa, tenía 24 VCRs, incluyendo un Betamax y cinco televisores. Le encantaban las seriales, y la más rara que tenía era una de Brenda Starr de 1945.
Después de casarse con Elaine Glick en 1992, se mudó a su casa y agregaron un estudio para albergar su tesoro, que incluía cortometrajes, dibujos animados y episodios de televisión. Trocaba películas con coleccionistas de todo el mundo.
Su familia tiene la intención de donar su colección a alguna biblioteca especializada en cine.
"Tienes que dar algo de vuelta", dijo Eisenman en CNN en 1997, y lo hizo organizando festivales de cine en el Valley Storefront Jewish Family Service.
Trazar películas viejas era un modo de volver a capturar su juventud, le dijo al Times en 1995, y agregó, melancólicamente: "A menudo, las películas son buenas, pero no tan buenas como para ser recordadas".
Además de su segunda esposa, Elaine, a Eisenman le sobreviven tres hijos de su primer matrimonio -Leon Eisenman, Rosalyn Savage y Judy Rundle; cinco hijastros -Debbie Glick, Robbie Gershkowitz, Sandra Ridley, Ronnie Glick y Beth Glick; dieciséis nietos; y dos biznietos.
2 de mayo de 2011
28 de abril de 2011
©los angeles times

murió william campbell

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Actor de cine y televisión.

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[Keith Thursby] Murió William Campbell, veterano actor que tuvo memorables roles en la serie de televisión ‘Viaje a las estrellas’ [Star Trek], apareció en la primera película de Elvis Presley y en los años cincuenta se casó con la amante del presidente Kennedy, Judith Campbell Exner. Tenía 87 años.
Campbell falleció el viernes, por causas naturales, en el hospital del Fondo de Cine y Televisión [Motion Picture & Television Fund] en Woodland Hills -informó la portavoz del fondo, Jennifer Fagen.
En los años cincuenta y sesenta fue un solicitado actor de cine y televisión. Debutó con ‘Punto de ruptura’ [The Breaking Point], una película de los años cincuenta, y cantó con Presley en ‘Elvis ha salido del edificio’ [Love Me Tender], de 1956.
Otros roles de Campbell incluyen ‘Escrito en el cielo’ [The High and the Mighty] en 1954, ‘Celda 2455, Pabellón de la muerte’ [Cell 2455 Death Row] en 1955, ‘Los desnudos y los muertos’ [The Naked and the Dead] en 1958, ‘Demencia 13’ [Dementia 13], con el director Francis Ford Coppola en 1963 y ‘Canción de cuna para un cadáver’ [Hush … Hush, Sweet Charlotte] en 1964.
Campbell apareció en todos los episodios de ‘Viaje a las estrellas’ de las dos primeras temporadas de la serie original, en la que fue un guerrero Klingon en el episodio de la segunda temporada ‘The Trouble With Tribbles’. Volvió al rol en un episodio de ‘Star Trek: espacio profundo 9’ [Star Trek: Deep Space Nine], de 1994. Entre sus otras apariciones en televisión se encuentra su rol estelar en ‘Cannonball’, una serie sindicada de media hora que empezó en 1958.

Campbell naicó en Newark, Nueva Jersey el 30 de octubre de 1923, de acuerdo a archivos públicos y al Fondo de Cine y Televisión. Según varias fuentes, nació en 1926.
Sirvió en el Pacífico, con la Armada, durante la Segunda Guerra Mundial.
Campbell conoció a Exner, entonces Judith Immoor en una fiesta en 1952 cuando ella pertenecía a la elite joven de Hollywood, contó al Times en 1975. Se casaron ese año y se divorciaron en 1958. Ella murió en 1999.
Una comisión del Senado que investigaba presuntas conspiraciones para cometer asesinatos de la CIA dio a conocer detalladas conversaciones telefónicas entre Kennedy y "una amiga íntima". Exner llamó a una rueda de prensa después de que se filtrara su identidad.
Dijo que su relación con Kennedy era "íntima, de naturaleza personal" y que también había tenido una relación personal con el mafioso Sam Giancana.
"Los amigos comunes que teníamos los podías contar con los dedos de una mano", dijo Campbell sobre su ex esposa en un artículo del Times de 1975. "No sé cómo conoció al presidente".
Durante y después de su carrera actoral, Campbell pasó muchos años trabajando con el Fondo de Cine y Televisión, también como su jefe recaudador.
Le sobreviven su esposa Tereza, con la que se casó en 1963.
2 de mayo de 2011
1 de mayo de 2011
©los angeles times
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