murió robert colescott
15 de junio de 2009
[Suzanne Muchnic] Murió Robert Colescott, un pintor salvajemente expresivo y ferozmente obstinado que se enfrentó a los estereotipos raciales y sexuales con hilarante fuerza. Tenía 83 años.
Colescott, que sufría del síndrome de Parkinson, murió en su casa en Tucson el 4 de junio, informó Marc Wehby, codirector de la Galería Kravets/Wehby de Nueva York, donde el artista había expuesto su trabajo en los últimos años.
El primer artista afroamericano en representar a Estados Unidos en la Bienal de Venecia en 1997, Colescott era conocido por su recreación de obras maestras de la historia del arte europeo y estadounidense, cambiando el reparto de personajes blancos, por negros. En ‘George Washington Carver Crossing the Delaware: Page From an American History Textbook’, reinterpretó la pintura del héroe de la Guerra Revolucionaria de Emmanuel Leutze, de 1851, colocando a Carver, un pionero químico agrícola afroamericano, en el timón de un bote cargado con cocineros, criadas, pescadores y trovadores negros.
Con un estilo explosivo y un humor igualmente desafiante, también creó sus propias versiones de ‘Los comedores de patatas’, de van Gogh, ‘El matrimonio Arnolfini’, de Jan van Eyck, y ‘Desayuno sobre la hierba’, de Edouard Manet.
"Es un tema que corre peligro", dijo Colescott en una entrevista con el Times en 1986, con ocasión de una muestra de su trabajo en la Galería Koplin, en West Hollywood, ahora la Galería Koplin del Río, en Culver City. "A menos que sean efusivamente positivos o los conviertas en héroes, las imágenes de gente negra en las pinturas son sospechosas. Pero yo estoy muy orgulloso del hecho de que más gente entiende lo que estoy haciendo. Curiosamente, hay más blancos que negros acusándome de ser un racista".
Recurrió a la historia del arte durante toda su carrera, pero también exploró muchos otros temas, a veces describiendo a las mujeres como monstruos rollizos y mezclando razas en figuras individuales. En ‘Oda a la alegría (Himno europeo)’ [Ode to Joy (European Anthem)], una monumental pintura realizada en 1997, el personaje central es una mujer de cara negra, cuerpo amarillo y cabellos rojos. Tras emerger de una lámpara de genio con escasa ropa interior roja, disfruta de una pizza y mira ansiosa las montañas de hamburguesas que hay cerca de ella. Un globo de texto de cómic con música de Beethoven, una paleta de pintor, un bote de oro, un par de esqueletos y un arquero parecido a Cupido, completan la bizarra escena.
"¿Qué está pasando aquí?", preguntó el crítico Peter Schjeldahl en una reseña de 1998 en la Village Voice. "Una alegría sonora, desordenada, turbia. Colescott es sexo, amor, dinero, música, arte, memoria y comida rápida. ¿Qué impulsa tu bote? Quizás la pintura. Como Colescott, este trabajo ilustra una pesada alegoría de briosas emociones, para luego entregar las emociones a mano: pincelada tras pincelada, color tras color, con texturas que son suficientemente buenas como para ser comidas".
Afirmando que Colescott era más bien un cómico que un crítico social, Schjeldahl escribió que "su objetivo no es el fin del mal, sino el aumento de la fuerza vital, un bono de vitalidad del regocijo".
Hijo de músicos, Colescott nació en 1925 y se crió en Oakland. Empezó a dibujar en su infancia y tuvo un importante modelo de conducta en el escultor Sargent Johnson, un amigo de la familia. Como el padre de Colescott, Johnson sobrevivía trabajando en ferrocarriles.
El artista en ciernes fue empadronado por el ejército en 1942 y sirvió en Europa hasta el fin de la Segunda Guerra Mundial. Su período de servicio le llevó a París, entonces la capital del arte mundial y una ciudad que era hospitalaria con los artistas afroamericanos. En casa, se inscribió en la Universidad de California en Berkeley, que le otorgó su licenciatura en dibujo y pintura en 1949. Pasó el año siguiente en París, estudiando con el artista francés Fernand Leger, y luego volvió a Berkeley para sacar una maestría en 1952.
