arte

conmoción por rana crucificada

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Escultura de una rana crucificada no deja de provocar polémicas en Italia. La obra, que en mayo debió ser trasladada al tercer piso del museo de Bolzano, hoy tiene a un dirigente en su octavo día de huelga de hambre.

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Roma, Italia. Una rana crucificada, expuesta como obra de arte en un museo de Bolzano, en el norte de Italia, ha levantado airadas protestas en ese país, hasta el punto de que un dirigente regional lleva ocho días en huelga de hambre.
La controvertida pieza, realizada por un artista alemán y que lleva varias semanas de conflictiva exposición, es considerada como una "provocación" a los católicos por el dirigente político en huelga, Franz Pahl.
"La rana ha sido desplazada, pero la provocación continúa", protestó Pahl ante los medios locales.
En mayo pasado, el presidente de la región, Luis Durnwalder, pidió la retirada de la obra porque estimó que ofendía a la población, "que es en un 99% católica", dijo.
La obra fue trasladada al tercer piso del museo, por decisión de su directora, Corinne Diserens, quien no obstante denunció la "instrumentalización" del arte por razones políticas.
La polémica en torno a la rana crucificada, una escultura de Martin Kippenberg, fue comentada por prelados de la región con el papa Benedicto XVI, quien está pasando una temporada de vacaciones en los Alpes, cerca de Bolzano.

31 de julio de 2008
©emol

murió michael turner

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Autor de libros de cómics. Se hizo conocido por las portadas altamente estilizadas que creaba para importantes títulos y sus representaciones de curvilíneas mujeres. A los 37.

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[Valerie J. Nelson] Murió Michael Turner, un importante escritor y dibujante de cómics que era conocido por las portadas altamente estilizadas que creaba para importantes revistas, y por sus dibujos de personajes femeninos con curvas tan imponentes como sus superpoderes. Tenía 37 años.
Murió el 27 de junio en un hospital de Santa Mónica por complicaciones relacionadas con un cáncer, informó Vince Hernández, editor de Aspen MLT, la editorial Santa Monica que fundó Turner en 2003.
A través de su compañía, Turner creó adaptaciones de cómics online para la serie de la NBC, ‘Heroes’, y publicó sus propios títulos, entre ellos los éxitos de venta ‘Fathoom’, una historia de alta mar sobre una superheroína con poderes basados en el agua.
"Era definitivamente uno de los dibujantes de cómics más populares e influyentes de estos momentos", dijo Andrew Farago, curador del Museo de Arte de Caricaturas de San Francisco. "Era un artista muy, muy demandado para proyectos de gran envergadura".
Desde 2000 Turner luchaba contra la chondrosarcoma, un cáncer a los huesos. La enfermedad redujo su capacidad de producir el tipo de arte secuencial de trabajo intensivo que exige la narrativa del cómics y era una de las razones por las que se dedicó a diseñar portadas.
Era un nombre rentable, cuyo arte dinámico y etéreo a la vez a menudo aumentaba las ventas.

Ryan Liebowitz, director general de la tienda Golden Apple Comics en Los Angeles, dijo que el nombre de Turner era sinónimo de portadas de ediciones especiales que se convirtieron a menudo en artículos de colección.
"Sólo hacía las cubiertas de los mejores proyectos, y los más grandes: ‘Justice League’ para DC y ’Civil War’ para Marvel", dijo Liebowitz said. "Los fans lo aclamaban por eso".
Turner dibujó frecuentemente las portadas de publicaciones de como DC Comics, como ‘Superman/Batman’ y ‘The Flash’. Cuando DC decidió resucitar a Supergirl después de una larga ausencia, contrataron a Turner para que la re-imaginara.
Dan DiDio, editor de DC Comics, dijo al Times que Turner a menudo combinaba "inocencia y sensualidad" en sus personajes de cómic.
"Hizo correr a Flash más rápido que nunca, incluso cuando lo dibujaba sentado", dijo DiDio. "Había energía en todo lo que hacía".
Turner dibujó a menudo cubiertas de ediciones especiales de publicaciones que incluían a personajes como el Increíble Hulk y los X-Men. El histórico número quinientos de ‘Uncanny X-Men’ incluye una portada especial diseñada por Turner.
En 1994 Turner fue contratado por Top Cow Productions, de Century City, después de que un editor viera sus dibujos en un congreso de Comic-Con en San Diego.
En Top Cow, Turner creó, en colaboración, ‘Witchblade’, un cómic sobre una mujer detective que lucha contra el mal después de encontrar un guante místico. La visión artística de Turner in ‘Witchblade’, puso a Top Cow nuevamente en el mapa, dijo Marc Silvestri, presidente de la editorial.
"Gran parte del éxito de ‘Witchblade’ tenía que ver con el talento artístico de Mike y su deseo de crear grandeza... Se acercaba a la creatividad sin temor. Eso se veía en cada página que hacía. Su trabajo era muy entretenido", dijo Silvestri.
‘Witchblade’ y ‘Fathom’, otros de sus trabajos de juventud, incluían personajes principales voluptuosos dibujados en un estilo que fue característico de Turner.
"Llevó glamour y brillo al cómic", dijo Liebowitz, de Golden Apple. "Su trabajo tenía atractivo sexual".

