cine

murió jack wrangler

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Murió actor homosexual de películas pornográficas. A los 62. Era un símbolo de seguridad para muchos homosexuales. El actor abiertamente homosexual, que tuvo una relación que duró décadas con la cantante Margaret Whiting, empezó su carrera haciendo películas para adultos, pero luego se pasó al teatro y al cabaret.

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El martes murió, en Nueva York por complicaciones de afección pulmonar, Jack Wrangler, el atractivo actor pornográfico de facciones duras de la era de los setenta cuya franqueza sobre su homosexualidad lo convirtió en un símbolo de asertividad en el mundo homosexual. Tenía 62 años.
Su vida llena de sorprendentes giros -la estrella declaradamente homosexual tuvo una relación de varias décadas con la cantante Margaret Whiting- fue tema del documental ‘Wrangler: Anatomía de un ícono’ [Wrangler: Anatomy of an Icon], estrenada el año pasado.

Nacido como John Stillman en Beverly Hills, hijo del productor de televisión, Wrangler empezó actuando en la serie religiosa del canal NBC, ‘The Faith of Our Children’, en los años cincuenta. Estudió teatro en la Universidad de
Northwestern.
Estaba trabajando como bartendero y bailarín a-go-go en la comunidad homosexual de Hollywood cuando un papel en una pieza en San Francisco lo empujó en una dirección totalmente nueva, con un nuevo apellido que tomó prestado de la etiqueta de su camisa de trabajo a cuadros.
Trabajó en más de ochenta películas adultas, incluyendo ‘A Night at the Adonis’ y ‘Los polvos del diablo’ [The Devil in Miss Jones: Part II].
Conoció a Whiting, una cantante de la época de las grandes orquestas cuyos éxitos incluyen ‘That Old Black Magic’ y ‘Moonlight in Vermont’ en los años setenta. Su romance fue comentado en primera plana: ella era veintidós años menor que él, y Wrangler siguió definiéndose como homosexual incluso en una entrevista con la revista homosexual Advocate este otoño pasado.
Sin embargo, Wrangler dijo al Chicago Tribune en 1985 que los dos "veían las cosas de la misma manera -cómica, profesional y románticamente". Finalmente se casaron.
Abandonó el cine porno después de conocer a Whiting y volcó su atención hacia el teatro y el cabaret, actuando en los números de cabaret de Whiting y en varios espectáculos en torno al legado del letrista Johnny Mercer, que había apoyado su carrera.

15 de abril de 2009
9 de abril de 2009
©los angeles times
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murió tom cole

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Dramaturgo y guionista. Su película ‘Palabras suaves’, de 1985, fue un catalizador de la carrera de la actriz Laura Dern. A los 75.

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[Valerie J. Nelson] Murió Tom Cole, dramaturgo y guionista cuya película de 1985, ‘Palabras suaves’ [Smooth Talk], obtuvo el premio del jurado de lo que ahora es el Festival de Cine Sundance y ayudó a lanzar la carrera de la adolescente Laura Dern. Tenía 75 años.
Cole murió el 23 de febrero de mieloma múltiple, en su casa en Roxbury, Connecticut, informó su esposa Joyce Chopra, que dirigió ‘Palabras suaves’.
Podía describir cualquier personaje con gran empatía, dijo Dern, que fue la chica de quince que es la protagonista de la película, e introducía a sus "personajes a una realidad urgentemente vívida... como si hubiera vivido sus vidas".
La crítico de cine Sheila Benson inició su reseña de 1985 en el Times escribiendo que "la estremecedoramente memorable ‘Palabras suaves’ es probablemente la primera película que pone de pie a la adolescencia en Estados Unidos, incluyendo el último y delicado terror sismográfico".
La película -basada en el cuento de Joyce Carol Oates ‘Where Are You Going, Where Have You Been?’- giraba sobre el despertar sexual de la problemática adolescencia de Dern, que es seducida por un siniestro desconocido (Treat Williams).
Vincent Cole, en un artículo en el New York Times de 1986, dijo que la adaptación de Cole creaba una "profunda y devastadora imagen de Estados Unidos".
"Las cosas no explotan; no hay persecuciones en coche", dijo Cole sobre la película independiente de 1986 en el Chicago Tribune. "En Hollywood no habríamos conseguido el dinero para hacerla".
Mientras rodaba la película, Dern contó que se la podía encontrar a menudo "hablando con Tom, el señor de cincuenta, el profesor del MIT de Boston que me podía orientar sobre qué estaba pasando con la niña".
Una de sus piezas, ‘Medal of Honor Rag’, se basó en la historia real de un veterano de la guerra de Vietnam que volvía a casa como un atormentado héroe. Montada primero en 1975, ha sido representada innumerable veces en el país. En una producción en Los Angeles en 2005, el actor principal fue el rapero Heavy D.
Cuando la pieza fue representada en Broadway en 2001, el New York Times observó que la obra, ambientada en 1971, conservaba toda "su relevancia, su potencia, su torturada piedad".
Entre las otras piezas de Cole se encuentra el drama con dos personajes ‘About Time’, en el que James Whitmore actuaba regularmente. Whitmore murió el 6 de febrero.