Colescott se mudó al noroeste después de estudiar y empezó a enseñar en la Universidad de Portland, donde trabajó entre 1957 y 1966. Pero en 1964 tuvo una experiencia que le cambió la vida cuando tomó un año sabático con una beca de estudios del American Research Center en El Cairo.
"Ponía gente negra en mis pinturas del mismo modo que pondría una guitarra o una botella, pero eso no tenía ninguna significación hasta que viajé a Egipto", dijo Colescott al Times. El viaje lo liberó de "las limitaciones del arte europeo y me permitió inspirarme en otras fuentes", dijo. "La raza se convirtió en mi tema. Fue el año más crucial de mi vida".
Volvió a Portland por un año, pero volvió a viajar a Egipto como profesor invitado de la Universidad Americana de El Cairo de 1966 a 1967. Cuando estalló la guerra, él y su familia se trasladaron a París, donde vivirían tres años. Retornaron a California en 1970 y pasó los siguientes quince años pintando y enseñando arte en la Universidad de California en los campus de Stanislaus y Berkeley y en el Instituto de Arte de San Francisco.
Colescott aceptó una posición como profesor invitado en la Universidad de Arizona en Tucson en 1983 y se unió al departamento en 1985, ascendiendo en su carrera académica hasta 1998, cuando fue nombrado profesor emérito.
Le contó a un entrevistador del Times que originalmente no le agradó Tucson, pero que llegó a quererla. "Es un lugar remoto donde no me conoce nadie y no tengo que hablar sobre arte con la gente".
Pero representar a su país en la Bienal de Venecia en 1997 lo hizo subir a un escenario mundial a los 71, creando una oleada de atención en la prensa y llevando a los conservadores a reconsiderar su trabajo.
Una exposición retrospectiva de sus pinturas, organizada por el Museo de Arte de San José, recorrió el país entre 1998 y 2000.
La obra de Colescott se puede admirar en numerosas exposiciones públicas, entre las cuales destacan las del Museo Metropolitano de Arte, Museo Whitney de Arte Americano y el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Museo de Arte del Condado de Los Angeles; y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles.
Los cuatro primeros matrimonios del artista terminaron en divorcio. Le sobrevive su quinta esposa, Jandava Cattron; su hermano Warrington Colescott Jr. de Hollandale, Wisconsin; cinco hijos; y un nieto.
13 de junio de 2009
©los angeles times
cc traducción mQh
[Ken Johnson] Washington, Estados Unidos. Esta es una receta de comprobada eficacia: fracasa en lo que quieres hacer, y luego dedícate a lo que puedes hacer realmente. Le funcionó a Luis Meléndez. Trató desesperadamente de convertirse en un artista de la corte, como su contemporáneo Francisco Goya, pero sus peticiones al rey fueron rechazadas. Así que en lugar de producir empalagosos retratos de nobles, solemnes pinturas históricas y azucaradas escenas míticas, pintó telas, pequeñas e intensamente realistas, de frutas, verduras y utensilios de cocina. Hoy se le considera el pintor español de naturalezas muertas más importante de España en el siglo dieciocho.
Lo que cautiva es su verosimilitud casi fotográfica. Las correosas hebras de una piel de cantalupo, el brillo de las cacerolas de cobre, el esponjoso interior de un trozo de pan, las apagadas vetas de la madera vieja, la transparencia del cristal: todo es visto con una atención casi microscópica por el detalle y presentado con un dejo artístico casi imperceptible. La luz y el color son a menudo realizados con una asombrosa intensidad. Las naranjas amontonadas y las peras amarillas retorcidas brillan como si estuviesen iluminadas desde dentro. Una pintura bañada por la fría luz de la mañana, con huevos en una cesta, un embudo de estaño y una olla de bronce, presume en el centro de lo que podría ser la cabeza de coliflor más bella en la historia del arte.