Michael Layne Turner nació en Crosville, Tennessee, en 1971, y estudió medicina en la Universidad de Tennessee. Un semestre antes de su graduación, se mudó a Aspen, Colorado, y luego a San Diego, donde enseñó artes marciales.
De niño no supo lo que era el cómic. Lo descubrió en una feria de San Diego y quedó enganchado, contó Turner una vez.
Su rápido crecimiento como artista era impresionante, lo mismo que su aproximación optimista a la vida, incluso cuando luchaba contra el cáncer, dijo Silvestri, de Top Cow. "Sus páginas te hacían querer volar por el aire, y así es como vivió su vida".
Le sobreviven su madre, Grace Crick; su hermano, Jake Turner; y su novia, Kelly Carmichael.

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22 de julio de 2008
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el pintor que adoraba a las mujeres

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Roy Lichtenstein simplemente adoraba a las mujeres, confiesa su viuda.

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[Roberta Smith] ‘Roy Lichtenstein: Girls’, en la Galería Gagosian, presentó doce tempranos retratos de figuras femeninas de Lichtenstein, conocidas de otro modo como mujeres. Basadas en cuadros de cómics y rubias por lo general, son mujeres anónimas, guapas y a menudo fastidiadas, habitualmente por hombres. O, si lo preferís, por chicos.
Dejando el título de lado, la exhibición es fantástica. Precisamente cuando pensábamos que ya habíamos visto más que suficiente Pop Art para que la impresión nos durara toda la vida, esta selección nos muestra algo más. Revela a un Lichtenstein retocando su indeleble aunque impersonal estilo, y se lo puede apreciar en uno de los contextos arquitectónicos más comprensivos de la pintura que existen en Nueva York. Y, finalmente, sólo un ogro podría negar que, de cierto modo, los retratos de Lichtenstein glorifican a la mujer americana, otorgando a sus inocuas imágenes de una identidad genérica inventada y sus turbulentas emociones, un deslumbrante poder formal.
Después de todo, Dorothy Lichtenstein, la viuda del artista, observa en una entrevista en el catálogo de la exhibición, que "Roy adoraba a las mujeres". Y el anonimato de sus retratos conoce excepciones. La risueña mujer de ‘Sound of Music’ es claramente Julie Andrews a punto de echarse a cantar cuando notas musicales fluyen por la ventana -aunque su alegría es mitigada por la afilada sombra oscura que divide su cara en áreas de rojo y azul, no muy diferente a la franja verde en el retrato de Matisse de su mujer con sombrero.
Esas pinturas son en sí mismas estallidos, chispazos de composición, América, humor y color galvanizados y convertidos en uno solo por una inteligencia gráfica. Debido a que sus maquinaciones visuales son perfectamente obvias, convierten términos normalmente arcanos como forma y formalismo en términos hilarantemente asequibles. En lo esencial, los vemos funcionar.
La señora Lichtenstein observa que Lichtenstein pintaba en un caballete que le permitía girar las telas para comprobar que su impacto operaba en todos los sentidos. En otras palabras, tenía que funcionar de modo abstracto, de un modo que no pudiera ser pasado por alto.
De 1962, 1963 y sobre todo 1964, las imágenes basadas en cuadros de cómics están dominadas por rojos, amarillos y azules industriales, contorneados generosamente con líneas negras. El asalto del color y el aparente mutismo de las imágenes son interrumpidos por balones en blanco y negro de diálogos o pensamientos (o, veces, de música), que asumen un complejo papel visual y cognitivo en la vena de las frases de Garbo.

Las pinturas que no incluyen balones pueden parecer demasiado mudas, pero la quietud es justamente su punto. En ‘Blonde Waiting’, podemos sentir cómo marcan los segundos el silencio de una mujer con una mata de pelo amarillo a lo Angie Dickinson, mientras observa intensamente un despertador amarillo contra un catre amarillo, preguntándose a qué hora llegará su Príncipe Azul. El silencio se convierte en película policial en ‘Little Aloha’, donde los colores dominantes son el negro y el azul oscuro y una de las escasas no-rubias de Lichtenstein nos mira seductoramente desde las sombras.
Pero incluso sin los balones y notas musicales, el blanco es un elemento esencial en esas pinturas. Es visible en los elementos destacados, como las lágrimas de felicidad de la mujer en ‘Kiss V’, una compacta composición que puede haber ganado mucho con el caballete giratorio de Lichtenstein. Pero el blanco es usualmente filtrado por los puntos Ben-Day. El cultivo y manipulación del punto por parte de Lichtenstein es uno de los principales subtextos de la exposición.
En los tempranos trabajos que se exhiben aquí -‘Forget It Forget Me!’, ‘Little Aloha’ e incluso en la clásica ‘Masterpiece’ (donde la chica pronuncia las proféticas palabras: ‘Why, Brad darling, this painting is a masterpiece!’)-, los puntos son tenues y desiguales, sin imponerse. Pero ganan pronto en tamaño y substancia y diversificación. Por ejemplo, los labios de las mujeres son a menudo representados no en sólidos rojos sino en estrellas Ben-Day, franjas o pajaritas que sobresalen entre los puntos de los rostros.
Los puntos Ben-Day permiten que las pinturas de Lichtenstein se vean a la vez más y menos artificiales. Representan la reproducción mecánica, pero también agregan sugerencias de luz y reflejos, variantes colores y variaciones de textura. Los reflejos llevarán finalmente a Lichstentein a sus numerosos retratos de espejos, aunque parecen haberse engendrado en esculturas de cerámica y trabajos en esmaltes de porcelana sobre acero, una pequeña muestra de las cuales se incluye en la exhibición de Gagosian. En sus brillantes superficies, falsos reflejos y sombras -como los agresivos y dispersos puntos Ben-Day en ‘Head With Red Shadow’- competen con los reales.
El entrevistador de la señora Lichtenstein en el catálogo, el artista Pop contemporáneo Jeff Koons, que alterna habitualmente los aires robóticos con las percepciones genuinas. A veces funde las dos, como cuando dice: "Siempre me gustó cómo la obra de Lichtenstein reta a la vida, porque trata de competir con la fuerza vital en el reino de lo artificial. Trataba de mantener el aspecto artificial y desafiar el poder de la vida".