Charles Thomas Cole nació en 1933 en Paterson, Nueva Jersey, como el menor de los tres hijos de Helen y David L. Cole. Su padre abogado era un connotado arbitrador laboral y asesor presidencial.
Tras sacar una maestría en historia y literatura en la Universidad de Harvard en 1954, Cole se enroló en el ejército, donde aprendió ruso. En 1959 trabajó como intérprete en la Exposición Nacional Estadounidense en Moscú.
Luego de obtener su licenciatura en ruso y literatura en Harvard, Cole enseñó literatura en el MIT.
Ganó tres premios O. Henry para cuento. En 1966 su novela corta ‘An End to Chivalry’, ganó el premio de la Fundación Rosenthal al logro literario, otorgado por la Academia Americana de Artes y Letras.
Su primer matrimonio terminó en divorcio.
Cuando Chopra andaba buscando a alguien para que colaborara en un guión, un amigo le sugirió a Cole. Se casaron en 1969.
Su hija Sarah Rose Cole, que enseña historia y literatura en Harvard, dijo que su padre pasó de escribir ficción al teatro porque se sentía más cómodo "encontrando las voces de otras personas, a menudo muy diferentes de él mismo".
Además de su esposa e hija, a Cole le sobreviven su hermana Elizabeth y un hermano, Morrill.

14 de abril de 2009
3 de marzo de 2009
©los angeles times
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el enemigo del pueblo

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Director sueco lleva al cine vida de escritor y colaboracionista nazi.