Esta aproximación paulatina puede ser la razón de porqué la estrella de Meléndez nunca se elevó tan alto como, por ejemplo, la del pintor de naturalezas muertas francés Chardin, cuyo período de vida -de 1699 a 1779- no está demasiado distante. En Chardin, el detalle meticuloso está relativamente simplificado, y hay una mirada más rica del espacio, atmósfera y solidez escultórica. También, la calidez emocional de las pinturas de Chardin hacen que las de Meléndez, en comparación, parezcan clínicas.
[Valerie J. Nelson] Murió Tom Kennedy, un artista de San Francisco cuyas caprichosas esculturas sobre ruedas y exuberante personalidad ayudó a popularizar el movimiento Art Car. Tenía 48 años.
[Myrna Oliver] Murió Andrew Wyeth, cuyas perdurables y realistas pinturas del campo de Pensilvania y Maine lo convirtieron en uno de los pintores más apreciados de Estados Unidos, y colocaron sus pinturas entre las más caras del mundo. Tenía 91 años.
Dos temas de Wyeth llamaron ampliamente la atención. En 1948 terminó su ‘Christina’s World’, que muchos críticos y admiradores consideran su obra más perdurable. En esta, Christina Olson, la mujer paralítica de cabellos oscuros que era vecina de Wyeth en Maine, se arrastra por entre la hierba hacia una destartalada casa de campo. El virtuosismo técnico de la pieza y la inquietante soledad que evoca la escena, se convirtieron en características del estilo de Wyeth. Ahora la pintura se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
La popularidad del artista fue instantánea. En 1937, a los treinta, Wyeth tuvo su primera exposición en solitario en la Galería William Macbeth de Nueva York. Para el segundo día se habían vendido todas sus acuarelas -veintitrés en total.
Los retratos de Wyeth del granjero Kurt Kuerner y su esposa demente, Anna, vecinos de Pensilvania, captan los desolados trasfondos de la vida rural. Una de sus pinturas mejor conocidas, ‘Ground Hog Day’ (1959) muestra el comedor de Kuerner con su papel de pared descolorido y la mesa servida para una persona. Al otro lado de la ventana, un leño partido con los bordes recortados apunta ominosamente hacia la casa. La obra recuerda los poemas de Robert Frost, que insinuaba el lado oscuro de la vida rural americana en algunos de sus escritos.
En 1966 reveló a Jeffrey Schaire, editor de la revista Art and Antiques, que "hay un buen montón de obras mías que nadie conoce".
La notoriedad no apagó la popularidad de Wyeth. Para su muerte, cientos de sus pinturas habían sido reproducidas en estampados, calendarios, carteles, tarjetas postales y objetos parecidos. En los museos Brandywine y Farnsworth, la colección de tazones, llaveros, camisetas y otros regalos que llevan una reproducción de Andrew Wyeth sugieren el alcance de una industria de gran rendimiento.
Si Andrew no hubiese cogido nunca un pincel, el nombre Wyeth todavía sería conocido y respetado en círculos artísticos. Nacido en Chadds Ford el 21 de julio de 1917, Andrew era el menor de los cinco hijos de Newell Convers Wyeth, que pintó más de 6.500 telas, incluyendo las ilustraciones de cerca de 75 libros. Aunque el hermano de Andrew, Nathaniel, se convirtió en ingeniero, dos de sus hermanas -Carolyn y Henriette- se hicieron artistas, y la otra, Ann, compositora. El pintor Peter Hurd, que introdujo a Andrew Wyeth a la témpora, se casó con su hermana Henriette. El hijo menor de Andrew Wyeth, Jamie, siguió los pasos de la familia en el caballete.
[Suzanne Muchnic y Cara Mia DiMassa] El sábado murió en el Centro Médico de Santa Monica-UCLA, el escultor de Los Angeles Robert Graham, con una destacada presencia pública en todo el país, informó su amigo Roy Doumani. Graham, que había estado enfermo durante los últimos seis meses, tenía setenta años.
