cine

murió betty garrett

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Versátil actriz cómica.

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[Kate Linthicum] Murió Betty Garrett, actriz de comedias que formaba parte fija del reparto de musicales de MGM, como ‘Un día en Nueva York’ [On The Town] y ‘Llévame a ver el partido’ [Take Me Out to the Ballgame]; invitada frecuente en las series de televisión ‘Todo en familia’ [All in the Family] y ‘Laverne & Shirley’; y estrella en Broadway y en proyectos teatrales en Los Angeles. Tenía 91 años.
Garrett falleció el sábado en la mañana en el Centro Médico Ronald Reagan de la Universidad de California en Los Angeles (UCLA), debido a un aneurisma aórtico, informó su hijo Garrett Parks.
El miércoles pasado, Garret cenó con amigos y después dictó su clase semanal sobre comedias musicales en el Theatre West, el teatro sin fines de lucro que ayudó a fundar en North Hollywood hace medio siglo.
"Era una mujer de un optimismo ilimitado", dijo el sábado al Times Miles Kreuger, presidente del Instituto del Musical Americano [Institute of the American Musical]. "En el cine y en televisión mostraba un maravilloso sentido de alegría".
En una entrevista con el Times en 2009, Garret dijo sobre su larga carrera. "La gente me dice: ‘¿Cómo que has durado tanto?’", contó. "Les digo que creo que se debe a que he hecho toda mi vida lo que me gusta hacer".

Nacida el St. Joseph, Montana, el 23 de mayo de 1919, Garrett mostró talento para la actuación desde muy niña.
En 1936 una amiga de la familia la introdujo a la famosa bailarina Martha Graham. Graham recomendó a Garrett para una beca en la Neighborhood Playhouse en Nueva York.
"Terminé la secundaria a los dieciséis y me vine directamente a Nueva York", recordó Garrett más tarde.
Al cabo de unos años, empezó a conseguir roles en Broadway. Tuvo su primer gran éxito en ‘Call Me Mister’, un sketch para una revista de comedia en el que cantaba la popular canción ‘South America, Take It Away’.
Pronto Hollywood se interesó en ella. Un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer la llevó hacia el oeste en 1947 y pasó los siguientes años haciendo musicales, incluyendo los de 1949, ‘La hija de Neptuno’ [Neptune’s Daughter], con Red Skelton, y ‘Un día en Nueva York’, con Gene Kelly y Frank Sinatra.
"Yo estaba viviendo los últimos años de esos que llaman los años dorados’, contó al Times en 1979. "Conocí a Gable y a Tracy y, por supuesto, a Gene Kelly y a Sinatra. Crecer teniendo a Frank como ídolo y luego, repentinamente, convertirte en su actriz principal, es ver convertida en realidad una extraordinaria fantasía".
En 1944, Garret se casó con el actor Larry Parks, que tuvo éxito en el cine con ‘The Jolson Story’, pero cuya carrera terminó cuando fue puesto en lista negra en Hollywood. La pareja recorrió Gran Bretaña con un acto de vaudeville. Parks murió en 1975.
Garret fue mejor conocida por sus papeles en televisión en dos populares series de los años setenta, como la casera Edna Babish en ‘Laverne & Shirley’ y como Irene Lorenzo, vecina de Archie Bunker en ‘Todo en familia’.
En los últimos años montó un espectáculo unipersonal, ‘Betty Garrett and Other Songs’. Aparecía frecuentemente en el escenario del Theatre West. Entre sus últimas actuaciones se encuentra ‘Nunsense’, el estreno en Los Angeles, de ‘Waiting in the Wings’, de Noel Coward, y la revista ‘Betty Garrett, Closet Songwriter’.
Además de su hijo el compositor Garret Parks, la sobreviven su otro hijo (Andrew), actor, y una nieta (Madison).
El sábado noche Madison actuó en una ópera en la escuela secundaria.
"Está siguiendo los pasos de su abuela, dijo Garrett Parks sobre su hija.
3 de marzo de 2011
13 de febrero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

murió kenneth mars

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Veterano actor de pantalla y de voz.