Esta es otra exposición de carácter museográfico de la galería de Larry Gagosian, y, como es a menudo el caso aquí, todo tiene una doble función, como presentar a artistas que a todo marchante le gustaría representar. No sólo está aquí la entrevista de Koons con la señora Lichtenstein; Richard Prince, que acaba de salir de la Galería Gladstone y está preparando su exposición en la galería de Gagosian en Roma, contribuye con un pequeño folleto. Yuxtapone cada una de veintidós vaporosas portadas de libros de literatura barata (titulados todos con nombres de pila de mujeres) con un retrato de mujer de Lichtenstein. Las ilustraciones de curvilíneas vampiresas apenas vestidas deben haber sido lo último que tenía Lichtenstein en mente.
Lo que tenía en mente era la forma, una transformación de los términos de lo real y lo artificial que, como sugiere Koons, estaba más allá de todo, como una cosa en sí misma. Esta exposición deja especialmente claro que el trabajo de Lichtenstein funciona como una especie de texto elemental para observar y entender la gran ficción que es la pintura: las reflexiones que requiere, su mecánica, su simplicidad y extrañeza. Estas grandes pinturas conllevan todo eso en un estallido de placer, compuesto por la excitación de la comprensión.

La exposición en la Galería Gagosian terminó el 28 de junio de 2008.

7 de julio de 2008
11 de junio de 2008
©new york times
cc traducción mQh

murió ted key

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Creador de los personajes de historietas ‘Hazel’, ‘Mr. Peabody and Sherman’. A los 95.

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[Dennis McLellan] Murió Ted Key, el dibujante de revistas que creó a la mandona pero adorable criada Hazel en los años cuarenta y más tarde al viajero en el tiempo, Mr. Peabody y Sherman, de ‘Rocky and Bullwinkle’, la famosa serie de dibujos animados de la televisión. Tenía 95 años.
Key, al que diagnosticaron cáncer a la vejiga a fines de 2006 y sufrió un derrame en septiembre pasado, murió el sábado en su casa en Tredyffrin Twonship, Pensilvania, informó su hijo Peter.
Key, nacido en Fresno, era un dibujante independiente de Nueva York cuando en 1943 vendió al Saturday Evening Post un dibujo sobre una criada.
La venta se convirtió en un inesperado despegue para Key, cuyo dibujo fue poco después un elemento regular de la revista de circulación nacional.
El personaje llegó a ser tan popular que la primera colección de dibujos de ‘Hazel’, publicada por Dutton en 1946, vendió la impresionante cantidad de medio millón de ejemplares.
Peter Key dijo que la idea de su padre de dibujar a una criada la tuvo en un sueño.
"Despertó, la apuntó y se volvió a dormir", dijo Peter Key al Times el lunes. "Despertó a la mañana siguiente y miró el apunte, sin esperar nada en especial porque la mayoría de las cosas que soñaba eran maluchas".
Pero esta vez Key leyó lo que había escrito y pensó que estaba bien. Así que hizo el dibujo y el Post lo compró.
A la semana siguiente, hizo dos dibujos más con la criada, presentó uno al Saturday Evening Post y el otro a la revista Collier’s. Las dos revistas los compraron y a la semana siguiente hizo tres dibujos más con la criada: una para el Post, otro para Collier’s y otro para This Week, el suplemento dominical del Sunday.
"Los compraron los tres, y poco después el Post, que era el comprador más importante de la época, le dijo: ‘Queremos los dibujos de la criada en exclusiva’", contó su hijo.
El personaje evolucionó rápidamente, agregó.
"Originalmente era flaca y tonta, y él no se sentía cómodo haciendo chistes sobre la estupidez de la gente, así que la criada evolucionó rápidamente en lo que sería años más tarde".
Aunque su padre escogió el nombre de Hazel al azar, dijo Peter Key, tuvo una consecuencia no intencionada: Hazel era el nombre de una hermana de un editor del Saturday Evening Post. "Pensó que el editor había elegido el nombre para fastidiarla y estuvo dos años sin hablarle", dijo.