Aunque Graham nunca siguió las tendencias mundiales del arte, prefiriendo trabajar como un escultor de estatuas relativamente anticuado, y exhibió su obra en numerosas galerías y museos, entre ellos en la Ace Gallery de Beverly Hills, en Imago Galleries en Palm Desert y en la Gagosian Gallery en Nueva York. Sus obras se encuentran en colecciones de instituciones como el Museo de Arte del Condado de Los Angeles, el Museo de Bellas Artes de Dallas, el Instituto de Artes de Detroit y el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas en Washington, D.C. 
El artista Laddie John Mill, que conoció a Graham a principio de los años setenta, lo llamó "un espectáculo de primera".
A los once, Graham y sus tres ‘madres’ se mudaron a San José y él se educó en los institutos de arte de San José y San Francisco. Vivió en Londres durante algunos años con su primera esposa, Joey, y su hijo Steven, y luego se trasladó a Los Angeles a principio de los setenta.
[William Grimes] El 7 de diciembre murió en su casa en el pueblo de Ury, al sur de París, François-Xavier Lalanne, cuya colección de esculturas animales incluía un babuino de hierro fundido con una chimenea en su estómago, tórtolas gigantes que hacían las veces de sillones y una manada de dinosaurios de jardín. Tenía 81 años.
Juntos, los Lalanne llevaron la delantera en las bellas artes, y en su primera exposición juntos su rinoceronte escritorio compartió el espacio de la galería con los objetos de menor escala de ella, como un repollo con patas de pollo. Durante los siguientes cuarenta años, la mayor parte de los cuales la pasaron en una colección de talleres en Ury, trabajaron juntos, produciendo juntos algunas piezas. Un entusiasta mecenas de ambos fue Yves Saint Laurent, que puso varias de las ovejas de Lalanne en la biblioteca de su dúplex de París y cubrió las paredes con los espejos con motivos de azucena de Lalanne.
[Ken Johnson] Filadelfia, Estados Unidos. Ha sido un largo y extraño viaje. En el curso de su carrera de cinco décadas, el dibujante de cómics R. Crumb ha pasado de ser un héroe del underground hippie a brindis del mundo del arte internacional. Fundador de la delirantemente obscena y psicodélica revista Zap Comix durante los años dorados de Haight-Ashbury [la esquina de las calles Haight y Ashbury, en San Francisco, que fue el centro de la zona hippie de la ciudad en los años sesenta], ha producido más recientemente historietas en colaboración con su mujer, Aline Kominsky Crumb, para el New Yorker. En 2004 fue incluido en el Carnegie International y se le organizó una retrospectiva de su carrera en el Museo Ludwig, en Colonia, Alemania.
Nacido en Filadelfia en 1943, Robert Crumb no asistió nunca a ninguna escuela de arte. Aprendió a dibujar bajo la tutela de su hermano mayor, Charles, que era también un ambicioso dibujante. A principio de los años sesenta diseñaba tarjetas de visita para la American Greetings Corporation, en Cleveland. En 1967 se mudó a San Francisco, donde creó algunos de los personajes más memorables de la historia de las caricaturas, incluyendo al irascible gurú Mr. Natural y su desdichado escudero Flakey Foont; el zalamero y abiertamente lascivo Fritz the Cat; la colérica amazona Devil Girl; y R. Crumb mismo, un personaje comparable al alter ego autobiográfico de Woody Allen, y Philip Roth. Desde principios de los noventa, Crumb y su mujer viven en el sur de Francia.
[Holland Cotter] Newport Beach, California, Estados Unidos. Peter Saul, que este domingo cumple 74 años, es el clásico artista de artistas, uno de nuestros escasos pero importantes pintores históricos vivos y un perpetrador compulsivo violaciones del buen gusto. Su carrera, aunque larga, estable y admirada, nunca ha logrado superar la condición de culto. Es un ejemplo del tipo de visibilidad en que los árboles no dejan ver el bosque.