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Murió el sábado en su casa en Granada Hills, de cáncer al páncreas, el veterano actor Kenneth Mars, cuyas memorables actuaciones fueron sus dos colaboraciones con el director Mel Brooks en ‘Los productores’ [The Producers] y ‘El jovencito Frankenstein’ [Young Frankenstein; El joven Frankenstein]. Tenía 75 años.
Durante una carrera que se extendió durante cinco décadas, Mars apareció en más de 35 películas, incluyendo ‘Dos hombres y un destino’ [Butch Cassidy and the Sundance Kid] (1969), ‘Personajes desesperados’ [Desperate Characters] (1971),’¿Qué me pasa, doctor?’ [What’s Up, Doc?] [1972] y ‘Días de radio’ [Radio Days] (1987). También apareció en series de televisión, incluyendo ‘Amor al estilo americano’ [Love, American Style], ‘Fernwood Tonight’, ‘El fantasma y la señora Muir’ [The Ghost and Mrs. Muir], ‘El comisario McMillan y su esposa’ [McMillan & Wife] y ‘Malcolm en el en medio’ [Malcolm in the Middle].
En ‘Los productores’ (1968), fue Franz Liebkind, un nazi medio loco cuya obra, ‘Springtime for Hitler’, atrae a una pareja de intrigantes productores de Broadway representados por Gene Wilder y Zero Mostel. Una de sus frases más citadas fue: "No lo sabe mucha gente, pero el Fuhrer era un pésimo bailarín’.
En ‘El jovencito Frankenstein’, Mars mostró nuevamente su talento para representar personajes germánicos en el papel del Inspector Kemp, un jefe de policía con monóculo y un brazo ortopédico ridículamente defectuoso.
"Pocos actores pueden hacer el papel del alemán estrafalario tan bien como Kenneth Mars", escribió Robert Alan Crick en el libro ‘Big Screen Comedies of Mel Brooks’, de 2009.

Mars nació en Chicago el 4 de abril de 1935. Estudió bellas artes en la Universidad del Northwestern, y empezó a actuar a principio de los años sesenta.
En sus últimos años, fue un solicitado actor de voz para proyectos de dibujos animados para niños y largometrajes animados. Fue la voz de Grandpa Longneck en la serie ‘En busca del valle encantado’ [The Land Before Time; La tierra antes del tiempo] y la de King Triton en ‘La sirenita’ [The Little Mermaid].
28 de febrero de 2011
15 de febrero de 2011
©los angeles times
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murió len lesser

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Veterano actor de carácter.

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Murió el miércoles en Burbank, según informó la publicista Laura Stegman, el veterano actor de carácter Len Lesser, conocido por su rol recurrente como el Tío Leo en la exitosa comedia de NBC-TV, ‘Seinfield’, en los años noventa. Sufría de leucemia y cáncer.
A partir de principios de los años cincuenta, Lesser construyó su reputación como matón en una docena de películas y en cientos de programas de televisión, mientras alimentaba su pasión por el teatro. Pero el calvo actor de nariz ganchuda llevó su carrera a un nivel superior cuando se hizo con el papel del fastidioso Tío Leo, de Jerry Seinfeld, con su característico salud: "¡Hola!"
"Es el tipo de persona que a veces es absolutamente pesada, una persona a la que evitas", dijo Lesser sobre el Tío Leo en una entrevista con el Times de 1998. "Es un tipo muy expansivo, y hay algo de atractivo en eso".

Nacido el 23 de diciembre de 1922 en Nueva York, Lesser estudió economía y administración en la City College de Nueva York en 1942. Tras servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, volvió a Nueva York a estudiar actuación.
Se mudó a Los Angeles en 1954 y empezó a trabajar en televisión y comerciales. Consiguió roles en el cine, incluyendo papeles secundarios en ‘Los héroes de Kelly’ [Kelly’s Heroes], ‘Papillon’ y ‘El fuera de la ley’ [The Outlaw Josey Wales].
Además de ‘Seinfeld’, también tuvo un rol recurrente en la comedia de CBS , ‘Todo el mundo quiere a Raymond’ [Everybody Loves Raymond], como Garvin, el amigo del padre de Raymond.
Trabajaba frecuentemente en producciones locales, entre ellas ‘Cold Storage’ en el Gnu Theatre en 1993, ‘Cantorial’ en el Actors Alley en 1992 y ‘Awake and Sing!’ en A Noise Within, el año pasado.
22 de febrero de 2011
17 de febrero de 2011
©los angeles times
cc traducción mQh

murió miriam hansen

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Hizo la historia del origen del cine en Estados Unidos.