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[Juan Forn] La película empieza con un anciano armado de un bastón que sale furibundo de su casa, mata a palazos a un gallo y murmura: "Al fin un poco de paz". Su mujer lo increpa con desesperación: "¿Paz para qué? ¿Escribiste algo hoy? ¿Escribiste algo en los últimos siete años?". El septuagenario Knut Hamsun mira impertérrito a su esposa Marie y le contesta: "Paz para morir. Eso es lo único que quiero". En el curso de las tres horas siguientes, el Hamsun encarnado por Max von Sidow no conseguirá paz para morir y tampoco dará respiro a quienes lo rodean, a tal punto que, cuando estalle la guerra, una de las hijas dirá: "Al menos nos va a distraer de las peleas de ustedes".
En 1935, cuando Hamsun era El Escritor Nacional para los noruegos (a pesar de que él mismo se consideraba acabado después de recibir el Premio Nobel en 1920), ese idilio indestructible se quebró de golpe, cuando el autor de ‘Hambre y pan’ manifestó públicamente sus simpatías por Hitler. En los años siguientes iría mucho más lejos: primero escribiría varios artículos "de propaganda" a favor de los nazis (convencido por su anglofobia furiosa de que el Reich daría a Noruega el rol de primera línea en Europa que Inglaterra le había arrebatado); luego, cuando su país fue ocupado, urgió a los jóvenes de la Resistencia a rendir sus armas; más tarde acudió orgulloso a un encuentro con el Führer en los Alpes austríacos. Y, por si todo eso fuera poco, en 1945 se atrevió a escribir la necrológica de Hitler para un diario noruego, sabiendo que la guerra estaba terminada y que, en breve, él sería acusado de traición a la patria.
Con ese material tan volátil como escasamente comercial y casi sin apoyo de producción, el director sueco Jan Troell reunió en 1996 a Max von Sidow y a un grupo de actores de teatro suecos, se fue con ellos a Noruega y filmó, con el perfil más bajo posible, una película de tres horas, lacónicamente titulada Hamsun, centrada en los años de mayor ignominia del escritor. El propósito expreso de Troell era ofrecer una reflexión sobre las contradicciones del patriotismo. Su secreta intención: que los noruegos volvieran a leer los libros de ese autor que tanto habían adorado primero y tanto despreciaron después.
Hamsun, que tenía ochenta años cuando empezó la guerra, aceptó con buenos ojos el gobierno títere que instalaron los nazis en su país porque le parecía una alternativa infinitamente mejor que caer en manos de los enemigos históricos de Noruega: los británicos y los rusos. A los rusos los detestaba por atrasados y a los británicos por adelantados: fiel a su odio al industrialismo, él vivía como en el siglo XIX, en su granja sin electricidad en las afueras de Norholm. A causa de su sordera y su desdén por los actos públicos, la encargada de recibir los honores locales y extranjeros era su esposa Marie, que había abandonado su carrera como actriz al casarse con Hamsun y que lamentaba amargamente que su marido pusiese más empeño en morir que en escribir. En determinado momento de la película, cuando las tropas nazis llegan a Norholm, Hamsun tiene su revancha: "¿Querías un rol mejor para interpretar? ¡Ahí lo tienes!", le grita a su esposa. Es que Marie habla alemán, y él no.
Sin embargo, cuando es recibido por el Führer en Austria, Hamsun se niega a llevarla con él. Y va solo al muere: en ese encuentro en el que intentará en vano llevar la conversación hacia el destino que tendrá Noruega después de la guerra, y Hitler sólo mostrará interés por saber en qué momento del día escribe Hamsun y cómo se le ocurrió ‘La bendición de la tierra’, se da un notable viraje en la vida de Hamsun. En cuanto Hitler pierde la paciencia y abandona sin despedirse a su invitado, queda sellado su destino: caído en desgracia para el gobierno del colaboracionista Quisling, que ya no lo necesita, y repudiado por el resto de sus compatriotas, que lo ven como el peor de los colaboracionistas, Hamsun queda más solo y más resentido que nunca.
En ese espíritu escribe la necrológica de Hitler. En ese espíritu contempla la rendición de Alemania y espera su detención. A Marie la condenan a tres años de prisión. El ofrece un problema más difícil de resolver (el propio Molotov había transmitido al gobierno noruego en el exilio el pedido de Stalin: que se dejara morir en paz a Hamsun). Se decide trasladarlo a un psiquiátrico donde se lo somete a una lenta, interminable evaluación que determine si el anciano de 86 años está en sus cabales. Hamsun se da cuenta de lo que pretende el gobierno noruego: que él muera antes de que tenga lugar un proceso judicial ignominioso para todos. Pero lo que él quiere es precisamente eso: ser juzgado. Y así se lo hace saber a médicos y enfermeras, a gritos: "¡No estoy senil, al menos no lo estaba cuando entré a este manicomio!".
A pesar del psiquiatra jefe (que, en su intento por desentrañar el enigma del artista traidor obliga a la encarcelada Marie a confesarle secretos conyugales), Hamsun logra su propósito: es sometido a juicio en los tribunales de Oslo. La sentencia le importa poco: incluso se queda dormido mientras la leen. Para él, el juicio terminó en cuanto hizo su descargo (sin intentar en ningún momento defenderse: lo único que le importaba era que se escuchara su versión de los hechos). Desposeído de sus bienes por el gobierno noruego, repudiado hasta por los niños de su aldea (y repudiando él a Marie, a quien se niega a recibir cuando ella sale de la cárcel), Hamsun decide inesperadamente volver a escribir. Lleva veinte años de nula producción, pero en pocos meses redacta "una obra maestra". Eso al menos es lo que dice su editor cuando lee el original de ‘Por los viejos caminos’ (cuyo sugestivo subtítulo es ‘Con la capacidad mental disminuida’). El editor va a ver a Marie después de leer el libro: no se atreve a enfrentar a Hamsun, decirle que ningún libro suyo podrá publicarse en Noruega, al menos hasta su muerte. Marie mira desconsolada al editor: "¡Entonces no se publicará nunca, porque él no va a morirse! Ya ha hablado con Dios del asunto".
El empecinamiento del escritor terminará venciendo los temores del editor: en 1949, cuando Hamsun cumple noventa años, el libro se publica finalmente, generando un aluvión de críticas contradictorias. A Hamsun le importa sólo una: la de Marie. Le envía un ejemplar. Le hace saber que la quiere de nuevo a su lado. A esa altura de su vida, a Marie le interesa una sola cosa: descansar. "Todos los años que estuve a su lado no pude dormir, porque papá hablaba a gritos con Dios toda la noche", le confiesa a uno de sus hijos antes de volver a vivir con su marido.
Hamsun murió por fin, en 1952, a los noventa y tres años. Hasta el día de hoy ninguna calle en Noruega lleva su nombre pero, después del film de Troell, sus libros volvieron poco a poco a editarse y a leerse en su país. Y, lo que son las cosas del mundo capitalista: esas primeras ediciones de Hamsun que nadie en Noruega quería ni regaladas hasta ayer, se venden hoy en Oslo a miles de dólares, y su precio sigue subiendo.