Sin embargo, su propia aceptación por el mercado ha sido, hasta hace bastante poco, menos que ávida. Su recepción en los museos se ha caracterizado por la indiferencia, si no la evitación. Que la retrospectiva de su obra en el Museo de Arte del Condado de Orange aquí en California del Sur no haya sido programada para prolongarse en Nueva York, donde vive Saul ahora, dice mucho.
El arte de Saul no es bonito, aunque ofrece muchos placeres visuales. Tampoco es amable. En realidad, el artista hace grandes esfuerzos para parecer lo contrario. Hoy en Estados Unidos, dice en la entrevista del catálogo, "hay una tremenda necesidad de no pasar por racista, de no pasar por sexista. Así que me aseguro de pasar por todas esas cosas".
¿Cuál es el lugar adecuado para un arte que arrejunta a John Wayne Gacy con Angela Davis, el Ratón Mickey con Ethel Rosenberg, Stalin con Willem de Kooning, Basil Wolverton con George W. Bush, para luego espesar el caldo con puntiagudas referencias al capitalismo, el comunismo, la homofobia, el feminismo, el Poder Negro, el racismo, la pedofilia y la política artística y, finalmente, a sí mismo, el artista decrépito, enfermo y auto-lacerante?
Saul, que nació en San Francisco, empezó su campaña de provocaciones a fines de los cincuenta cuando descubrió que aunque le gustaban algunos expresionistas abstractos, no toleraba las pavadas existencialistas que rodeaban sus trabajos. Así que adoptó el estilo denso, pero dejando de lado las pretensiones. En lugar de profundidad espiritual, pintó neveras por dentro, rellenas de refrescos, bistés, puñales, penes e inodoros. En el proceso, creó una versión gráfica -como hizo Larry Rivers- de lo que sería llamado el Pop Art.
A mediados de los sesenta, después de volver a California, Saul produjo una serie de pinturas inspiradas por la guerra en el sudeste asiático. En ‘Vietnam’ (1966), realizada con un estilo gráfico liso y lineal, pero supurante, las figuras que personifican las razas negra, blanca y amarilla se revuelcan juntas en una suerte de violación colectiva apocalíptica, violándose y violando todas ellas.
En realidad, Saul ha pasado mucho tiempo haciendo parte de su trabajo para una audiencia de una sola persona, él mismo, específicamente en una serie de autorretratos que empezó en los setenta y continúa aumentando hasta hoy. Las imágenes son, casi todas, imágenes del cuerpo capturado, poseído por mortificantes instintos y encendidas emociones, mientras resiste el asedio de un mundo hostil.
Esas imágenes -los tardíos autorretratos de Rembrandt no están demasiado lejos- han aumentado en cantidad a medida que Saul ha ido envejeciendo. Sin embargo, su trabajo sigue viéndose juvenil. Y para los artistas jóvenes es, por varias razones, un modelo que vale la pena.
Si su trabajo se ha suavizado y ampliado con el tiempo -algunas de sus últimas pinturas en esta selección de otro modo excelente, se ven poco elaboradas o demasiado explícitas-, lo esencial sigue siendo rudo y firme. Este es un arte de una combativa ambigüedad moral que parece que proviniera de un lunático marginal, pero de hecho ofrece una sana y realista descripción del mundo. ¿Qué hay de malo con esta imagen?, se pregunta Saul en cada una de sus pinturas. Y la única respuesta es: Todo.
‘Peter Saul’, hasta el 21 de septiembre en Orange County Museum of Art, 850 San Clemente Drive, Newport Beach, Calif.; (949) 759-1122, ocma.net. Luego seguirá ruta hacia la Pennsylvania Academy of Fine Arts en Filadelfia, del 18 de octubre al 4 de enero de 2009; y al Contemporary Art Center en Nueva Orleans, del 14 de febrero al 24 de mayo.