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[Margaret Ramirez] Murió de cáncer, en Chicago el 5 de febrero, Miriam Hansen, que introdujo un nuevo nivel de sofisticación en los estudios cinematográficos con su revolucionario estudio sobre el cine mudo estadounidense e investigaciones sobre el cine y los sentidos humanos. Tenía 61 años.
Hansen fue profesora de humanidades, cine y medios, y de inglés en la Universidad de Chicago. Fundó el programa de estudios de cine y medios en la universidad y lo convirtió en un centro de importancia nacional.
Como académica, analizó la historia del cine en sus primeros días a través de diferentes lentes, prestando mayor atención a la experiencia del espectador y viendo el cine como un nuevo tipo de espacio público.
Su investigación resultó en el histórico libro ‘Babel and Babylon: Spectatorship in American Silent Film’, de 1991.
Sus colegas dijeron que una de sus contribuciones más importantes fue la idea del cine como una fuerza social a través de la cual se podía ver la vida moderna. Ella se refería a ese concepto como "modernismo vernacular".
"En otras palabras, el cine tenía la capacidad de captar el mundo moderno de manera que formas artísticas más tradicionales no tenían", dijo Tom Gunning, amigo y profesor de historia del arte, cine y medios en la Universidad de Chicago.
Poco antes de su muerte, terminó el manuscrito de un libro sobre los teóricos del cine asociados con la Escuela de Frankfurt, titulado ‘Cinema and Experience: Siegfried Kracauer, Walter Benjamin, and Theodor W. Adorno’.

Dorothea Miriam Bratu nació en Alemania el 28 de abril de 1949, como hija de padres judíos que habían huido del país, y retornado después de la guerra. Se doctoró en 1975 en la Universidad Johann Wolfgang Goethe en Frankfurt. Sus primeros trabajos se concentraron en la literatura inglesa y estadounidense y escribió una disertación sobre Ezra Pound.
Pronto pasó a interesarse en el cine. En Estados Unidos enseñó en las universidades de Yale y Rutgers, antes de llegar a Chicago en 1990.
Durante su entrevista laboral en la universidad, conoció al profesor de historia Michael Geyer, que más tarde se convirtió en su marido. Un matrimonio anterior había terminado en divorcio.
La sobrevive Geyer, y un hermano, Micha Bratu.
22 de febrero de 2011
19 de febrero de 2011
©los angeles times
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murió tura satana

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Actriz de culto.

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[Dave Itzkoff] Murió el viernes noche, en Reno, Nevada, Tura Satana, una actriz cuya despótica presencia, exótica apariencia y abultado pecho llamó la atención de los espectadores de la película de culto ‘Faster, Pussycat! Kill! Kill!’ (1965), de Russ Meyer.
Su deceso fue anunciado por su agente de toda la vida, Siouxzan Perry, que informó que se creía que la causa de su muerte fue una deficiencia cardiaca. Perry dijo que Satana tenía 72 años, aunque otras fuentes creen que nació en 1935.

Nacida un 10 de julio como Tura Luna Pascual Yamaguchi, en Hokkaido, Japan, de un padre filipino de origen japonés-filipino y una madre que era parte india cheyenne, parte escocesa-irlandesa, Satana pasó parte de su niñez en el campo de internamiento Manzanar, cerca de Independencia, California, antes de que su familia se estableciera en Chicago. Su aspecto y cultura asiática y el hecho de que madurara precozmente se tradujo en frecuentes acosos y abusos, y vivió de manera itinerante como bailarina exótica y modelo de desnudo. Incluso posó para las fotografías eróticas de Harold Lloyd, el ex comediante del cine mudo, que le sugirió que se dedicara al cine.
El rol que la hizo despegar lo tuvo en ‘Faster, Pussycat! Kill! Kill!’, un filme de explotación de Meyer que, en fuerte contraste con los trabajos posteriores del director, no incluía escenas de desnudos. En esa película, Satana era Varla, cabecilla de un banda de bailarinas a gogó que secuestran a una pareja, asesinan al novio y obligan a la chica a seguirlas en otras aventuras fuera de la ley.
La caracterización que hizo Satana de Varla como una femenina y violenta mujer que reprende frecuentemente a los hombres que se atreven a mirarla, la hizo tan popular que su fama como actriz de culto la persiguió hasta mucho después de la época del drive-in. En las últimas décadas, la influencia de la actitud profesional de Satana se podía observar en artefactos de la cultura pop que iban desde ‘Xena, la princesa guerrera’ [Xena, Warrior Princess] hasta las películas de la serie ‘Kill Bill’, de Quentin Tarantino.
La sobreviven dos hijas, Kalani y Jade, y dos hermanas, Pamela y Kim.
18 de febrero de 2011
5 de febrero de 2011
©new york times
cc traducción mQh

murió lena nyman

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Actriz sueca.