10 de abril de 2009
©página 12 

murió howard zieff

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Dirigió ‘Private Benjamin’ y otras comedias. A los 81.

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[Dennis McLellan] Murió Howard Zieff, un importante fotógrafo publicitario y director de comerciales para la televisión en los años sesenta y principio de los setentaantes de dedicarse a la dirección de películas, entre las cuales destacan ‘La recluta Benjamin’ [Private Benjamin], ‘Corazones del Oeste’ [Hearts of the West] y ‘Mi primer beso’ [My Girl]. Tenía 81 años.
Zieff murió el sábado tras complicaciones de su Parkinson en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Angeles, informó su esposa, Ronda Gómez-Quiñones.
Empezando con ‘La plaga’ [Slither] en 1973, una comedia con James Caan y Peter Boyle, Zieff dirigió otras ocho comedias, incluyendo ‘Alegrías de un viudo’ [House Calls], ‘Infielmente tuya’ [Unfaithfully Yours] y ‘Una pandilla de lunáticos’ [The Dream Team].
Los efectos del mal de Parkinson obligaron a Zieff a retirarse poco después del estreno de ‘Mi primer beso 2’ [My Girl 2], en 1994.
"Adoraba a Howard y su entusiasmo con la vida", dijo en una declaración al Times el lunes Goldie Hawn, que fue nominada a un Oscar a la mejor actriz por su papel protagónico en ‘La recluta Benjamin’.
"Lo que más recordaba y añoraba era su humor y su risa", dijo. "Tenía un talento especial para dirigir comedias, lo que es siempre un don poco frecuente. Cuando hicimos ‘La recluta Benjamin’, reímos y lloramos juntos. Lo extrañaré mucho".
Richard Benjamin, una de las estrellas de la película ‘Alegrías de un viudo’ de 1978, dijo el lunes al Times que Zieff "tenía un talento maravilloso y era muy, muy inteligente".
"Lo que más querías cuando estabas con él era que riera", dijo Benjamin. "Si lo hacíamos reír, sabíamos que lo estábamos haciendo bien. Y fue un equipo maravilloso con el que simplemente querías que la comedia floreciera. Había un ambiente relajado y agradable, y él lo mantenía de ese modo".
Antes de que Benjamin conociera a Zieff o supiera quién era, ya era un fan del trabajo gráfico de Zieff en anuncios y comerciales de televisión.
Como director de comerciales de televisión en los años sesenta, Zieff se hizo conocido por lo que la revista Tume llamó su "estrafalario sentido del humor y una imaginación aparentemente ilimitada".
Según la revista, era el "principal practicante de lo que en el oficio se llama la venta indirecta: El producto es visible, pero el comercial llega a la audiencia principalmente porque es entretenido y se niega a ser tomado en serio".
Uno de los comerciales mejor conocidos de Zieff fue el de Alka-Seltzer. ‘Mamma Mia, esta sí que es una albóndiga picante’ en el que se muestra a un equipo de comerciales de televisión filmando a un hombre de edad mediana sentado a una mesa de cocina donde su esposa le ha servido un plato de albóndigas.
"Mamma mia, esta sí que es una albóndiga picante", dice después de comerse un bocado.
"Corten", dice el director fuera de pantalla.
"¿Qué pasa con la toma?", pregunta el actor de las albóndigas.
"El acento".
Y así sigue, debiendo repetir toma tras toma. En la toma 59, los efectos de engullirse todas esas albóndigas empiezan a pasarle la cuenta.
"A veces uno come más de lo que debería", dice el anunciado off-camera. "Y cuando además es picante, mamma mia, lo que necesitas es un Alka-Seltzer..."
Cuando la revista Time lo llamó el ‘Maestro de la Mini Ja-Ja’ en 1967, había dirigido doscientos comerciales en los seis años previos.
Pero también era conocido por sus anuncios en revistas, incluyendo una memorable serie de anuncios para Levy’s Real Jewish Rye Bread que mostraba a un indio norteamericano, un chino y un niño negro.
La muletilla era: "No tienes que ser judío para querer un Levy".
Charlie Moss, ex director creativo de Wells, Rich and Greene, la agencia neoyorquina que empezó en 1966 y está ahora desaparecida, dijo que "una de las grandes contribuciones de Zieff al ramo fue su uso de actores que representaban a gente de verdad, en lugar de modelos".
Entre los desconocidos jóvenes actores a los que Zieff contrató para sus comerciales se encontraban Dustin Hoffman, Robert de Niro y Richard Dreyfuss.
"Durante un periodo fue el rey de la publicidad y luego dejó Nueva York para marcharse a Hollywood", dijo Moss. "Recuerdo que durante esos años era un punto a favor en tus credenciales si Howard consideraba tu comercial como algo que él quisiera hacer".