Peter Key, que escribió chistes para ‘Hazel’ durante ocho años en los años setenta y ochenta, cree que la "humanidad" de Hazel contribuyó en gran parte a su éxito. La criada trabajaba para la familia Baxter con lo que Key describió como "la precisión de un sargento de marines".
"Ciertamente, de algún modo, decía cosas que la gente hubiese querido decir a figuras de autoridad, a veces a sus jefes y a veces a figuras de autoridad en general.
"Pero siempre tuvo un corazón de oro y siempre se las arreglaba para escapar de situaciones difíciles, y sin eso, no creo que hubiese tenido el éxito que tuvo".
‘Hazel’ se convirtió en una popular comedia de equivocaciones en 1961, con Shirley Booth como protagonista. La comedia, que le reportó a Booth dos premios Emmy, fue transmitida por el canal NBC y luego por el CBS hasta 1966.
Key adquirió los derechos de ‘Hazel’ del Saturday Evening Post en 1969, el año en que King Features Syndicate empezó a distribuir la tira cómica a diarios. Aunque Key se retiró en 1993, sus dibujos de ‘Hazel’ siguen apareciendo en diarios.
Pero incluso más famosos hoy que ‘Hazel’, dijo Peter Key, para mucha gente son dos personajes que creó su padre para el productor Jay Ward a fines de los años cincuenta para la serie cómica ‘Rocky and His Friends’: Mr. Peabody, el perro genio y su hijo adoptivo, Sherman, que viajaban en el tiempo con la máquina WABAC.
"Creo que eran tan populares justamente porque eran muy salvajes", dijo. Fue "la inherente demencia de lo que eran y lo que hacían, combinado con esa suerte de madura sofisticación que tenían los dibujos de Ward".

Key nació como Teodore Keyser en Fresno el 25 de agosto de 1912. Su padre era un inmigrante de Latvia que cambió su apellido Katseff cuando vivía en África del Sur y luego lo convirtió en Key durante la Primera Guerra Mundial.
Tras egresar de la Universidad de California en Berkeley en 1933, Key se mudó a Nueva York para trabajar como dibujante independiente. Mientras dibujaba personajes para revistas, también escribía para la radio a principios de los años cuarenta.
Key, que sirvió en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, también creó ‘Diz and Liz’, un dibujo sobre un hermano y una hermana que apareció en la revista infantil mensual ‘Jack and Jill’ de 1961 a 1972.
También escribió el guión de la película de Disney de 1978, ‘The Cat From Outer Space’ y escribió la historias de ‘The Million Dollar Duck’ y ‘Gus’, de Disney.

La primera mujer de Key, Anne, murió en 1984. Además de su hijo Peter, le sobreviven su segunda esposa, Bonnie; sus hijos Stephen y David; y tres nietos.

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14 de mayo de 2008
6 de mayo de 2008
©los angeles times
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murió nader khalili

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Arquitecto, 72. Desarrolló técnicas para construir casas de adobe.

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[Mary Rourke] El cinco de marzo murió Nader Khalili, arquitecto que desarrolló viviendas de adobe de bajo presupuesto para refugios de emergencia y áreas pobres, por una insuficiencia cardiaca congestiva en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Angeles, informó su hijo, Dastan. Tenía 72 años.
Khalili fundó el Cal-Earth Institute en el desierto cerca de Hespera, donde los alumnos aprendían a construir sus casas abovedadas. También enseñó en el Instituto de Arquitectura de California del Sur durante muchos años.
Su diseño más simple consistía de bolsas de plástico oblongas llenas de tierra y sujetadas por alambre de púas, una estructura de ‘super adobe' que cuesta de construir menos de quinientos dólares. Su otro modelo era una casa de arcilla disparada, que era más refinada y podía incorporar los ricos colores de tazones y jarrones de arcilla disparada.
Proponía en charlas y presentaciones sus estructuras de super adobe como una solución a los problemas de vivienda de los pobres en América Central y del Sur, África, India y otras partes del mundo.
Nader consideraba la arquitectura como un servicio social básico", dice Eric Owen Moss, director del Instituto de Arquitectura de California del Sur. "Estaba buscando constantemente maneras de servir a los pobres, en las áreas desheredadas del mundo".
Después de una temprana carrera en la construcción de edificios de apartamentos y aparcaderos en California del Sur y en país natal, Irán, Khalili estaba decepcionado con lo que llama techos de asbesto y paredes pintadas con plomo de los edificios modernos. Volvió a Irán a mediados de los años setenta y recorrió el campo en bicicleta, buscando estructuras habitacionales más cercanas a la naturaleza.
La mayor parte de sus casas de adobe que vio no podrían resistir un terremoto ni fuertes vientos. Diseñó una estructura de ladrillos que podía resistir los elementos. Eso lo llevó a su sistema de casas de cerámica. Luego diseñó su tecnología más barato y fácil de hacer: sus estructuras de bolsas y alambre de púas.
De regreso en California, Khalili "se propuso hacer construcciones para gente que, en su opinión, no tenía alternativa", dijo Moss.
Cuando muchos arquitectos empezaron a pensar en la globalización como un medio "para construir Chicago en África Central", dijo Moss, "Nader no se interesaba en ello en absoluto. Quería trabajar para los millones de personas que no tienen tuberías de agua. Esas eran sus prioridades".
A mediados de los años noventa, el Departamento de Ornato y Jardines de Hesperia fundaron el Museo y Centro Natural Hesperia para mostrar los diseños de Khalili. Varias estructuras modelo están en el lugar. Este año se inaugurará un centro comunitario.
Los prototipos de Khalili no han sido todavía ampliamente adoptados en Estados Unidos porque no cumplen con requisitos claves de la construcción de viviendas, dijo Cal Camara, director general de Hesperia Park District. Tampoco se los considera una buena opción para aparadores, utensilios domésticos y similares, dijo.
Sin embargo, han servido de inspiración a los visitantes de sus bóvedas, muchos de ellos extranjeros. "Este es un edificio que tienes que hacer tú mismo", dijo Camara. "Nader tenía influencia muy positiva en la gente que trataba de avanzar en la vida".