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[Dennis Hevesi] Murió el viernes en Estocolmo la actriz sueca Lena Nyman, cuya actuación en la película de sexo explícito ‘I Am Curious (Yellow)’ enfureció a los censores en los años sesenta y contribuyó a convertir la película en éxito de taquilla. Tenía 66 años.
Falleció después de una prolongada enfermedad, declaró a la Associated Press el agente de Nyman, Mats Nilemar.
Después de ‘I Am Curious’, Nyman prosiguió con una distinguida carrera. En total, actuó en más de cincuenta películas suecas y series de televisión, notablemente en la película de Ingmar Bergman, ‘Sonata de otoño’ [Autumn Sonata], en 1978, en la que fue la hermana mentalmente deteriorada de una lograda pianista (Liv Ullman).
Pero fue con ‘I Am Curious’ que dejó quizás su marca más indeleble. En la película, Nyman representa a una joven intensamente seria, llamada también Lena, que recorre Estocolmo como una periodista aficionada, planteando preguntas sobre las costumbres que le parecían que habían calcificado la vida en Suecia. Le pregunta a la gente si Suecia es realmente una sociedad sin clases, y a fastidiosos funcionarios sindicales por qué es el movimiento laborista tan conservador.
A la búsqueda de su propia identidad sexual, Lena tiene una tempestuosa relación con Borje (Borje Ahlstedt), al que conoce en una tienda. Tienen sexo en un árbol y en una balaustrada frente al palacio real, entre otros lugares.
Financiada con 160 mil dólares por el cineasta sueco Vilgot Sjoman, ‘I Am Curious (Yellow)’ alarmó al Servicio de Aduanas de Estados Unidos, que la prohibió en el país en enero de 1968 por considerarlo obscena. En noviembre, una corte de apelaciones federal resolvió que la película caía bajo la protección de la Primera Enmienda, que permitió su estreno en marzo de 1969. La película reportó cinco millones de dólares en los primeros seis meses y continuó siendo la película extranjera más exitosa en Estados Unidos durante veintitrés años.
Si "los cavernícolas de la oficina de aduanas" no hubiesen requisado ‘I Am Curious (Yellow)’, escribió Newsweek en marzo de 1969, "probablemente no se formarían esas filas de miles y miles de personas, esperando tener el privilegio de pagar cuatro dólares con cincuenta para ver la película".
Las reseñas fueron tibias. "La actuación de la señorita Nyman es monótona, y lo único que la redime es su rabia, que parece genuina e ilimitable", escribió Joseph Morgenstern en Newsweek. En The New York Times, Vincent Canby escribió: "Lena Nyman y Borje Ahlstedt son buenos, además de ser perfectamente presentables para los papeles principales". Agregó que las escenas de sexo eran "tan llanamente veraces que dejan de ser pornográficas".
En Suecia, algunos críticos consideraron ofensiva la película. Debido a su figura rellena, otros llamaron gorda a Nyman. Eso no la detuvo. En 1968 volvió a ser Lena en ‘I Am Curious (Blue)’, casi un remake de ‘Yellow’. (La bandera sueca es azul y amarillo).

Nyman, que nació en Estocolmo el 23 de mayo de 1944, estaba estudiando en la Escuela Nacional de Teatro de Suecia cuando Sjoman la eligió para ‘I Am Curious’.
Nyman quedó anonadada con la reacción en su país ante las películas de la serie ‘Curious’, contó al Times en 1974. "Sabes", dijo, "a algunas personas, el sexo las horroriza. Me horrorizó que estuvieran todos tan horrorizados. Hubo tanta conmoción sobre esa película. ¡Guau!"
"Como si en Suecia nadie hubiese visto nunca a un hombre o mujer desnudos".
18 de febrero de 2011
5 de febrero de 2011
©new york times
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maria schneider

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Actriz de ‘El último tango en París’.