Zieff nació el 21 de octubre de 1927 en Chicago y se mudó más tarde, con su familia, al distrito de Boyle Heights, en Los Angeles Este.
Estudió arte durante un año en el Los Angeles City College. Abandonó la carrera en 1946 para enrolarse en la Armada y estudió fotografía en la escuela naval de fotografía.
Tras volver a Los Angeles después de su licenciamiento se inscribió en el Art Center College of Design. Trabajó durante un breve periodo en un canal de televisión en Nueva York, donde empezó como fotógrafo publicitario.
Además de su esposa, le sobrevive su hermana Margie Finn.

9 de abril de 2009
24 de febrero de 2009
©los angeles times 
cc traducción mQh

murió dorothy bridges

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Era el corazón de una familia de actores. Fue la esposa de Lloyd Bridges durante 59 años y la madre de los actores Beau y Jeff Bridges. Se la recuerda como la fuerza creativa tras ellos.

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[Dennis McLellan] Murió Dorothy Bridges, viuda del actor Lloyd Bridges y madre de los actores Beau y Jeff. Tenía 93 años.
Bridges murió el lunes por causas naturales en su casa en Holmby Hills, donde ella y su último marido criaron a sus dos hijos y a su hija artista, Lucinda, anunció su familia.
Actriz ocasional que apareció en varias películas y producciones de televisión con miembros de su familia, Bridges estuvo casada durante 59 años con Lloyd, que alcanzó la fama a fines de los años cincuenta como la estrella de la serie de televisión ‘Caza submarina’ [Sea Hunt] y más tarde tuvo roles en las comedias ‘Airplane’ y ‘La madre de todos los desmadres’ [Hot Shots]. Él murió en 1998.
Durante su largo matrimonio, Dorothy Bridges escribió poemas y celebró cada Día de los Enamorados con un poema de amor dedicado a su marido.
En 2005, a los 89, los reunió en el libro ‘You Caught Me Kissing: A Love Story’, que hacía la crónica de su vida juntos, con fotos y comentarios de ella y sus hijos.
"Era el corazón" de la familia, dijo Jeff Bridges al Times el viernes. "Mi papá era como la fachada: Él recibía toda la atención pública. Pero mi mamá estaba detrás de todo, manteniendo las cosas juntas, y lo hacía con su particular tipo de bríos".
También fue la primera profesora de teatro de sus hijos.
"Era una persona muy creativa y nos inspiró a todos", dijo Jeff, recordando que cuando eran pequeños él y su hermano y hermana, su madre les dedicaba una hora al día a cada uno para hacer todo lo que quiere hacer un niño: desde "vestirnos como payasos" hasta "jugar a las naves espaciales".
"En esos tiempos aprendimos con mamá a ‘hacer como si’, que es básicamente la base de la actuación", dijo, agregando que sus dos padres habían estudiado con el famoso profesor de actuación Michael Chekhov, "y un montón de las cosas que mamá aprendió con él, nos las transmitió a nosotros".

Nacida como Dorothy Louise Simpson el 19 de septiembre de 1915, su familia se mudó a Los Angeles cuando tenía dos años.
Estudió en la UCLA donde apareció en una pequeña producción dramática en la que el actor principal era Lloyd Bridges. Se casaron en Nueva York en 1938 y volvieron a Los Angeles a principio de los años cuarenta, cuando Lloyd firmó un contrato con Columbia Pictures.
Dorothy Bridges apareció más tarde en la pantalla con otros miembros de su familia, en ‘Caza submarina’, en la película para la televisión ‘The Thanksgiving Promise’, de 1986, en la película ‘See You in the Morning’ y en la película para la televisión ‘Pecados inconfesables de un padre’ [Secret Sins of the Father], de 1994.
Además de sus tres hijos, la sobreviven su hermano Frederick Simpson Jr.; once nietos; y dos biznietos.

8 abril de 2009
21 de febrero de 2009
©los angeles times 
cc traducción mQh

murió oreste lionello

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Doblador de cine conocido como la ‘voz’ de Woody Allen.