Nacido en Teherán el 22 de febrero de 1936, Khalili asistió la Universidad de Teherán durante un año, donde estudió literatura y sociedad persas. Los poemas de Rumi y otros místicos persas medievales continuaron inspirándolo y los menciona en su propia página web, www.calearth.org.
En los años cincuenta se mudó a Estambul, Turquía, y estudió ingeniería y arquitectura en la Universidad Técnica de Estambul. Desde allá viajó a Nueva York, siguió viaje hacia San Francisco, estableciéndose finalmente en Los Angeles a principio de los años sesenta.
Empezó a enseñar en el Instituto de Arquitectura de California del Sur a principios de los años ochenta y abrió el Cal-Earth Institute para sus estudiantes y otros interesados en sus trabajos.
A mediados de los ochenta, viajó ampliamente dictando charlas, y a mediados de los ochenta expandió sus intereses para incluir viviendas en la luna. Presentó una ponencia sobre el tema en un simposio de la NASA en 1984.
Escribió varios libros, incluyendo su autobiografía ‘Racing Alone', y ‘Ceramic Houses and Earth Architecture: How to Build Your Own'.
El diseño de la casa de cerámica de Khalili recibió en 1984 el premio a la excelencia en tecnología otorgado por el Consejo California del Instituto Americano de Arquitectos. En 1987 le fue otorgado el certificado de reconocimiento especial de Naciones Unidas por su propuesta ‘Housing for the Homeless', usando su técnica de las bolsas de super adobe.
Khalili se casó tres veces. Le sobreviven su hijo, su esposa Iliona; su hija Sheefteh; cuatro hermanos y cuatro hermanas.

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6 de abril de 2008
12 de marzo de 2008
©los angeles times
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animales y castillos en playa mansa

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Cocodrilos, tiburones, delfines, tortugas, lobos de mar, sirenas, caballos y los tradicionales castillos de arena decoraron la Playa Mansa de Caldera en el día de ayer.

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Caldera, Chile. El inicio del trabajo comenzó a las 11 horas en donde más de un centenar de participantes del concurso Castillos y Figuras de Arena, quienes plasmaron en la playa diferentes tipos de diseños, pero hubo algunos que de inmediato sorprendieron como ‘El castillo de Drácula', ‘El delfín azul', ‘El cocodrilo' y de manera muy especial ‘Historia de amor', todos en categoría adulto; en infantil fue muy visitada por todos los asistentes ‘La sirena', que estaba adornada con conchas de ostión, de la autora Daniela Espina, además de réplicas de edificios patrimoniales de Caldera como ‘La Gruta del Padre Negro'.
Victoriano Gómez, jefe de asuntos públicos de Minera Candelaria dijo que "esta es una forma de culminar con alegría una campaña de seguridad muy exitosa que por cuarto año consecutivo, hemos compartido con la comunidad".
La competencia premio al primer lugar adulto familiar con un televisor y con una bicicleta al primer lugar infantil. Además se entregaron dos premios de mención honrosa que se definieron en terreno, los que fueron entregados por El Diario de Atacama.

Ganadores
En la categoría adulto resultó ganador ‘El castillo Drácula' de Pedro Vega; el segundo premio ‘El Delfín Azul' de Ariel Oyarzún; el tercer premio ‘Cocodrilo' de Jimmy Pérez; con mención honrosa ‘Historia de amor' de Marco Herrera e hijos, de la misma manera se premió a la categoría infantil adjudicándose el primer lugar ‘La siren' de Daniela Espina, el segundo ‘Simpson' de Christopher Pérez, un tercer lugar ‘Castillo' de Bárbara Alvarado, la mención honrosa infantil se la llevó ‘Tiburón' de Nelson García.

24 de febrero de 2008
©diario de atacama

murió gustavo arriola

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[Mary Rourke] El creador de la tira cómica ‘Gordo'. A los noventa.