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[Dennis McLellan] Murió Maria Schneider, la actriz francesa que trabajó con Marlon Brando en ‘El último tango en París’ [Last Tango in Paris], la película de 1972 cuyo fuerte contenido erótico provocó una controversia internacional. Tenía 58 años.
Schneider falleció el jueves en París después de una larga enfermedad, según informó su familia a la Agence France Presse.
Era una voluptuosa chica de diecinueve años, de largos y rizados cabellos color castaño y cara de niña cuando fue contratada para ‘El último tango en París’ por el guionista y director Bernardo Bertolucci, una película en la que representa a una joven novia parisiense que busca un departamento para alquilar. Su personaje empieza una relación sexual anónima en un departamento vacío con un desconsolado estadounidense de edad mediana (Brando) cuya esposa francesa acaba de suicidarse.
La película, clasificada como sólo para adultos, que la crítico de cine Pauline Kael llamó "un hito histórico en la historia del cine", y que el crítico Roger Ebert dijo que era "una de las grandes experiencias emocionales de nuestra época", fue prohibida en varios países por sus escenas eróticas y de desnudos".
"Es increíble", dijo Schneider en una entrevista con el Daily Mail de Londres. "He hecho cincuenta películas y han pasado 35 años desde ‘El último tango en París’, y sin embargo esa es la única película sobre la que me pregunta todo el mundo".
La infame escena sexual de la película, la que implica el uso de mantequilla, no estaba en el guión original.
"La verdad es que fue Marlon el que vino con la idea", dijo Schneider. "Sólo me lo dijeron poco antes de filmar la escena, y me enfadé. Podría haber llamado a mi agente o a mi abogado, porque no puedes obligar a nadie a hacer algo que no esté en el guión, pero en ese momento yo no sabía eso".
"Marlon me dijo: ‘Maria, no te preocupes, es sólo una película’. Pero durante la escena, aunque lo que estaba haciendo Marlon no era real, yo estaba derramando lágrimas verdaderas. Me sentí humillada y, para decir la verdad, me sentí un poco violada, tanto por Brando como por Bertolucci. Después de la escena, Marlon ni me consoló ni me ofreció excusas. Gracias a Dios, fue sólo una toma".
En su reseña de la película cuando fue estrenada en Estados Unidos en 1973, Charles Champlin, del Times, escribió que Schneider "es un triunfo del reparto: petulante, autoindulgente y convincentemente horrorizada de haber ido más allá de sus propias profundidades".
En la entrevista con el Daily Mail de 2007, Schneider dijo que "después de ‘El último tango en París’ no volvió a aparecer nunca más desnuda en una película, aunque me ofrecieron muchos papeles. Hoy la gente está habituada a esas cosas, pero cuando se estrenó la película en 1972, causó un escándalo".
La película, por la que Brando y Bertolucci fueron nominados a un Oscar, convirtió a Schneider en una estrella famosa en todo el planeta.
Pero el resplandor de los medios, dijo en la entrevista de 2007, "me indignó. Empecé a usar drogas -marihuana y luego cocaína, LSD y heroína-, para escapar de la realidad... No disfrutaba para nada de la fama, y las drogas me permitieron escapar. Tomé barbitúricos y traté de suicidarme, pero sobreviví porque Dios decidió que no era mi hora".
Contó que aunque perdió muchos amigos debido a las drogas, finalmente conoció a alguien que la ayudó a parar.
Interrogada sobre quién era por un periodista del Sunday Independent de Irlanda en 2006, Schneider contestó: "Un ángel... No diré si se trata de un hombre o de una mujer. Pero eso fue en 1980 y todavía estamos juntos".