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Roma, Italia. En Roma murió hoy en un hospital Oreste Lionello, artista y doblador de cine que era la ‘voz’ italiana de Woody Allen, Jerry Lewis y otras estrellas del cine cómico.
Lionello, 81, era una estrella en la importante industria del doblaje cinematográfico en Italia.
Pocos cines italianos proyectan películas en el idioma original, así que los cinéfilos sólo conocen las voces de las estrellas de Hollywood mediante dobladores como Lionello.
El actor y director italiano Pier Francesco Pingitore, que hacía números de cabaret con Lionello, dijo que el doblador murió el jueves en la mañana después de una larga enfermedad. No se proporcionaron detalles sobre la enfermedad.
Además de Allen y Lewis, otros actores doblados por Lionello fueron, entre otros, Peter Sellers, Marty Feldman y Charlie Chaplin en ’El gran dictador’ [The Great Dictator].
A veces Lionello respondía el teléfono diciendo: "Soy la voz de Woody Allen". Para los que sólo habían visto las películas de Allen en italiano, oír la verdadera voz de Woody Allen podía ser chocante. El doblaje de Lionello captaba todos los tonos neuróticos y sarcásticos del habla de Allen.
Al principio de su carrera, Lionello trabajó en teatro como un actor cómico y en cabaret, donde se destacó por sus imitaciones del veterano político italiano Giulio Andreotti. Lionello también trabajó exitosamente como artista en la televisión italiana en los años setenta y ochenta.
Pero fue en el doblaje donde ganó su mayor fama.
Mientras en otros países europeos se dispone de versiones subtituladas de películas extranjeras en el idioma original, la mayoría de los cientos de películas importadas cada año en Italia son dobladas.
Algunos distribuidores dicen que el doblaje persiste debido a que mucha gente no asiste a las proyecciones subtituladas.

24 de febrero de 2009
19 de febrero de 2009
©los angeles times
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murió dale wasserman

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Dramaturgo mejor conocido por ‘El hombre de La Mancha’. A los 94.

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[Dennis McLellan] Murió Dale Wasserman, dramaturgo mejor conocido por el musical de Broadway galardonado con un Tony, por ‘El hombre de La Mancha’ y la versión teatral de la novela de Ken Kessey, ‘Atrapado sin salida’ [One Flew Over the Cuckoo’s Nest; Alguien voló sobre el nido del cuco’. Tenía 84 años.
Wasserman murió el domingo por una insuficiencia cardiaca en su casa en Paradise Valley, Arizona, informó Richard Warren, un amigo.
Wasserman pasó de escribir para la televisión en vivo en los años cincuenta, a escribir los guiones de varias películas, incluyendo ‘Los vikingos’ [The Vikings] (1958), con Kirk Douglas; y ‘La mujer sin rostro’ [Mister Buddwing] (1966), con James Garner.
Pero fue como uno de los más producidos dramaturgos vivos de Estados Unidos, en gran parte gracias a ‘El hombre de La Mancha’, que fue mejor conocido en las últimas cuatro décadas.
‘El hombre de La Mancha’, con música de Mitch Leigh y letra de Joe Darion, estrenó en 1965 y terminó en 1971 después de más de 2.300 presentaciones en cuatro teatros diferentes de Nueva York.
El musical -basado en la vida del novelista y dramaturgo español Miguel de Cervantes y la famosa creación de Cervantes, Don Quijote- ganó cinco Tonys, incluyendo al mejor musical, al mejor compositor y al mejor actor en un musical (para Richard Kiley).
En 1997, Wasserman dijo a Seattle Post-Intelligencer que ‘El hombre de La Mancha’ había sido traducido al menos a cuarenta idiomas y "hay siempre entre cuarenta y cincuenta producciones siendo realizadas en cualquier momento".
El musical, dijo Wasserman al Times en 1994, "también apela al otro lado de la frontera, sin ninguna referencia a situaciones políticas -es tan universal como posible. Por supuesto, cuando lo estaba escribiendo no lo sabía".
La génesis de ‘El hombre de La Mancha’, fue ‘I, Don Quixote’, de Wasserman, un drama para la televisión de noventa minutos sobre ‘The Du Pont Show of the Month’, con Lee J. Cobb tanto como Cervantes como Don Quijote y Eli Wallach como Sancho Panza.
Wasserman estaba viviendo en España y trabajaba en un guión cuando decidió escribir teatro para la televisión.
"Un artículo en International Herald-Tribune decía erróneamente que yo estaba en el país escribiendo una nueva adaptación de ‘Don Quijote’", recordó en la entrevista con el Times de 1994.
"Así que nunca leí la novela. Todavía no la he leído completamente. De hecho, no me gusta la novela".
Pero, dijo, observó que "habían habido más de cuatrocientas adaptaciones de ‘Don Quijote’ y fracasaron todas. Lo he estado investigando, y lo que me interesaba era el personaje de Cervantes, no Don Quijote".
Como dijo Wasserman sobre Cervantes en una entrevista de 1959 con el Times: "Aquí, ciertamente, fue uno de los hombres más desgraciados que ha vivido. Afligido por la pobreza, perseguido por la mala fortuna, su vida fue una saga de fracasos... cinco veces en la cárcel, dos veces excomulgado por la iglesia, a menudo a punto de morir de hambre, soportaba las penurias con buen humor y una inagotable fe en la vida".
Cervantes estaba en sus cincuenta y en la cárcel cuando empezó a escribir su clásico literario.
Al hacer su pieza para la televisión sobre Cervantes, Wasserman dijo que decidió "expresar su espíritu en términos de los personajes literarios que creaba: su coraje, su humor y su creencia en la ilusión como el pan de la vida".
Si se pudiera definir su pieza en una sola frase, Wasserman dijo que sería en el credo que escribió para el Quijote:
"Soñar el sueño imposible, derrotar al enemigo invencible y no dejar nunca de soñar o pelear: este es un privilegio del hombre y la única vida que vale la pena vivir".
La adaptación al teatro, de Wasserman, de ‘Atrapado sin salida’ [One Flew Over the Cuckoo’s Nest], la novela de Kesey de 1962 ambientada en un hospital psiquiátrico, con Kirk Douglas como el rebelde Randall P. Murphy. La pieza fue estrenada en Broadway en 1963 y terminó después de 82 presentaciones.
"Fue terrible", dijo Wasserman al Seattle Times en 1997. "Kirk tenía tanto miedo de volver al teatro vivo que se refugió en ser amoroso en todo momento de la pieza. Pero su personaje era mitad Cristo, mitad hombre, y lejos de ser amoroso".
De acuerdo al artículo del Seattle Times, Wasserman recuperó más tarde los derechos plenos de su guión ‘Atrapado sin salida’, y la pieza ha sido producida en teatros regionales y en el extranjero. En 2001 ganó un Tony al mejor remake de una pieza.