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Murió Gustavo Arriola, dibujante que creó ‘Gordo', una vanguardista tira cómica que celebraba la cultura y tradiciones latinas. Tenía noventa años.
Arriola murió el sábado debido a complicaciones con el cáncer y el Parkinson en su casa en Carmel, dijo su esposa Mary Frances.
Conocido como Gus, Arriola empezó con su tira en 1941, presentando al Gordo López, un campesino mexicano que cultiva frijoles, como el personaje principal. A fines de los cuarenta, el ‘Gordo' se publicaba siete días a la semana, una frecuencia que se mantuvo hasta la última tira de marzo de 1985.
En la cima de su popularidad en los años sesenta, el ‘Gordo' apareció en 270 diarios, dijo el historiador Robert C. Harvey.
Fue "la tira cómica étnica más visible de Estados Unidos y su creador el más visible estadounidense de origen mexicano trabajando como dibujante sindicado", dijo Harvey, coautor con Arriola de ‘Accidental Ambassador Gordo', publicado en 2000.
Originalmente el personaje era un cateto gordinflón y holgazán que hablaba con un pesado acento.
Después de que los lectores de Arriola se quejaran por el estereotipo, el dibujante transformó al Gordo en un guía turístico más delgado que conducía un destartalado autobús llamado en homenaje al Cometa Halley, un indicio de lo raro que era que el vehículo circulara.
Gordo vivía en el campo de México, usaba sombrero y se vestía como charro. Entre sus compañeros se incluían animales de granja, como el Señor Dog. Finalmente el Gordo se casó con su criada, Tehuana Mama.
Burros, cactus, vasijas de barro y otros elementos de la vida rural salpicaban los paisajes.
Cuando el ‘Gordo' debutó, "era la única tira cómica de distribución nacional con un ambiente mexicano", dijo Harvey. Más tarde, cuando el campesino se convirtió en guía turístico, dijo Harvey, "no había nada como el ‘Gordo' en el planeta'".
La tira se caracterizaba por su afable humor y una trama que seguía las aventuras románticas del Gordo, sus discusiones con su sobrino Pepito y otros sucesos de su vida cotidiana que lo convirtieron en el hombre de la calle latino.
La caricatura del domingo de Arriola incluía marcos que eran considerados como piezas de arte abstracto.
"La tira del domingo era una asombrosa composición con un vivaz estilo y deslumbrantes colores", dijo Malcolm Whyte, fundador del Cartoon Art Museum de San Francisco. En algunos de sus dibujos, Arriola evocaba los diseños en papel cortado mexicanos. Utilizaba festivales y folclore latinos en algunas tiras y a menudo retornaba a temas ecológicos relacionados con el México rural.

Arriola nació el 23 de julio de 1917 en Florence, Arizona, como el menor de nueve hermanos. Su padre era nativo de Sonora, México, el que se había trasladado a Estados Unidos en los años ochenta del siglo diecinueve. Su madre es nativa de California.
Cuando Arriola tenía ocho años, su familia se mudó a Los Angeles. Terminó la secundaria en una escuela de artes manuales, donde recibió su formación en arte.
Después de graduarse, Arriola consiguió un trabajo en la sección de animación del Charles Mintz Studio en Los Angeles.
En 1937 trabajó en la sección de dibujos animados de la Metro-Goldwin Mayer. Llegó a ser asistente de animación y trabajó en la popular serie ‘Tom & Jerry'.
Arriola conoció a la artista Mary Frances Sevier en la MGM. Se casaron en 1943 y tuvieron un hijo, Carlin, que inspiró el personaje de Pepito, sobrino del Gordo, en la tira cómica.
Carlin Arriola murió en 1980, a los 35, en un accidente automovilístico. Además de su esposa, a Arriola le sobreviven un nieto y dos biznietos.
Un año después de que la agencia United Feature empezara a sindicar ‘Gordo', Arriola se incorporó a las Fuerzas Aéreas de Estados Unidos, para servir en la unidad cinematográfica durante la Segunda Guerra Mundial.
Lanzó su tira de los domingos cuando estaba en el servicio y volvió a su tira cómica durante la semana después de su licenciamiento en 1946.
Durante los primeros veinte años del ‘Gordo', Arriola se apoyó en libros, artículos y fotografías de México. Finalmente visitó el país por primera vez en 1960.
Desde entonces, dijo a Harvey, "traté de procesar todo en la tira. La historia, la cultura, el arte popular, como vistos a través de los ojos del Gordo".

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13 de febrero de 2008
6 de febrero de 2008
©los angeles times
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el arte de poner la mesa

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[David Pierson] En la feria del condado de Los Angeles, tablescapers transforman en arte la costumbre de poner la mesa. El torneo es feroz y los comentarios de los jueces, muerden.