Hija del actor francés Daniel Gélin y de una madre rumana, Schneider nació en París el 27 de marzo de 1952 y creció con su madre cerca de la frontera francesa con Alemania.
Se escapó de casa a los quince, y se dice que no conoció a su padre sino cuando había cumplido los dieciséis. Brigitte Bardot, una de las antiguas co-estrellas de su padre, le ofreció un cuarto en su casa.
En la entrevista con el Sunday Independent, Schneider dijo que Warren Beatty, que estaba de visita en la casa de Bardot, insistió en que trabajara con su agente. "Llamó a William Morris y le dijo: ‘Podrías ocuparte de esta joven actriz, es increíble’, aunque yo no había hecho nada’".
Después de ‘El último tango en París’, su papel en ‘El pasajero’ [The Passenger], con Jack Nicholson y bajo la dirección de Michelangelo Antiononi en 1975, fue su actuación más notable.
Comentando su carrera en la entrevista con el Sunday Independent de 2006, Schneider dijo que, en retrospectiva, no debería haber hecho ‘El último tango en París’.
"Debería haber dicho no", dijo. "Debería haber empezado de manera más gradual, con más discreción. Habría sido una actriz de todos modos, creo, pero más tranquilamente".
En su tiempo libre en los últimos años, Schneider dirigió una organización benéfica que ayuda a actores y artistas viejos que atraviesan por periodos de mala racha.
17 de febrero de 2011
4 de febrero de 2011
©los angeles times

cc traducción mQh

john barry

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Compuso la banda sonora de once películas de James Bond.

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[Dennis McLellan] Murió John Barry, galardonado compositor de películas como ‘Nacida libre’ [Born Free] y ‘Memorias de África’ [Out of Africa], que ocupó un prominente lugar en la historia de la cultura pop tras escribir la banda sonora de once películas de James Bond, incluyendo ‘Desde Rusia con amor’ [From Russia With Love] y ‘James Bond contra Goldfinger’ [Goldfinger]. Tenía 77 años.
Según informó su familia en una declaración, Barry murió el domingo en Nueva York, donde llevaba viviendo algún tiempo. No se reveló la causa de su muerte.
"Creo que es, sin ninguna duda, uno de los autores de música para películas más importantes de los últimos cincuenta años", dijo al Times el lunes el historiador de bandas sonoras Jon Burlingame, profesor de historia de música de cine en la Universidad de Carolina del Sur.
En una carrera que empezó en 1960 y se prolongó durante más de cuarenta años, el compositor oriundo del Reino Unido ganó sus primeros Oscars con las películas ‘Nacida libre’ (1966) a la mejor banda sonora original y a la mejor canción original (el popular tema que escribió con el letrista Don Black).
Barry también fue galardonado por la Academia por las bandas sonoras de las películas ‘El león en invierno’ [The Lion in Winter] (1968), ‘Memorias de África’ (1985) y ‘Danza con lobos’ [Dances with Wolves; Bailando con lobos] (1990). Y fue nominado por las películas ‘María, Reina de Escocia’ [Mary, Queen of Scots] (1971) y ‘Chaplin’ (1992).
Su trabajo en las películas de Bond en los años sesenta ayudaron a Barry a situarse a la vanguardia de los compositores de música para películas.
Todo empezó con el trabajo de Barry sobre el tema de Monty Norman para ‘Agente 007 contra Dr. No’ [Dr. No], la primera película de 007 del escritor Ian Fleming en 1962, con Sean Connery en el papel principal. La banda sonora era de Norman.
Barry escribió luego para ‘Desde Rusia con amor’, ‘James Bond contra Goldfinger’, ‘Operación Trueno’ [Thunderball], ‘Sólo se vive dos veces’ [You Only Live Twice], ‘007, al servicio de su Majestad’ [On Her Majesty’s Secret Service], ‘Diamantes para la eternidad’ [Diamonds Are Forever], ‘El hombre de la pistola de oro’ [The Man with the Golden Gun], ‘Moonraker’, ‘Doctor Octopus’ [Octopuss], ‘En la mira de los asesinos’ [A View to Kill; Panorama para matar; Una vista para matar] y ‘Su nombre es peligroso’ [The Living Daylights; Alta tensión; El amanecer viviente].
"Creo que James Bond habría sido mucho menos interesante sin John Barry", dijo a la radio BBC su colega compositor de las películas de Bond, David Arnold, tras enterarse de la muerte de Barry.
Sobre el memorable arreglo de Barry del tema de Bond para ‘Agente 007 contra Dr. No’, Arnold dijo a Burlingame, en un artículo en el Daily Variety de 2008: "Combina el estilo despreocupado del bebop con esa oscura y distorsionada guitarra eléctrica, que es definitivamente un instrumento del rock ‘n’ roll.
"A nivel de sonido representaba todo lo que era el personaje: un chulo fanfarrón y engreído, tenebroso y peligroso, provocador, sensual, incansable. Y lo hizo en dos minutos".
En 2001, Norman obtuvo una indemnización por difamación del Sunday Times de Londres por un artículo que afirmaba que él no había escrito el famoso tema de James Bond. El diario negó la imputación, alegando que Barry era el compositor del tema.
De acuerdo a la versión de la Press Association, Barry había sido contratado para escribir el tema en una fase posterior del proyecto "porque a Norman se le había acabado la inspiración y pasaba por una crisis".
Aunque Barry declaró ante el jurado que la afirmación de Norman de que él había escrito solo el tema era un "absoluto sin sentido", el jurado falló unánimemente a favor de Norman.
En un artículo en el Daily Variety de 2008, Barbara Broccoli, que empezó la producción de las películas de Bond en 1995, elogió el trabajo de Barry. Es la hija del productor original de las películas de Bond, Albert R. ‘Cubby’ Broccoli.
"John es parte del ADN original de las películas de Bond", dijo. "El sonido creado por él era único y finalmente fue muy importante para toda la historia de Bond".
Al hacer la crónica de la transformación de Barry como compositor de música para películas, Burlingame dijo el lunes que la carrera de Barry "empieza con una elástica guitarra en el lenguaje del rock [en la película ‘Beat Girl’ de 1960], progresa pasando por el fresco sonido pop-orquestal de las películas de James Bond y finalmente cristaliza en las románticamente grandiosas bandas sonoras sinfónicas, exuberantemente orquestadas, para películas como ‘Memorias de África’ y ‘Danza con lobos’.
La larga y variada lista de logros de Barry como compositor incluye ‘Zulú’ [Zulu], ‘Plan siniestro’ [Seance on a Wet Afternoon], ‘El caudillo de los desalmados’ [King Rat], ‘Petulia’, ‘Perdidos en la noche’ [Midnight Cowboy; Cowboy de medianoche], ‘Robin y Marian’ [Robin and Marian], la versión de ‘King Kong’ de 1976, ‘En algún lugar del tiempo’ [Somewhere in Time], ‘Fuego en el cuerpo’ [Body Heat; Cuerpos ardientes], ‘The Cotton Club’, ‘Peggy Sue se casó’ [Peggy Sue Got Married; Peggy Sue, su pasado la espera] y ‘Propuesta indecente’ [Indecent Proposal].
Galardonado cuatro veces con un Grammy, también compuso la banda sonora de las películas para televisión ‘Eleanor y Franklin’ [Eleanor and Franklin], ‘El zoo de cristal’ [The Glass Menagerie] y ‘El amor en ruinas’ [Love Among the Ruins], de los años setenta.
"Todos los grandes artistas son reconocibles por su estilo", dijo a Variety Black, que colaboraba frecuentemente con Barry, en 2008.
"Sólo tienes que oír una nota de Sinatra para saber que es él", dijo. "Ocurre lo mismo con John Barry. Escucha ‘Diamantes para la eternidad’ o ’Sólo se vive dos veces’ o ’James Bond contra Goldfinger’ y lo sabes desde el principio".