Wasserman nació el 2 de noviembre de 1914 en Rhinelander, Wisconsin. Tras quedar huérfano a los nueve, vivió en un orfanato y durante un breve período con un hermano mayor en Dakota Sur.
"Soy un vagabundo", dijo Wasserman al Daily Breeze en 2001. "Fui un vagabundo durante toda mi adolescencia, viajando en tren y viviendo alternativamente en la terraza de los edificios de Spring Street en el centro de Los Angeles.
"La única educación que tuve fue leer... Lamento no haber recibido una enseñanza formal. Pero sí aprendí a conocer a la naturaleza humana, aunque a veces fue muy rudo".
A los diecinueve, vivía en un tejado de Spring Street, contó al Times en 1995, cuando se unió a la troupe de teatro callejero llamada Rebel Players.
Trabajó, entre otras cosas, como director de escena, fue director del Proyecto Teatro Federal y se encargó de la escenificación y diseño de las luces para la compañía de danza Katherine Dunham.
También fue el productor original del musical de Broadway de 1946, ‘Beggar’s Holiday’, la versión jazzística de Duke Ellington, de ‘La ópera del mendigo’ [The Beggar’s Opera], de John Gay. La producción debió ser protegida con piquetes porque incluía un romance interracial.
Sesenta años después, Wasserman reformuló el guión y rescribió el libro y la letra para una nueva producción del musical que tuvo su debut mundial en la Marin Theater Company en 2004.
Hasta su muerte, Wasserman estaba trabajando en varias piezas nuevas y a la espera del estreno el 9 de enero de la nueva comedia ‘Premiere!’ en Theater Works en Peoria, Arizona.
Le sobrevive su esposa durante treinta años, Martha.

21 de febrero de 2009
©los angeles times
cc traducción mQh

murió philip carey

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Fue uno de los protagonistas de ‘Laredo’ y tuvo un largo papel en ‘One Life to Live’. También era conocido por su serie de comerciales en los años sesenta.