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Marie y Christel Schoenfelder miraron las hileras de mesas puestas con una mezcla de ansiedad y anticipación.
Miles de dólares de seda, porcelana, cristal y plata estaban expuestos ante ellos. Meses de planificación, compras, limpiezas y dedicación estaban a punto de alcanzar un clímax en la explanada del hipódromo en la Feria del Condado de Los Angeles.
El dúo formado por la madre e hija de Rancho Cucamonga incluye a las dos actuales reinas de una de las competencias más esotéricas de la feria: poner la mesa.
Competirán contra otros treinta candidatos -y entre sí-, transformando una tarea de cinco minutos para una típica cena de una familia americana, a búsquedas de meses para exhibiciones que al final nadie va a usar para comer.
En una hilera, una mesa que estaba flanqueada por cojines de seda y envuelta en telas parecía una tienda marroquí. A su derecha, una mesa decorada con tapetes de encaje, bustos, corsés y fuentes de cristal para tartas evocaba tiempos victorianos. En otra hilera, una mesa con el tema de James Bond exhibía vasos de martini, lápiz labial y un arma de fuego.
En una, la escenificación estaba diseñada para ajustarse a un elaborado menú: solomillo, espárragos a la plancha y julepe de menta. Tajine de pollo en otra.
Pero ningún alimento tocará nunca estos cuencos y platos. Comer no es el punto.
Y, por favor, no tocar de modo que se desordene el montaje. Los utensilios estaban separados por distancias exactas. Los platos se disponían con precisión. El lino se ajustaba al color del vino.

Marie, 61, empezó a trabajar en su puesta de mesa en julio. Su mesa parecía el Kentucky Derby. Un hipódromo en el centro incluía caballos de juguete y vallas de estacas blancas. Las servilletas rojas habían sido dobladas precisamente para formar cuatro pirámides, y había billetes de apuestas para el Kentucky Derby desparramados sobre un lado de la mesa cubierta con un mantel blanco.
Esta era la primera vez que había competido frontalmente contra Christel, 34, que también empezó en julio. Su mesa Dr. Seuss exponía sobre un amasijo de brillantes colores pastel, juguetes rellenos y un menú escrito en el estilo del famoso autor de libros para niños.
El arte de poner la mesa empezó como una consecuencia de las academias de buenas maneras y clases de etiqueta. Pero lo que antes era copas, lino y comedido estilo se ha hecho más artístico y estrafalario -mesas basadas en películas como ‘Piratas del Caribe' [Pirates of the Caribbean] y una de ellas basada incluso en un tablero de Monopolio (el gran premio de Christel de hace unos años).
Pero no se trata de despertar el apetito.
"Queremos impactar a la gente", dijo Marie. "Se trata del ‘factor asombro'".
Pese al énfasis en la creatividad, las reglas dominan la práctica de poner la mesa: no se admite a instaladores de mesa profesionales, los contendientes deben usar mesas de igual tamaño, las escenografías deben corresponder a menús y temas, y no se permiten alimentos en las mesas. Los contendientes se guían por libros de etiqueta, que determinan la distancia exacta desde el centro de un plato al centro de su vecino -24 pulgadas- y estipula que las bandejas y la vajilla de plata estén a una pulgada del borde la mesa y otras cosas semejantes.
Es la razón por la que los Schoenfelders miden y reordenan constantemente, miden y reordenan, y lo vuelven a hacer.
La parte más exasperante es alinear el mantel, dicen.
"Te crees que tiene una esquina perfecta, pero al otro lado está desigual", dijo Christel, que a menudo consulta en un manoseado ejemplar de un libro titulado ‘Napkin Magic' [Servilleta Mágica]. "La jalas cuidadosamente, pero entonces se desnivela el otro lado. Nunca queda igual".
Te quitarán un punto por cada mancha en un vaso de vino o un cuchillo. Un cubierto alineado incorrectamente te costará otro punto. Y no te atrevas a empezar con el tenedor de ensalada al lado de dentro.
"Esta puesta es bastante despiadada", dijo Lisa Primack, que supervisa todos los torneos y exhibiciones en la feria. "Aquí la gente llega con mesas de planchar, Windex, DustBusters, cepillo para hilachas, imperdibles -todo un tesoro de herramientas".
"Está para comerse las uñas", dijo Bonnie Overman, ganador anterior de muchas mesas, incluyendo una titulada ‘Out of Africa'. Este año Overman estaba compitiendo con un diseño inspirado en el musical ‘Wicked'.
Los fans del torneo esperan precisión. Un visitante se acercó a Primack para decirle que la mesa arreglada para un seminario sobre el arte de poner la mesa esa noche estaba mal puesta.
"Los cuchillos apuntan hacia afuera", dijo la mujer. "Vas a apuñalar a alguien".
Una creativa arregladora de mesas, no sólo sabe qué comprar sino también cómo hacer objetos, Marie descubrió el oficio después de terminar la secundaria, cuando abrió una tienda de regalos en Ciudad Culver con su hermana gemela. Más tarde se mudó a Rancho Cucamongas y se convirtió en agente inmobiliaria -pero el arte continuó. Pasó su pasión a Christel, enseñándole a hacer candelabros, tableros cuáqueros y floreros pintados.