Barry, el menor de cuatro hermanos, nació como John Barry Prendergast el 3 de noviembre de 1933 en Yorkshire, Inglaterra, donde su padre era propietario de varios teatros y su madre, pianista.
Barry empezó a estudiar piano a los nueve años y más tarde aprendió trompeta y estudió orquestación. A los dieciocho, se enroló en el ejército británico y sirvió en la banda militar cuando estaba destinado en Egipto y Chipre, donde siguió un curso de arreglos por correspondencia.
Tras su licenciamiento, formó su propio grupo instrumental, los John Barry Seven, que tocaban lo que se ha descrito como música influida por el jazz, el blues y el rock ‘n’ roll. El grupo tuvo varios éxitos y también acompañó al cantante Adam Faith. Cuando Faith apareció en la película ‘Beat Girl’, Barry se encargó de la banda sonora.
Barry, cuyo trabajo en el teatro incluye los musicales ‘Billy’ y ‘Brighton Rock’, fue inducido en el Songwriters Hall of Fame en 1998. Al año siguiente, fue nombrado oficial de la Orden del Imperio Británico.
Barry se divorció tres veces. Le sobreviven su esposa durante 33 años, Laurie, cuatro hijos y cinco nietos.
15 de febrero de 2011
1 de febrero de 2011
©los angeles times

cc traducción mQh