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[Dennis McLellan] Murió Philip Carey, el guapo y recio veterano que fue una de las estrellas en la película de vaqueros para la televisión, ‘Laredo’, en los años sesenta y más recientemente tuvo un largo papel como el magnate de Texas en la novela de ABC, ‘One Life to Live’. Tenía 83 años.
Carey, que también era conocido en California del Sur en los años sesenta por su irónica serie de comerciales para las patatas fritas, murió el viernes en su casa en Nueva York por un cáncer al pulmón, informó Lauri Hogan, director de publicidad de ‘One Life to Live’.
El alto actor de voz grave empezó representando a Asa Buchanan, el tenaz patriarca de la familia Buchanan que podía ser implacable en los negocios y hacer lo que tuviera que hacer para proteger a su familia, en 1980.
A Carey le diagnosticaron cáncer al pulmón a principio de 2006, dijo Hogan. Pidió permiso de ‘One Life to Live’ para seguir un tratamiento y volvió al programa un año más tarde.
El personaje de Carey -el magnate- murió en el episodio de agosto 2007, durmiendo, pero fue resucitado dos veces en video y apareció en los episodios del cuarenta aniversario del programa en julio de 2008. La última aparición de Carey fue el 29 de diciembre.
Erika Slezak, del reparto de ‘One Life to Live’, dijo que le tenía "mucho cariño" a Carey.
"Era una figura central en el programa y para todos en ‘One Life to Live’", dijo en una declaración. "Sabías cuando Phil estaba en el edificio. Lo echaremos mucho de menos".
Robert S. Woods, que fue hijo de Carey en la pantalla, Bo Buchanan, dijo en una declaración que Carey había sido "como un padre para mí".
"No sé si podría quererlo más si fuera mi padre", dijo Woods.
Ex actor de reparto en Hollywood en los años cincuenta, Carey hizo su debut en el cine con un papel secundario en la película de guerra de John Wayne, ‘Operación Pacífico’ [Operation Pacific] en 1951.
Bajo contrato con Warner Bros. y luego con Columbia Pictures durante los años siguientes, apareció en películas como ‘Yo fui un comunista para el FBI’ [I Was a Communist for the FBI], ‘El honor del capitán Lex’ [Springfield Rifle], ‘Doris Day en el oeste’ [Calamity Jane], ‘Cuna de héroes’ y ‘Mister Roberts’.
Carey también fue protagonista de películas como ‘The Nebraskan’, ‘Emboscada trágica’ [Massacre Canyon] y ‘El corcel blanco’ [The Outlaw Stallion].
En televisión fue protagonista de ‘Los lanceros de Bengala’ [Tales of the 77th Bengal Lancers], una serie de aventuras de NBC en 1956-57 ambientada en India a fines del siglo diecinueve. Fue actor principal en ‘Philip Marlowe’, un drama de detectives de ABC en 1959-60. Y también co-protagonista en ‘Laredo’, de NBC, de 1965 a 1967.
Al mismo tiempo que Carey hacía del capitán de guardabosques Edward Parmalee, de Texas, en ‘Laredo’, los televidentes de California del Sur lo miraban en su memorable serie de comerciales humorísticos para Granny Goose Potato Chips.
Como se observa en la página web TV Acres, "la misión principal de Carey en los reclames de televisión era rescatar a una mujer bella atrapad en una situación peligrosa".
"Cuando parecía que la heroína estaba perdida, aparecía nuestro héroe con la idiota frase: ‘Quizás no lo crea... pero mi nombre es Granny Goose’".
Más tarde Carey aparecería como invitado en series de televisión como ‘The Ford Television Theatre’, ‘El hombre del rifle’ [The Rifleman], ‘Cheyenne’, ‘Ataque al enemigo’ [The Gallant Men], ‘Sunset Strip 77’ [77 Sunset Strip], ‘Reto al mal’ [Felony Squad] y ‘Mi familia’ [All in the Family].

Nacido como Eugene Joseph Carey el 15 de julio de 1925 en Hackensack, Nueva Jersey, creció en las ciudades suburbanas de Long Island, Rosedale y Malverne.
Sirvió en el Cuerpo de Marines durante la Segunda Guerra Mundial y resultó herido cuando el portaaviones Franklin fue atacado frente a la costa japonesa en 1945 y murieron cientos de tripulantes. También sirvió en la Guerra de Corea.
Estudió teatro en la Universidad de Miami y estaba trabajando en algunas piezas de verano en Long Island cuando tuvo su gran despegue: un cazatalentos de Warner Bros. le pidió que fuera a una audición para el papel de ‘Operación Pacífico’.
"Me llevaron a la costa", dijo Carey en una entrevista en 1994 con el Sun-Sentinel de Fort Lauderdale, recordando el largo vuelo en los aviones relativamente lentos de esa época.
"Iban a ver a otros actores más para ese papel", contó. "Yo estaba en el estudio con los otros tipos y de repente veo a John Wayne. Me miró y me dijo: ‘Te ves cansado... Vete a descansar a mi camerino’, lo que hice. Después de la escena, Wayne me dijo: ‘El papel es tuyo, chico’".
Le sobreviven su esposa Colleen y sus dos hijos, Shannon y Sean; y sus tres hijos de un matrimonio previo: Lisa, Linda y Jeff. También le sobreviven tres nietos.

20 de febrero de 2009
10 de febrero de 2009
©los angeles times 
cc traducción mQh