Hace once años toparon con una exposición de tablescaping y se engancharon de inmediato.
"Lo podíamos hacer mejor, o al menos igual", pensó Christel, una abogado que se especializa en conflictos por indemnizaciones laborales.
Desde entonces nada fue igual, especialmente en primavera y verano, cuando la pareja empezó a acumular materiales.
La pausa del almuerzo a menudo se convirtió en carreras a centros comerciales a comprar platos. Los fines de semana significaban viajes a tiendas de artículos para el hogar en South Coast Plaza, luego a Macy's y más tarde a una serie de cadenas como Linens ‘n Things, en el camino de vuelta a casa.
La casa de Marie está salpicada de virutas de madera, pegotes de cola, musgo sin usar y espuma plástica. Mantiene bajas sus existencias de platos y vasos regalándolos después de cada torneo.
"No puedo usar la mesa del comedor durante cuatro meses, porque la necesitan para preparar sus presentaciones", dijo Les Schoenfelder, 62, contable. "Simplemente comemos en la cocina".
Mientras los listones se apilaban, también se fue llenando la casa.
"Mi principal problema es encontrar espacio de garaje, para todas las cosas que utilizan", dijo Les. "Ahora tenemos platería nueva todos los años. No me gusta tirar nada, así que las cosas se acumulan".
Les dijo que los inconvenientes se compensaban con la alegría que causaba la actividad a su esposa e hija.
"Es algo que las mantiene ocupadas", dijo. "Disfrutan de la posibilidad de mostrar su creatividad".
La siguiente generación podrá seguir sus pasos. Christel inscribió a su hijo Gable, de ocho años, en un torneo de tablescaping el año pasado en la feria, y ganó.
Se supone que los adultos no deben ayudar, pero cuando Christel vio que Gable había colocado su mesa temática con Harry Potter a lo ancho en lugar de a lo largo, tenía que decir algo.
"Le dije: ‘Mira de nuevo la mesa. ¿Está seguro de que está todo en orden?'", dijo Christel. "Entonces se dio cuenta, y la cambió".
En los días previos a la premiación el 9 de septiembre, tanto Marie como Christel estaban optimistas en cuanto a sus posibilidades.
Pero en vísperas del concurso, la mesa Kentucky Derby de Marie entró en crisis.
Una herradura de espuma de plástico cubierta de rosas rojas se agrietó la noche anterior a la competencia. Marie trató de usar ganchos para mantenerla sujeta, pero era demasiado pesada. Trató de usar un caballete para sostenerla, pero era demasiado grande. A último minuto, retiró la herradura y exhibió en su lugar un sombrero de mujer.
"Niño, si hubieras visto lo enfadada que estaba", dijo Christel. "Despotricaba, estaba enrabiada, hablaba sola".
Los jueces eran exigentes, como siempre, y dejaron comentarios escritos para cada composición.
"Tenedores colocados incorrectamente", leyó un juez que dio a una mesa sólo diez de los veinte puntos posibles en la categoría ‘corrección'.
"El cuchillo apunta en la dirección equivocada. La cuchara debe estar encima de los platos", dijo otro.
"Los cubiertos están demasiado lejos unos de otros. La platería debe estar más cerca de los platos. Los cuchillos de mantequilla están boca abajo y son de plata, mientras que el resto de la cubertería es de oro", se leía en otro.
Marie fue penalizada por ofrecer un vaso de Cabernet como primera cosa en su menú y por dejar un tenedor de postre en la mesa cuando su menú decía que el pastel Kentucky Derby sería servido en la terraza. Los jueces pensaron que los tenedores serían llevados a la terraza imaginaria y no necesitaban estar en la mesa.
Maria protestó contra el desmerecimiento. "Las reglas dicen claramente que todos los utensilios deben estar incluidos", dijo. "Yo dije que el año pasado mi montaje fue igual. Y yo tenía razón. Saqué cinco puntos más".
Marie y Christel mencionan dos biblias de la etiqueta honoradas por el tiempo, una de Emily Post y la otra de Amy Vanderbilt.
"Si yo tengo la razón, tendrán que volver a escucharme", dijo Marie.
Pero al final sólo sacó ochenta y cinco de los posibles cien puntos.
Su hija, por otro lado, tuvo un puntaje perfecto, y se quedó con el listón azul.
Todos sus platos eran diferentes y debían representar a personajes del doctor Seuss: el plato de ensalada con franjas blancas y rojas para el Gato en el Sombrero, el plato cuadrado verde Mikasa para Yertle la Tortuga, el plato de ensalada con bayas para Gertrude McFuzz, porque las bayas la hacían crecer. El menú de Christel era como un original de Seuss. "Primero queremos unas tajadas de manzana verde y cubos de sandía con una cereza encima", escribió.
El jurado estaba impresionado. "Esta mesa nos hizo reír", escribieron. "¿Qué podría haber de malo con Huevos y Jamón Verdes?"
Quizás. Pero algunos de los visitantes que vieron la exposición tenían una pregunta más básica sobre las mesas atestadas de platos para mini-tartas, muñecas y boas de plumas.
"¿Realmente quiere sentarse a comer a una mesa de Carnaval?", preguntó Joani Golnik, de Oxnard.
Funcionarios de la feria se preguntaban lo mismo. Primack dijo que los jurados estaban considerando agregar un nuevo componente al torneo del próximo año. Las nuevas reglas incluirán la pregunta: "¿Y puedes comer en esa mesa?"

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31 de octubre de 2007
28 de septiembre de 2007
©los angeles times
©traducción mQh